THE DIVISION BELL - Pink Floyd

The Division Belles el decimocuarto y último álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Se lanzó el 28 de marzo de 1994 en el Reino Unido a través de EMI Records y el 4 de abril del mismo año en Estados Unidos a través de Columbia Records. Es el segundo álbum de estudio que no cuenta con la presencia del bajista original Roger Waters.

Compuesto en su gran mayoría por el guitarrista David Gilmour y el teclista Richard Wright, el tema central del disco es la comunicación entre las personas, o la falta de ella, acompañado de otros temas relacionados como el aislamiento, la ambigüedad, el enfrentamiento o la autodefensa. La grabación tuvo lugar en diversos estudios, incluyendo los Estudios Britannia Row y la casa flotante de Gilmour, Astoria. La producción contó con la ayuda de algunos incondicionales de la banda como el productor discográfico Bob Ezrin, el ingeniero de sonido Andy Jackson, el saxofonista Dick Parry y el director de orquesta Michael Kamen. La mujer de Gilmour, Polly Samson, coescribió algunas de las letras, mientras que Wright hizo su primer aporte como vocalista principal desde el álbum de 1973 The Dark Side of the Moon.

Gran parte del álbum trata sobre temas relacionados con la comunicación, es decir, la idea de que muchos de los problemas de la vida se pueden solventar con el diálogo. Canciones como "Poles Apart" y "Lost for Words" a veces son interpretadas como referencias al largo distanciamiento entre el antiguo miembro Roger Waters y Pink Floyd, aunque Gilmour ha negado que el álbum sea una alegoría sobre dicha separación. En 1994 dijo: "La gente puede inventar y relacionar una canción de forma personal, pero ya es un poco tarde para intentar hacer magia con lo de Roger".

La temática general de la comunicación se refleja en el mismo título del álbum; The Division Bell se inspiró en el division bell utilizado en el Parlamento del Reino Unido, cuya utilización indica que se va a llevar a cabo una votación. El baterísta Nick Mason comentó más sobre esto en 1994, diciendo que "sí tenía algo de significado. Trata sobre que la gente tome decisiones, sí es o no es".

Producido sólo unos años después de la caída del bloque del Este, la canción "A Great Day for Freedom" yuxtapone la euforia general de, por ejemplo, la caída del Muro de Berlín, con la limpieza étnica y el genocidio que le siguió, en particular en la antigua Yugoslavia. Se utilizaron samplesde la voz de Stephen Hawking para la parte hablada de la canción "Keep Talking". Gilmour oyó por primera vez las palabras del profesor en un anuncio de la televisión británica, sintiéndose tan interesado por el sentimiento de Hawking que decidió contactar con la compañía que se encargó de hacer el anuncio para pedir permiso para utilizarlo en el álbum. Enfatizando en el tema general de la falta de comunicación, al final del disco se puede oír al hijastro de Gilmour, Charlie, colgándole el teléfono al mánager de Pink Floyd Steve O'Rourke, que había estado pidiendo aparecer en el nuevo álbum (en la canción). En el programa radiofónico In the Studio, el DJ Redbeard, concluyó que el álbum ofrecía "la verdadera posibilidad de trascender todo, a través de grandes momentos de gracia".

A pesar de las buenas ventas, la recepción por parte de la crítica fue, en general, mala, aunque esto ha cambiado con el tiempo. Roger Waters llegó a expresar que era "basura, tonterías de principio a fin". El crítico de Entertainment Weekly, Tom Sinclair, concedió al álbum una calificación de "D", comentando que "la avaricia es la única explicación posible para este álbum simple y estúpido, notable por la fusión de rock progresivo pomposo y New age que pone enfermo". El crítico de Rolling Stone Tom Graves criticó la actuación de Gilmour, afirmando que sus solos de guitarra "una vez fueron el centro de la banda, tan articulados, melódicos y bien definidos como cualquiera en el rock, [pero] ahora se acomoda y se va por las ramas, haciendo de ellas tan olvidables como antes eran indelebles", añadiendo que "sólo en "What Do You Want from Me" Gilmour suena como quiere". Sin embargo, el álbum hoy en día es bien aceptado tanto por los fans como por los críticos. Por ejemplo, posee un promedio de 3.75 en ProgArchives.com, una página dedicada al rock progresivo. El 24% califica al álbum con 5/5, mientras el 44% lo califica con 4/5. El 22% le da al álbum un 3/5. El resto lo califica con 2/5.

El álbum fue nominado a "mejor álbum de artista británico", en los Premios Brit de 1995, perdiendo con el álbum de BlurParklife. En marzo de 1995 la banda recibió un Premio Grammy a "la mejor actuación de rock instrumental" por la canción "Marooned".

1. Cluster One (Gilmour, Wright) – 5:58
2. What Do You Want from Me? (Gilmour, Samson,Wright) – 4:21
3. Poles Apart (Gilmour, Samson, Laird-Clowes) – 7:04
4. Marooned (Gilmour, Wright) – 5:29
5. A Great Day For Freedom (Gilmour, Samson) – 4:17
6. Wearing the Inside Out (Moore, Wright) – 6:49
7. Take It Back (Laird-Clowes, Gilmour, Samson, Ezrin) – 6:12
8. Coming Back to Life (Gilmour) – 6:19
9. Keep Talking (Gilmour, Samson, Wright) – 6:11
10. Lost for Words (Gilmour, Samson) – 5:14
11. High Hopes (Gilmour, Samson) – 8:31

• David Gilmour – voz principal, guitarras, bajo, guitarra acústica, teclados, producción, mezclas, programación
• Nick Mason – batería, percusión, programación
• Richard Wright – teclados, piano, voz
  

Músicos adicionales

• Jon Carin – programación y teclados adicionales
• Guy Pratt – bajo
• Gary Wallis – percusión
• Tim Renwick – guitarras
• Dick Parry – saxofón tenor
• Bob Ezrin – teclados y percusión
• Sam Brown – coros
• Durga McBroom – coros
• Carol Kenyon – coros
• Jackie Sheridan – coros
• Rebecca Leigh-White – coros

Leer mas

REMAIN IN LIGHT - Talking Heads

Remain in Lightes el cuarto álbum de estudio de la banda de new wave estadounidense Talking Heads, lanzado en octubre de 1980 en Sire Records. Fue grabado en Bahamas y Estados Unidos entre julio y agosto de 1980 y fue producido por el antiguo colaborador del cuarteto Brian Eno. El álbum alcanzó la posición nº 19 en el Billboard200 de Estados Unidos y el puesto 21 en el UK Albums Chart. Dos sencillos fueron sacados a la venta de Remain in Light: «Once in a Lifetime» y «Houses in Motion». El álbum fue certificado disco de oro en Estados Unidos y en Canadá durante los ochenta.

Los integrantes de los Talking Heads querían hacer un álbum que disipara la idea del líder y letrista jefe David Byrne dirigiendo una banda de apoyo. Por lo que decidieron experimentar con polirritmos africanos, y con Eno, grabaron las pistas instrumentales como una serie de samples y loops, una idea novedosa para esos tiempos. Músicos adicionales colaboraron frecuentemente durante las sesiones de estudio. El proceso de la escritura de las letras atrasó el avance de Remain in Light, pero éste fue concluido después de que Byrne se inspirara en la literatura académica en África. Las ilustraciones fueron hechas con la ayuda de los computadores del Instituto Tecnológico de Massachusetts y la compañía de diseño M&Co.. Después de la finalización del álbum, la banda se expandió a nueve integrantes para conciertos promocionales.

Remain in Light fue ampliamente aclamado por los críticos. Los elogios se centraron en su fusión cohesiva de géneros dispares y su experimentación sónica. El álbum ha sido puesto en varias listas de los mejores álbumes de los 80 y los mejores álbumes de todos los tiempos. Es a menudo considerado el magnum opus de los Talking Heads. En el año 2006, fue remasterizado y relanzado con la adición de 4 tomas descartadas sin finalizar.

Según el sicoanalista Michael A. Brog, Remain in Lightcontiene 8 canciones que poseen un "ambiente asombroso de asociación libre" en donde no hay ninguna idea coherente duradera que pueda ser seguida en las letras del monólogo interior. David Gans instruyó a Byrne a que fuera más libre con el contenido de sus letras aconsejándole que "el pensamiento racional tiene sus límites". El líder incluyó una bibliografía con el comunicado de prensa del álbum junto a una declaración que explicaba como el álbum había sido inspirado por mitologías y ritmos africanos. El comunicado enfatizaba que la mayor inspiración a las letras fue African Rhythm and African Sensibilitydel profesor John Miller Chernoff, en la cual examinaba el mejoramiento musical de la vida en las comunidades rurales del continente. El académico viajó a Ghana en 1970 a estudiar la percusión nativa y escribió acerca de como los africanos tienen complejas conversaciones a través de patrones de batería. Una de las canciones, «The Great Curve», ejemplifica la temática africana incluyendo la línea "el mundo se mueve alrededor de las caderas de una mujer", la cual Byrne usó después de leer el libro African Art in Motionde Robert Farris Thompson. Él adicionalmente estudió discurso directo, desde el testimonio de Watergatede John Dean hasta las historias de antiguos esclavos afroamericanos.

Como todos los demás temas, el abridor del álbum «Born Under Punches (The Heat Goes On)» pide prestado "sermoneo, griterío y despotricamiento". Byrne reescribió el titulo de la canción «Don't Worry About the Government» del álbum debut de los Talking Heads, Talking Heads: 77, en la línea "Look at the hands of a government man". La expresión "And the Heat Goes On", usada en el título y repetida en el coro, está basada en un titular del New York Postque Eno leyó en el verano de 1980. La "diatriba rítmica" en «Crosseyed and Painless» "Facts are simple and facts are straight. Facts are lazy and facts are late." está influenciada por el Old school rap, específicamente por la canción «The Breaks» de Kurtis Blow, la cual Frantz le había dado a Byrne. «Once in a Lifetime» toma gran parte de las diatribas de los predicadores. Algunos críticos han sugerido que la canción es "Una clase de golpe profético en los excesos de los 80". Byrne no estuvo de acuerdo con la categorización y comentó que las letras estaban hechas para ser interpretadas literalmente; él indicó, "Estamos en gran parte inconscientes. Tú sabes, operamos medio despiertos o en piloto automático y terminamos, con una casa, familia, trabajo y todo lo demás, y no nos hemos realmente detenido a preguntarnos '¿Como llegué hasta acá?'".

Byrne ha descrito la mezcla final del álbum como una obra de arte "espiritual", "alegre y extática y aun así es seria"; él además ha señalado que al final había "menos africanismo en Remain in Light de lo que suponíamos... pero las ideas africanas eran mucho más importantes de comunicar que los ritmos específicos". Según Eno, el álbum sólo mezcla funk con punk o new wave. Ninguna de las composiciones incluyen cambios de acordes y en cambio dependen del uso de diferentes armónicos y notas. Riffs y pistas en capas de bajos y percusión son muy usados a lo largo del álbum.

El primer lado del vinilo contiene las canciones más rítmicas—«Born Under Punches (The Heat Goes On)», «Crosseyed and Painless», y «The Great Curve»—las cuales incluyen largos interludios instrumentales. Este último tema contiene largos solos de guitarra de Adrian Belew.

La segunda cara de Remain in Lightcontiene canciones más introspectivas. «Once in a Lifetime» rinde homenaje a las primeras técnicas del rap y a la música de The Velvet Underground. El tema se llamaba originalmente "Weird Guitar Riff Song" debido a su composición. La canción fue concebida como un riff sencillo antes de que la banda añadiera un segundo y más rápido riff encima del primero. Eno alternó 8 compases de cada riff con los correspondientes compases de su contraparte. «Houses in Motion» incorpora interpretaciones largas de instrumentos de metal de John Hassel, mientras «Listening Wind» incorpora elementos de la música árabe. EL último tema del álbum, «The Overload», fue un intento de emular el sonido de la banda británica de post-punk Joy Division. La canción fue hecha a pesar de que ningún integrante de la banda había escuchado la música de Joy Division; fue basada en una idea de cómo el cuarteto británico podríasonar basado en las descripciones de la prensa músical. La canción contiene rítmos "tribal-cum-industrial" creados principalmente por Harrison y Byrne.

La portada fue creada por Weymouth y Frantz con la ayuda del profesor del Instituto Tecnológico de Massachusetts Walter Bender y su equipo del MIT Media Lab. Usando Melody Attackcomo inspiración, la pareja creó un collage de aviones de guerra rojos volando en formación sobre los Himalayas. Los aviones eran una representación de los Grumman Avenger en honor al padre de Weymouth, quien era un almirante de la Armada de los Estados Unidos. La idea para la contraportada incluía retratos sencillos de los miembros de la banda. Weymouth asistía regularmente durante el verano de 1980 y trabajaba con el asistente de Bender, Scott Fisher, en las interpretaciones de los computadores de las ideas. El proceso fue tortuoso debido a que la potencia de las computadoras era limitado y la computadora central de por sí ya ocupaba varias habitaciones. Weymouth y Fisher compartían una pasión por las máscaras y usaron el concepto para experimentar con los retratos. Las caras fueron borradas con bloques de color rojo. Weymouth consideró sobreponer la cara de Eno encima de los cuatro retratos para insinuar su egotismo, el productor quería estar en la portada junto los Talking Heads pero al final decidieron no hacerlo.

Remain in Lightfue nombrado como el mejor álbum de 1980 por Soundsy por Melody Maker, mientras "The New York Times" lo incluyó en su preselección de candidatos sin numerar a los 10 mejores discos lanzados ese año. El álbum tuvo buenas posiciones en otras listas de los mejores álbumes del año, especialmente en el puesto número dos, detrás de London Callingde The Clash, según Robert Christgau, y en el número seis por NME. Se destacó en el puesto número tres detrás de London Callingy The Riverde Bruce Springsteen, en la encuesta de The Village VoicePazz & Jop del año 1980, el cual incluye los votos de cientos de destacados críticos.

En 1989 Rolling Stone nombró a Remain in Light como el cuarto mejor álbum de la década. En el año 1993, fue posicionado como el número 11 en la lista de los 50 mejores álbumes de los ochenta hecha por NME, y número 68 en la lista de los mejores álbumes de todos los tiempos.

La reedición remasterizada fue producida por Andy Zax con la ayuda de los Talking Heads

Todas las canciones fueron escritas y compuestas por Talking Heads y Brian Eno:

Cara A

1. Born Under Punches (The Heat Goes On) – 5:49
2. Crosseyed and Painless – 4:48
3. The Great Curve – 6:28

Cara B

4. Once in a Lifetime – 4:23
5. Houses in Motion – 4:33
6. Seen and Not Seen – 3:25
7. Listening Wind – 4:43
8. The Overload – 6:01

Temas descartados incluidos en el CD Expandido

9. Fela's Riff – 5:19
10. Unison – 4:50
11. Double Groove – 4:28
12. Right Start – 4:07

• David Byrne – Voz, guitarras, bajo, teclados, percusión, arreglos vocales
• Jerry Harrison – guitarras, teclados, acompañamiento vocal
• Tina Weymouth – bajo, teclados, percusión, acompañamiento vocal
• Chris Frantz – batería, percusión, teclados, acompañamiento vocal

Músicos adicionales

• Brian Eno – bajo, teclados, percusión, acompañamiento vocal, arreglos vocales
• Nona Hendryx – acompañamiento vocal
• Adrian Belew – guitarra
• Robert Palmer – percusión
• Jose Rossy – percusión
• Jon Hassell – trompetas, horns

Leer mas

21 - Adele

21es el segundo álbum de estudio de la cantante británica de soul Adele, lanzado por el sello XL Recordings y Columbia a principios del2011. La elección del título proviene de la edad que tenía la cantante al comenzar a escribir las canciones que componen el álbum.

El disco se lanza con gran éxito de crítica en todo el mundo, tanto por la interpretación vocal de Adele como por sus composiciones introspectivas. Precedido por el single principal «Rolling in the Deep», el álbum debuta en el número uno en las listas del Reino Unido, vendiendo 208.000 copias en la primera semana; también consigue el número uno en diecisiete países. En los EE.UU también obtiene esa posición en la lista Billboard200, con unas ventas de más de 352.000 copias en esa primera semana. Asimismo, y de acuerdo al sistema de información Nielsen SoundScan, 21lleva vendidos más de 10 millones de copias en Estados Unidos, lo que lo convierten en el álbum más vendido en todo el 2011 y 2012 obteniendo el disco de diamante en ese país. En México'21es certificado con cuatro Discos de Platino y uno de Oro, por más de 270.000 copias vendidas, mientras que en Chile vendió 45.000 copias hasta junio del2013 y se convirtió en el quinto álbum más vendido en formato físico durante el siglo XXI, así como también en el título anglo más vendido durante el siglo en el país. Hasta el momento "21" suma más de 25 millones de copias vendidas, por lo que ocupa el puesto 47 de los álbumes más vendidos de todos los tiempos, cifra que, según lo expertos de la industria, seguirá aumentando dado su excelente desempeño comercial desde su publicación, en enero del2011. "21" es reconocido en Septiemebre del2012 como la 2° producción musical y el álbum más vendido del siglo XXI, siendo superado únicamente por el recopilatorio "1" de The Beatles. Igualó el récord de Michael Jackson quien gracias a su legendario Thriller logró el dominio total en ventas por 2 años consecutivos. En Chile, el álbum ha estado liderando por 15 semanas no consecutivas, lo que lo hace el álbum más vendido de Chile en los últimos 7 años.

21es escogido como el mejor álbum del2011 por la revista Rolling Stone. En los Grammy de 2012 recibe el galardón de "Álbum Del Año" y "Mejor Álbum Vocal". Además, la revista Rolling Stone clasificó "21" como el 6° mejor álbum hecho por una artista femenina en la historia de la música. A finales del2012, había vendido 4.562.000 copias en el Reino Unido, donde se convirtió en el cuarto álbum más vendido en la historia del estado, luego de superar a Thrillerde Michael Jackson (1982) y a (What's The Story) Morning Glory?de Oasis.

En abril del 2009, Adele, de 20 años, se embarcó en su primera relación seria con un hombre 10 años mayor que ella. En respuesta a que los medios la llamaron como una "alma vieja" después de escuchar las canciones de su álbum debut 19, Adele quiso que su segundo álbum fuera más contemporáneo. Sin embargo, las primeras sesiones de estudio no tuvieron éxito y, después de dos semanas, solo una canción había sido producida y grabada: "Take It All", una balada de piano que no se aleja mucho a las canciones de 19. Desilusionada de su falta de inspiración, la cantante canceló las demás sesiones de grabación.

Adele escribió "Take It All" en un momento difícil de su relación. Cuando ella tocó la canción a su novio, los dos tuvieron una pelea que desató el fin de su relación de 18 meses.

Adele empezó a escribir el álbum inmediatamente después de la separación con su novio. Un día después de la ruptura, la británica contactó con Paul Epworthqueriendo capturar sus emociones en una canción. Aunque ella quería hacer una balada, Epworth sugirió crear un sonido más agresivo, así fue como nació "Rolling in the Deep".

Primero, Adele intentó llamar a su disco Rolling in The Deep, pero después se negó porque creyó que el titulo sería un poco confuso para su público. Poco después, la cantante consideró que "21" sería un buen título para su disco, ya que representa la edad que la cantante tenía cuando empezó a trabajar en él y también fue el día en que lo lanzó.

1. Rolling in the Deep (Adele Adkins, Paul Epworth) – 3:48
2. Rumour Has It (Adkins, Ryan Tedder) – 3:43
3. Turning Tables (Adkins, Tedder) – 4:10
4. Don’t You Remember (Adkins, Dan Wilson) – 4:03
5. Set Fire to the Rain (Adele, Fraser T. Smith) – 4:02
6. He Won’t Go (Adele, Epworth) – 4:38
7. Take It All (Adkins, Eg White) – 3:48
8. I’ll Be Waiting (Adkins, Epworth) – 4:01
9. One and Only (Adkins, Wilson, Greg Wells) – 5:48
10. Lovesong (Robert Smith, Simon Gallup, Roger O'Donnell, Porl Thompson, Lol Tolhurst, Boris Williams) – 5:16
11. Someone Like You (Adkins, Wilson) – 4:45

Adele Adkins – vocals Jo Allen – violin Stephanie Bennett – harp Jerrod Bettis – drums, acoustic guitar Rachel Stephanie Bolt – strings Natalie Bonner – violin Harry Brown – horn arrangements, trombone David Campbell – string arrangements Ray Carless – sax (tenor) Carmen Carter – choir, chorus Lenny Castro – percussion Neil Cowley – piano Caroline Dale – strings David Daniels – strings Rosie Danvers – string arrangements, violin Paul Epworth – bass, composer, guitar (acoustic), guitar (electric), percussion, vocals Stephen Morris – strings Pino Palladino – bass Tom Pigott-Smith – strings Ruston Pomeroy – violin

Fraser T. Smith – guitar (bass), mixing, piano, producer Jim Gilstrap – choir, chorus David Hidalgo – accordion, banjo Smokey Hormel – guitar Patrick Kiernan – strings Boguslaw Kostecki – strings Peter Lale – strings Dan Wilson – piano, producer Noel Langley – trumpet Chris Laurence – strings Julian Leaper – strings Rita Manning – strings Eleanor Mathieson – violin Lorna Maxine Waters – choir, chorus Oren Waters – choir director Bruce White – strings The Wired Strings – strings Chris Worsey – strings Terry Young – choir, chorus Warren Zielinski – strings

Tom Pigott-Smith – strings Ruston Pomeroy – violin Hayley Pomfrett – violin Josef Powell – choir, chorus James Poyser – piano Jenny Sacha – violin Kotono Sato – violin Jackie Shave – strings Emlyn Singleton – strings Ash Soan – drums Matt Sweeney – guitar Leo Taylor – drums Ryan Tedder – arranger, bass, composer, drums, engineer, guitar (electric), hammond B3, piano, producer, programming, string arrangements Ben Thomas – guitar (acoustic), guitar (electric) Cathy Thompson – strings Julia Tillman Waters – choir, chorus Carmen Twillie – choir, chorus Chris Dave – drums Chris Elliot – string arrangements

Leer mas

LUST FOR LIFE - Iggy Pop

"Lust For Life"es el segundo disco en solitario de Iggy Pop, publicado en 1977tras dejar atrás a los Stooges. Con este disco Iggy confirma que su carrera en solitario no sería flor de un día, marcándose un discazo lleno de temas plenos de fuerza. En este trabajo, grabado en pocos días tras la gira del disco anterior "The Idiot", cuenta de nuevo con la colaboración de David Bowie. Esta colaboración por momentos se transforma en competición, e Iggy confesó que durante la grabación dormía poco para evitar que Bowie marcase demasiado el estilo de las canciones como había hecho en The Idiot. El resultado, una espiral creativa que compuso, grabó y editó un disco en apenas ocho días.

Siendo musicalmente menos experimental y tener más sabor de rock & roll. Sin embargo, algunos de sus temas fueron igualmente oscuros, como en "The Passenger", citado por los editores de NMERoy Carr y Charles Shaar Murray como una de las pistas del Pop "más inquietantes", y "Tonight" y "Turn Blue", ambos de los cuales aborda el abuso de la heroína. Por el contrario eran canciones más alegres como "Success" y " Lust for Life ", este último descrito por la revista Rolling Stonecomo "mensaje de sobreviviente a las masas del Pop".

De acuerdo con Iggy Pop, Bowie en el célebre riff de"Lust for Life", fue inspirado por el código morse de la apertura a la Red de Noticias de las Fuerzas Estadounidenses en Berlín. En varios momentos de la canción la melodía es doble por toda la banda. Segunlas palabras de Carlos Alomar, "no se puede tocarun contra-ritmo que tan sólo tienes que seguir". El grupo Joy Division y New Order y el bateria Stephen Morris declaró: "En Lust For Lifelos tambores suenan enorme, pero enorme! Los platillos más fuertes conocidas por el hombre, ese riff! quise soñar así, todavía lo hacen".

"The Passenger" fue inspirado por un poema que Jim Morrison “vio la vida moderna como un viaje en coche”, así como paseos en la linea ferroviaria deBerlín S-Bahn, de acuerdo con la ex novia Esther Friedmann del Pop. Las letras También se han interpretado como "conocer el comentario de Iggy en el vampirismo cultural de Bowie". La música, un "relajado ... groove elástico", fue compuesta por el guitarrista Ricky Gardiner. "Success" fue lanzado como el lado B del único single, del álbum. Caracterizado por Allmusic como "una gloriosa de usar y tirar" y por la revista Rolling Stonecomo "una de usar y tirar infecciosa", "Success" fue un tema alegre de la llamada y la respuesta de la variedad.

"Turn Blue", en poco menos de siete minutos, la canción más larga del álbum, fue un confesionario en expansión que se remontaba a una sesión de grabación abortada por Bowie y Pop En mayo de 1975, cuando éste se encontraba en el fondo de su adicción a las drogas. Originalmente titulado "Moving On", que fue compuesta por Bowie, Pop, Walter Lacey y Warren Peace. Fue el único conjunto de letras que no aparecen en el manga original, disco de vinilo. Pistas restantes del álbum incluyen "Sixteen", la única obra escrita enteramente por Iggy Pop, "Some Weird Sin", un número de rock duro con un "lírico-boy perdida", el neo/punk, "Neighborhood Threat", y "Fall in Love with Me", que pasó de una jam improvisada por la banda a la que Pop al parecer compuso las letras, que evocaban su entonces llama con Esther Friedmann.

Fue el álbum más popular de Pop hasta la fecha, y mantiene su posición más alta en los gráficos del Reino Unido.

Todas las letras escritas por Iggy Pop, excepto "Turn Blue" de Pop y Walter Lacey, compositores de música se enumeran a continuación...

Cara A:

1. Lust for Life (David Bowie) – 05:13
2. Sixteen (Música pop) – 02:26
3. Some Weird Sin (Bowie) – 03:42
4. The Passenger (Ricky Gardiner) – 04:44
5. Tonight (Bowie) – 03:39

Cara B:

1. Success (Bowie, Gardiner) – 04:25
2. Turn Blue (Bowie, Warren Peace) – 06:56
3. Neighborhood Threat (Bowie, Gardiner) – 03:25
4. Fall In Love With Me (Bowie, Ventas caza, de Tony Sales) – 06:30

• Iggy Pop - voces
• David Bowie - teclados, el piano, coros
• Carlos Alomar - guitarra, coros
• Ricky Gardiner - guitarra, coros
• Ventas de Tony - bajo, coros
• Ventas Caza - bateria y coros
  

Leer mas

IS THIS IT - The Strokes

Is This Ites el álbum debut de la banda de rockestadounidense The Strokes. Grabado en el estudio Transporterraum de Nueva York con el productor Gordon Raphael, el álbum se publicó por primera vez el 30 de julio del2001 en Australia, con RCA Records como compañía discográfica. El álbum alcanzó el segundo puesto en la lista de éxitos británica y el número 33 en el Billboard 200estadounidense, consiguiendo el disco de platino en varios países. Las canciones "Hard to Explain", "Last Nite" y "Someday" fueron publicadas como sencillos.

En este álbum, The Strokes intentaron reproducir un rocksimple que no fuera significativamente realzado en el estudio. Basándose en el material de su EP de debut, The Modern Age, la banda dio forma a sus composiciones en su mayoría mediante sesiones en vivo en el estudio de grabación, mientras el compositor Julian Casablancas detallaba en sus letras las vidas y relaciones de la juventud urbana. Una vez terminadas las sesiones de grabación, The Strokes se embarcó en una gira mundial de promoción antes de su publicación. La fotografía de la portada del disco causó cierta controversia por ser demasiado explícita sexualmente y fue sustituida en el mercado estadounidense. La lista de canciones también fue modificada tras los atentados del 11 de septiembre.

Promocionado por la prensa musical por su sonido melódico de influencia pop, The Strokes se ganaron las alabanzas de la crítica y el éxito comercial. Is This It fue elogiado por su carisma y ritmo, que en ocasiones recordaba los trabajos de garage rock de las bandas de los años 70. Este álbum está considerado como crucial en el desarrollo de otras bandas alternativas y de la industria musical del nuevo milenio. Ha aparecido en varias listas como uno de los mejores álbumes de su década y de todos los tiempos.

El trabajo artístico original del álbum corrió a cargo de Colin Lane, y presenta en la portada una fotografía de la nalga y la cadera de una mujer, con una mano con guante de piel descansando sugerentemente sobre ella. Posteriormente se reveló que la modelo era la novia de Lane por aquel entonces, quien explicó que la sesión de fotos había sido espontánea y sucedió cuando salió desnuda de la ducha. Lane recordó que un estilista se había dejado el guante en su apartamento y dijo: "Hicimos alrededor de diez fotos. No hubo una inspiración real, sólo intentaba hacer una foto sexy". El resultado se incluyó en el libro The Greatest Album Covers of All Time, en el que Grant Scott, uno de los editores, percibió influencias de los atrevidos trabajos de Helmut Newton y Guy Bourdin. Scott concluyó: "O bien es una portada elegante o gráficamente fuerte, o bien es una parodia sexista de Smell the Glove". Aunque las cadenas británicas de pequeños establecimientos HMV y Woolworths se quejaron de la naturaleza polémica de la fotografía, vendieron el álbum sin ninguna corrección.

El grupo no incluyó a propósito el signo de interrogación final del título del disco porque estéticamente "no quedaba bien". El librillo interior del disco incluye estilizados retratos por separado de The Strokes, Raphael, Gentles y Bowersock, todos ellos fotografiados por Lane. La portada original fue censurada en Estados Unidos. Para el mercado estadounidense y la edición de octubre del 2001, la portada del disco se cambió por una en la que aparecía una toma microscópica de una colisión de partículas. El encargado de producción de RCA, Dave Gottlieb, comentó que fue "una decisión sólo de la banda", y Gentles indicó que Casablancas había dicho que quería que esa fotografía fuera la elegida en todas las ediciones. Según el representante de la banda, el cantante le llamó por teléfono antes de la edición en Japón y Europa diciendo: "He encontrado algo incluso mejor que la foto del culo". Sin embargo, en aquel momento la fotografía de Lane ya estaba en las imprentas y fue incluida en las versiones de julio y agosto de 2001. La biografía de The Strokes del 2003 menciona el miedo a objeciones de parte de la conservadora industria de pequeños establecimientos y el lobby de derechas como la razón detrás de la alteración de la portada.

Todas las canciones de Is This It se mezclaron usando once pistas de sonido o menos. Según Valensi, el álbum no contiene "ningún artificio, ningún truco" para intentar conseguir que al público le atrayesen las composiciones. Comienza con la canción homónima, que presenta una línea de percusión simple, recordando a un metrónomo, una idea recurrente a lo largo del disco. Con uno de los tempos más lentos, "Is This It" es un intento de balada. Tras ella aparece "The Modern Age", con un prominente riffde guitarra acompañado por un ritmo de batería complementario. Su estrofa en staccato antecede a un alegre estribillo y un solo de guitarra técnicamente complicado. Discutiendo la simplicidad del álbum y su calculado enfoque, Valensi comentó: "No ponemos ahí un solo de guitarra sólo por tener uno". "Soma" incorpora un ritmo errático y empieza y acaba con el mismo sonido de guitarra y batería, mientras que "Barely Legal" contiene algunas de las melodías de guitarra más suaves, tomando inspiración del britpop, así como patrones rítmicos que recuerdan el sonido de las primitivas cajas de ritmos de los años 80.

La quinta pista del disco, "Someday", incluye elementos del rockabilly y líneas de guitarra entrelazadas, siendo este último un recurso común en Is This It. "Alone, Together" está gobernada por un ritmo staccato y alcanza un clímax primero con un solo de guitarra y después con una repetición del gancho central. "Last Nite" es también una canción dominada por las guitarras, pero apoyada en influencias provenientes del pop. En su núcleo hay líneas de reggaetocadas por Hammond en la guitarra rítmica, así como efectos de sonido de estudio. La sección rítmica toca simples notas entrelazadas. Al igual que en "Soma", "Hard to Explain" contiene pistas de percusión procesadas usando un compresor y técnicas de ecualización de estudio para hacerlas sonar como si fueran de una caja de ritmos. Esta canción incorpora extras incluidas ad líbitum por Casablancas, un recurso que también empleó en "New York City Cops". "Trying Your Luck", el momento más delicado del álbum, es la canción que precede mostrando una voz más melancólica. La última canción, "Take It or Leave It", de naturaleza más agresiva, es la única en la que Hammond utiliza la palanca de su Fender Stratocaster.

Is This Itapareció en el primer lugar como el mejor disco de la década según NMEy Jenesaispop, así como en el segundo lugar de una similar de Rolling Stonepor detrás de Kid Ade Radiohead. Además, fue considerado como el segundo mejor de la década en una lista de 100 discos por la revista FACTtras Untruede Burial, apareciendo también en el tercer puesto de la lista 20 Best Albums of the 2000sde Billboard, en el cuarto de la lista Albums of the Decadede The Observer, en el quinto lugar de la lista The 150 Greatest Albums Of The 21st Centuryde Uncut, en el número seis de la lista The 100 Best Pop Albums of the Noughtiesde The Times, en el séptimo puesto de la lista The Top 200 Albums of the 2000sde Pitchfork Media, y en el número seis de la lista de los mejores álbumes de la década pasada de la revista Stylusconfeccionada en 2010. Del mismo modo, Is This Itfue incluido en el libro 1001 discos que hay que escuchar antes de moriry en la lista del mismo nombre del periódico The Guardian.

Todas las canciones escritas por Julian Casablancas.

1. Is This It – 2:35
2. The Modern Age – 3:32
3. Soma – 2:38
4. Barely Legal – 3:58
5. Someday – 3:09
6. Alone, Together – 3:12
7. Last Nite – 3:18
8. Hard to Explain – 3:48
9. New York City Cops – 3:36
10. Trying Your Luck – 3:28
11. Take It or Leave It - 3:16

• Julian Casablancas – voz
• Albert Hammond, Jr. – guitarra eléctrica
• Nick Valensi – guitarra eléctrica
• Nikolai Fraiture – bajo
• Fabrizio Moretti – batería

Leer mas