LAYLA AND OTHER ASSORTED LOVE SONGS - Derek & The Dominos

Layla and Other Assorted Love Songs, es el primer y único álbum de estudio del grupo Derek and the Dominos, publicado por las compañías discográficas Atco y Polydor Records en noviembre de 1970. El álbum, que incluyó los sencillos "Layla" y "Bell Bottom Blues", es ampliamente considerado por la prensa musical como uno de los mejores trabajos de Eric Clapton y contó con la colaboración del teclista Bobby Whitlock, el batería Jim Gordon, el bajista Carl Radle. Además, incluyó la participación de Duane Allman, guitarrista de Allman Brothers Band, en once de las catorce canciones.

Tras su publicación, Layla and Other Assorted Love Songs obtuvo buenas críticas de la prensa musical y un éxito comercial moderado. El crítico Robert Christgau lo situó como el tercer mejor álbum de la década de 1970. En 2000, Layla and Other Assorted Love Songs fue introducido en el Salón de la Fama de los Grammy. En 2003, la cadena de televisión VH1 lo situó en el puesto 89 de la lista de los mejores discos de todos los tiempos, mientras que la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto 117 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En 2012, la reedición de Layla and Other Assorted Love Songs en formato superdeluxe obtuvo un Grammy al mejor álbum con sonido envolvente.

El grupo Derek and the Dominos fue creado a raíz de la frustración del guitarrista Eric Clapton con los supergrupos Cream y Blind Faith. Tras disolver Blind Faith, Clapton se unió a Delaney & Bonnie, a quienes conoció como teloneros de Blind Faith en una gira por los Estados Unidos durante el verano de 1969. En abril de 1970, tras el fin de Delaney & Bonnie, Bobby Whitlock viajó con Clapton a Surrey, Inglaterra y pasó dos semanas componiendo varias canciones "para tener algo que tocar", según las palabras del músico. Durante las dos primeras semanas, Clapton y Whitlock escribieron canciones como "Anyday" y "Tell the Truth", incluidas en Layla, y colaboraron en el álbum de George Harrison All Things Must Pass.

Después de tocar en el grupo de Joe Cocker, Carl Radle y Jim Gordon viajaron a Inglaterra para unirse a Clapton y a Whitcock. El grupo, con el fin de evitar la atención de la prensa, tocó con el nombre de Derek and the Dominos en varios clubes de Gran Bretaña durante tres semanas de agosto. El nombre del grupo, surgido de una malinterpretación del nombre provisional Eric & The Dynamos, fue cambiado por el definitivo porque Clapton no quería que su nombre figurase en él. Cuando la gira terminó, el grupo viajó a Miami para grabar un álbum en los Studios Criteria.

El origen de "Layla", la pieza central del álbum, se basó en la vida personal de Clapton, quien durante la época se había encaprichado de Pattie Boyd, la esposa de Harrison, y había comenzado a consumir heroína, con un consiguiente deterioro de su salud. Dave Marsh, autor de The Rolling Stone Illustrated History of Rock and Roll, comentó al respecto: "Hay pocos momentos en el repertorio del rock grabado donde un cantante o un compositor ha llegado tan profundamente dentro de sí mismo que el efecto de oírlos es similar al de presenciar un asesinato o un suicidio... para mí, "Layla" es el mayor de ellos".

La mayoría de las canciones de Layla and Other Assorted Love Songs fueron producto de la colaboración entre Eric Clapton y Bobby Whitlock durante dos semanas en Surrey. Clapton y Whitlock coescribieron "I Looked Away", "Keep on Growing", "Anyday", "Tell the Truth" y "Why Does Love Got to Be So Sad", mientras que el primero también contribuyó con tres composiciones propias: "I Am Yours" —basada en un poema de Nizami Ganjavi—, "Bell Bottom Blues" —a la que Whitlock también afirma haber contribuido— y "Layla" —con una coda acreditada a Jim Gordon—. Además de nueve composiciones recientes, el álbum incluyó también cinco versiones de otros artistas. Durante la grabación, Clapton utilizó un amplificador de guitarra Fender Champ de cinco vatios.

"Tell the Truth" fue inicialmente grabada en junio de 1970 con Phil Spector, productor del álbum de George Harrison All Things Must Pass. Sin embargo, según Whitlock, el muro de sonido de Spector no encajaba con el estilo del grupo e intentaron retirar una posible publicación de la grabación original como sencillo, finalmente editada en 1970. El 28 de agosto, volvieron a grabar "Tell the Truth" junto con Duane Allman como una larga improvisación más lenta con respecto a la original. La versión publicada en Layla combinó las pistas de voz originales con la música grabada en los Studios Criteria. Ambas versiones fueron recopiladas en el álbum The History of Eric Clapton en 1972.

"Layla" incluyó dos movimientos, cada uno de ellos marcado por un riff, el primero de guitarra eléctrica y el segundo de piano. El primero, tocado por Allman, simula una adaptación de la melodía vocal de Albert King en la canción "As the Years Go Passing By", incluida en el álbum Born Under a Bad Sign. El segundo, comúnmente llamado la "coda", es la contribución de Jim Gordon al piano, aumentada por una guitarra acústica y un último solo de guitarra. Aunque solo Gordon fue acreditado como compositor de la coda, según Whitlock, "Jim tomó esa melodía de su ex novia Rita Coolidge.

El último tema del álbum, "Thorn Tree in the Garden", fue "la perfecta grabación en estéreo", según Dowd. Para la grabación, Whitlock, Clapton, Allman, Radle y Gordon se sentaron en círculo en el estudio, con los micrófonos situados en el interior del círculo, y tocaron en directo.

Por otra parte, Layla and Other Assorted Love Songs también incluyó clásicos del blues como "Nobody Knows You When You're Down and Out" —popularizada por Bessie Smith en 1923—, "Have You Ever Loved a Woman" —de Big Bill Broonzy— y "Key to the Highway", así como sendas versiones del tema de Jimi Hendrix "Little Wing" y de la canción de Chuck Willis "It's Too Late". Según Dowd, la grabación de "Key to the Highway" no estaba planeada, y fue realizada después de que la band escuchase versionar a Sam Samudio la canción en otra habitación del mismo estudio para su álbum Hard and Heavy. En palabras del productor, al grupo le gustó la versión y comenzaron a tocarla espontáneamente, sin ensayos y sin avisarle de que querían grabar, por lo que Dowd dijo a los ingenieros de sonido que pusiesen una cinta para grabarla, razón por la cual la versión de Derek and the Dominos empieza con un fade in.

La portada de Layla and Other Assorted Love Songs es una reproducción de una pintura de Emile Théodore Frandsen de Schomberg titulada La Fille au Bouquet. Clapton vio por primera vez la pintura en la casa de Giorgio Gomelsky en el sur de Francia, cuando Derek and the Dominos viajaron al país en agosto de 1970, y observó de inmediato una semajanza entre la mujer rubia de la imagen y Pattie Boyd. Clapton insistió en que la imagen de Frandsen de Schomberg fuese usada en la portada de Layla, sin sobreescribir el nombre del grupo ni el título del álbum.

Cara A

1. I Looked Away (Eric Clapton, Bobby Whitlock) – 3:05
2. Bell Bottom Blues (Clapton) – 5:05
3. Keep On Growing (Clapton, Whitlock) – 6:21
4. Nobody Knows You When You're Down and Out (Jimmy Cox) – 4:57

Cara B

5. I Am Yours (Clapton, Nizami) – 3:34
6. Anyday (Clapton, Whitlock) – 6:35
7. Key to the Highway (Charles Segar, Willie Broonzy) – 9:40

Cara C

8. Tell the Truth (Clapton, Whitlock) – 6:39
9. Why Does Love Got to Be So Sad? (Clapton, Whitlock) -4:41
10. Have You Ever Loved a Woman (Billy Myles) – 6:52

Cara D

11. Little Wing (Jimi Hendrix) – 5:33
12. It's Too Late (Chuck Willis) – 3:47
13. Layla (Clapton, Jim Gordon) – 7:05
14. Thorn Tree in the Garden (Whitlock) - 2:53

• Eric Clapton: guitarras y voz.
• Bobby Whitlock: órgano, piano, guitarra acústica y voz.
• Jim Gordon: piano, batería y percusión.
• Carl Radle: bajo y percusión.
• Duane Allman: guitarra slide y guitarra principal (excepto en "I Looked Away", "Bell Bottom Blues" y "Keep on Growing")
• Albhy Galuten: piano.

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THE BEST OF KANSAS - Kansas

Kansas es una banda estadounidense de rock progresivo que alcanzó la popularidad en la década de los años 1970, con éxitos como "Carry On Wayward Son" y "Dust in the Wind". Gracias a esto, Kansas se ha convertido en un fijo de las radioemisoras de rock clásico, y suele dar giras por Europa y los Estados Unidos.

Fue fundada en 1970 por el bajista Dave Hope, el baterista Phil Ehart y el guitarrista Kerry Livgren, a quienes se unieron el vocalista Lynn Meredith, los teclistas Don Montre y Dan Wright, y el saxofonista Larry Baker. Después de una serie de cambios en su formación, el grupo se asienta con Hope, Ehart, el violinista Robby Steinhardt, el teclista y vocalista Steve Walsh y el guitarrista Rich Williams. Esta alineación grabó los mayores éxitos de la discografía de Kansas, que constituyeron además los mayores éxitos de público que incluyeron las canciones: "Carry On Wayward Son" o "Dust in the Wind". Después de una serie de tensiones entre los miembros del grupo, éste se disolvió en 1984, pero volvería a escena en 1985.

Esta Banda durante los años 70 consiguió una enorme popularidad gracias a su inmortal clásico "Dust in the wind", un tema publicado con gran éxito en 1978, cuatro años después de sus inicios como grupo, cuando tres muchachos de Kansas decidieron rebautizarse con el nombre de su estado y abandonar su antiguo apelativo de White Clover.

El terceto original, residente en Topeka, estaba compuesto por el guitarrista Kerry Livgren, el bajista David Hope y el batería Phil Ehart. A ellos y justo antes de cambiar de nombre se les unió el cantante y teclista Steve Walsh, el violinista Robert Steinhardt y el guitarra Richard Williams.

Su primer LP homónimo publicado en 1974 recibía la influencia de grupos de rock progresivo británico como Genesis, ejecutados desde el sentimiento del rock clásico americano.

Este trazo progresivo continuó en su segundo disco grande titulado "Song for America" (1974), que aunque no vendió demasiado sí consiguió popularizar su nombre y llenar sus conciertos.

Más exitosos fueron "Masque" (1975) y sobre todo, "Leftoverture" (1976), disco que contenía su single "Carry on my wayward son", y "Point of no return" (1977), álbum con sonidos AOR en el cual incluían el magnífico sencillo "Dust in the wind", canción mítica para la banda que llegó al número 1 en todo el mundo, convirtiendo a Kansas en uno de los grupos rock de mayor éxito de su época reflejado en sus multitudinarias actuaciones en directo. Tras llegar a la cima de su popularidad y la adopción de un sonido más comercial (ya lejos de sus principios progresivos), Kansas publicó el directo "Two for the show" (1978), y los irregulares discos en estudio "Monolith" (1979) y "Audio-visions" (1981), antes de que Steve Walsh decidiera iniciar una carrera en solitario que no le reportó demasiados triunfos.

Su sustituto en la banda fue John Elefante, quien debutó con "Vinyl Confessions" (1982), álbum que como el siguiente, titulado "Drastic Measures" (1983), no alcanzó las ventas de sus trabajos anteriores y que proseguía con la senda poco imaginativa de "Monolith" y "Audio-visions".

Poco después de la publicación de "Drastic Measures", la banda de Topeka se separaría, retomando Kerry Livgren su carrera en solitario iniciada en 1980 con "Seeds of change" y marcada por una elevada religiosidad y un sonido más acerado. Junto al bajista David Hope formaría AD, un grupo hard que practicaba rock con temática cristiana.

Con posterioridad diversos componentes recuperarían el nombre Kansas grabando discos de mediana calidad, entre ellos "Somewhere to elsewhere" (2000), un disco realizado por el sexteto original tras veinte años sin trabajar juntos.

The Best of Kansas es un álbum recopilatorio de la banda estadounidense de rock progresivo Kansas y fue publicado en 1984 por Kirshner Records en Estados Unidos y por la discográfica Columbia Records. Fue re-lanzado en 1999 por la compañía CBS Associated y Legacy/Epic Records.

Este álbum se ubicó en el 154.º lugar del Billboard 200 estadounidense en 1984. En tanto, The Best of Kansas tuvo mayor éxito en Canadá, pues logró colocarse en la posición 86 de la lista de los 100 mejores álbumes de la Revista RPM.

The Best of Kansas fue certificado multiplatino en los EE.UU. por la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA por sus siglas en inglés) el 19 de diciembre de 2001 por más de 4.000.000 de copias vendidas.

La versión original de 1984, así como la re-edición de 1999 fueron remasterizadas, aunque ambas tienen diferentes listados de canciones, dependiendo de la edición. La edición original en formato de disco de vinilo de 1984 tiene el tema «Perfect Lover», el cual fue compuesto por los hermanos John y Dino Elefante. La re-edición de 1999 en formato de disco compacto excluye de la lista la canción antes mencionada y adhirió tres canciones más: «The Pinnacle», «The Devil Game» y una versión en vivo de «Closet Chronicles».

Re-edición de 1999

N.º	Título	Escritor(es)	Voz principal	Duración
1.	«Carry On Wayward Son»	Kerry Livgren	Steve Walsh	5:22
2.	«Point of Know Return»	Walsh / Steinhardt / Ehart	Steve Walsh	3:11
3.	«Fight Fire with Fire»	J. Elefante / D. Elefante	John Elefante	3:40
4.	«Dust in the Wind»	Kerry Livgren	Steve Walsh	3:27
5.	«Song for America»	Kerry Livgren	Steve Walsh	9:08
6.	«Hold On»	Kerry Livgren	Steve Walsh	3:51
7.	«No One Together»	Kerry Livgren	Steve Walsh	6:57
8.	«Play the Game Tonight»	Livgren / Williams / Ehart / Flower / Frazier	John Elefante	3:26
9.	«The Wall»	Walsh / Livgren	Steve Walsh	4:49
10.	«The Pinnacle»	Kerry Livgren	Robby Steinhardt	9:36
11.	«The Devil Game»	Walsh / Dave Hope	Steve Walsh	5:04
12.	«Closet Chronicles» (en vivo)	Walsh / Livgren	Steve Walsh	6:54

• Steve Walsh — voz principal (excepto en las canciones «Fight Fire with Fire», «Perfect Lover», «Play the Game Tonight» y «The Pinnacle»), teclados y coros (excepto en las canciones «Fight Fire with Fire», «Perfect Lover» y «Play the Game Tonight»)
• John Elefante — voz principal y teclados (en las canciones «Fight Fire with Fire», «Perfect Lover» y «Play the Game Tonight»)
• Kerry Livgren — guitarra y teclados (excepto en «Perfect Lover»)
• Robby Steinhardt — voz principal (en la canción «The Pinnacle»), violín, viola y coros
• Rich Williams — guitarra
• Dave Hope — bajo (excepto en «Perfect Lover»)
• Phil Ehart — batería y percusiones

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TATTO - Rory Gallagher

Tattoo es el cuarto álbum de estudio del guitarrista irlandés de blues rock Rory Gallagher, publicado en 1973 por el sello Polydor Records. Fue lanzado solo nueve meses después de Blueprint y a diferencia del mencionado, demostró la influencia musical de Gallagher ya que incluye algunos elementos del jazz, folk y el country.

Obtuvo el puesto 32 en la lista británica UK Albums Chart, mientras que en los Estados Unidos alcanzó la posición 186 en los Billboard 200 al año siguiente. Además fue certificado con disco de oro por la British Phonographic Industry, tras superar las 100.000 copias vendidas.

En el año 2000 fue remasterizado y relanzado con dos pistas adicionales; un cover de «Tucson, Arizona» del cantautor de rock and roll Link Wray y una versión de «Just a Little Bit» del guitarrista de blues Rosco Gordon.

Tattoo mostró la habilidad de Gallagher y su banda a través de una serie de géneros de Delta y Chicago blues , el influenciado por el jazz "They Do not Make Them Like You Anymore" y pistas de blues-rock como "Tattoo'd Lady". Según su hermano Gallagher estaba en un "humor prolífico y confidente" cuando él lo registró. El álbum mostró la capacidad de representación de Gallagher que resultó en varias canciones que pasaron a convertirse en gancho de su actuación en vivo. Tattoo'd Lady refleja el amor de Gallagher por la vida ferial y sus similitudes con la vida en el camino. "Cradle Rock" se inspiró en la feliz coincidencia de que Gallagher "rockeó literalmente toda su vida" habiendo nacido en el "Rock Hospital" en Ballyshannon, Irlanda. "Cradle Rock" también fue cubierto por Joe Bonamassa como la primera pista de su álbum debut A New Day Yesterday. Tattoo ilustra la habilidad de Gallagher con la manera de tocar la guitarra acústica, eléctrica, varios tipos de guitarra de diapositiva, y mandolina. En la canción "they don't make them like you anymore" Rory usó el bouzouki del griego virtouso Manolis Chiotis. Rory era un gran admirador del virtuoso griego, y como tributo interpretó "Perasmenes mou agapes" como una introducción a la canción antes mencionada.

Todas las canciones escritas por Rory Gallagher, a menos que se indique lo contrario.

1. Tattoo'd Lady – 4:34
   
2. Cradle Rock – 6:15
   
3. 20 20 Version – 4:05
   
4. They Don't Make Them Like You Anymore – 4:05
   
5. Livin' Like a Trucker – 4:19
   
6. Sleep on a Clothes Line – 5:13
   
7. Who's That Coming – 7:09
   
8. A Million Miles Away – 6:55
   
9. Admit It – 4:19
   

reedición CD de 2000

10. Tucson, Arizona “cover de Link Wray” (Doug Way) – 3:47
    
11. Just a Little Bit “cover de Rosco Gordon” (Rosco Gordon) - 7:43
    

• Rory Gallagher: voz, guitarra eléctrica, saxofón, mandolina y armónica
  
• Gerry McAvoy: bajo
  
• Lou Martin: teclados y acordeón
  
• Rod de'Ath: batería
  

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THE RISE AND FALL OF ZIGGY STARDUST ANDE THE SPIDERS FROM MARS - David Bowie

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (en español, El ascenso y la caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte) o también conocido simplemente como Ziggy Stardust, es un álbum conceptual publicado por David Bowie en 1972. Fue el disco con el que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias y está considerado uno de los mejores álbumes de su carrera y el más representativo del glam rock. También ha sido incluido en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó.

El álbum narra la historia de Ziggy Stardust, un extraterrestre bisexual de imagen andrógina que se convierte en estrella del rock con el que Bowie quiso combinar la ciencia ficción y el teatro japonés kabuki. Este personaje fue el primer álter ego que adoptó Bowie en su carrera, al que posteriormente seguirían otros como Aladdin Sane o el Duque Blanco. El disco comienza con Ziggy revelando a los habitantes de La Tierra que sólo quedan cinco años para que su planeta desaparezca, tras lo que decide convertirse en un «mesías rock» para salvarlo de la destrucción. Finalmente termina por abandonar sus objetivos y siendo víctima de su propio éxito.

El propósito de Bowie al concebir el personaje fue adaptar el concepto de los musicales de Broadway al rock, creando una estrella prefabricada que aunara elementos de ambos géneros. Para dotar de una mayor teatralidad a su puesta en escena, utilizó las técnicas que aprendió durante su etapa como actor en la compañía teatral del performer y mimo Lindsay Kemp, quien también fue el responsable de la coreografía de Ziggy y el grupo durante sus conciertos.

Para crear el personaje, Bowie se inspiró en el excéntrico cantante británico de rock and roll Vince Taylor, a quien conoció personalmente a mediados de los años 1960. El estilo de Taylor estaba fuertemente influido por Elvis Presley y en 1959 logró un notable éxito con el single Brand New Cadillac, que años más tarde versionarían The Clash en su álbum London Calling. En sus conciertos, Taylor salía a escena enfundado en cuero negro, maquillado y moviéndose espasmódicamente. En la época en la que conoció a Bowie, deteriorado por su adicción a las drogas y el alcohol, creía conocer los lugares exactos del mundo en los que supuestamente aterrizarían OVNIS y proclamaba en sus conciertos que era la reencarnación de Jesucristo.

Sobre el motivo por el que Bowie escogió el nombre de Ziggy para su personaje hay varias teorías. El propio artista afirmó en su momento que el nombre estuvo inspirado en una sastrería de Londres llamada de esta forma, aunque más tarde declararía a Rolling Stone que lo eligió por ser el único nombre cristiano que comenzaba con la letra Z. Otras fuentes han señalado la similitud del nombre y los de Iggy Pop y la modelo Twiggy, ambos amigos suyos y por quienes siempre ha sentido una admiración declarada. También se ha apuntado como origen del nombre su amistad con Marc Bolan durante los últimos años 60, quien había planeado adoptar el sobrenombre de Zinc Alloy ante un hipotético fracaso de T. Rex. En este caso, Ziggy sería una combinación entre la Z de Zinc e Iggy.

El origen del apellido Stardust está más claro, ya que Bowie ha comentado en varias ocasiones que lo tomó en honor a Norman Carl Odmon, un cantante country que en sus conciertos se presentaba como The Legendary Stardust Cowboy.

Para crear la andrógina imagen de Ziggy Stardust, Bowie se inspiró en el maquillaje y la puesta en escena del kabuki, contando para ello con el diseñador de moda Kansai Yamamoto, quien fue el encargado de crear toda la ropa que luciría Ziggy en sus conciertos. También el característico peinado del personaje lo inspiró Yamamoto, ya que Bowie decidió cortarse el pelo de esta forma tras ver unas fotografías en la revista Harper's Bazaar en las que el diseñador japonés usó pelucas que imitaban la melena de los leones al estilo kabuki para sus modelos.

Además de otros grupos de glam rock anteriores que lucían una imagen ambigua como T. Rex o New York Dolls, otras influencias en la estética de Ziggy Stardust fueron por entonces la película La naranja mecánica y la imagen de las drag queens que frecuentaban la Factory de Andy Warhol, círculo en el que Lou Reed introdujo a Bowie poco antes de la gestación del álbum.

Las fotografías que ilustran el álbum fueron tomadas en enero de 1972 por el fotógrafo Brian Ward durante una noche lluviosa en la calle Heddon de Londres, donde el fotógrafo tenía su estudio. En total se tomaron 17 fotografías en blanco y negro, de las que se eligieron dos como portada y contraportada respectivamente tras ser coloreadas a mano.

La portada del disco muestra a David Bowie / Ziggy Stardust vestido con un mono azul junto al portal del número 23 de dicha calle. En su mano derecha porta una guitarra eléctrica mientras apoya su pie izquierdo sobre un cubo de basura. Otros detalles característicos de la portada son la farola de gas que dota a la imagen de una luz tenue y borrosa, y un cartel sobre la cabeza de Bowie con la leyenda K. West, que en el año 1980 sería robado por un seguidor del artista y que pertenecía a un establecimiento de peletería aún activo en la actualidad.

La contraportada muestra a Bowie dentro de una cabina telefónica también situada en la calle Heddon, junto al listado de canciones y a una recomendación concluyente respecto al disco: To be played at maximum volume. El libreto interior contiene otras cuatro fotografías más en blanco y negro de Bowie, Ronson, Woodmansey y Bolder tomadas en el estudio de Brian Ward tras la sesión fotográfica exterior y que imitan intencionadamente la estética de La Naranja Mecánica.

Lado A

Las canciones del primer lado del disco son en su mayor parte medios tiempos y en ellas no se mencionan los nombres de Ziggy Stardust ni de su banda, lo que hace que estos primeros temas puedan verse indistintamente como la primera parte de la historia de Ziggy o como entidades propias.

1. "Five Years" (4:42): La primera canción anuncia que la Tierra está condenada a la destrucción en cinco años debido al agotamiento de los recursos naturales y Ziggy decide cantar sobre ello para concientizar al mundo.
2. "Soul Love" (3:34): Hace referencia a varios tipos de amor: el amor hacia las personas queridas que han muerto (stone love), el romántico (new love) y el religioso (soul love).
3. "Moonage Daydream" (4:39): Ziggy se presenta como el invasor del espacio que quiere salvar al mundo transformándose en una «rock'n'roll bitch».
4. "Starman" (4:13): Fue el primer sencillo del álbum y una de las canciones más conocidas de Bowie. En ella se narra cómo un extraterrestre contacta con los jóvenes por la radio para prometerles la salvación a pesar de que el mundo no está preparado para su mensaje. Según Bowie, es una canción repleta de mentiras que Ziggy escribió para que los habitantes de la Tierra le siguieran.
5. "It Ain't Easy" (2:57): Es la única canción del disco no compuesta por Bowie, ya que se trata de una versión de una composición del músico estadounidense de blues Ron Davies que pone de manifiesto las dificultades que hay en el camino hacia el estrellato.

Lado B

En el lado B del álbum predominan las canciones de glam rock arquetípico basadas en guitarras eléctricas enérgicas, y a diferencia de las del lado A aluden directamente a Ziggy y los Spiders from Mars.

1. "Lady Stardust" (3:19): Balada con el piano como instrumento protagonista en la que Ziggy comienza a travestirse en el escenario provocando la admiración del público.
2. "Star" (2:47): Bowie escribe sobre el deseo de Ziggy de ser una estrella del rock'n'roll.
3. "Hang On to Yourself" (2:38): Ziggy y los Spiders from Mars están en la cumbre del éxito y tienen a sus pies a muchos admiradores que buscan relaciones sexuales con ellos. El riff de la canción está inspirado en los del músico rockabilly Eddie Cochran.
4. "Ziggy Stardust" (3:13): Es la canción que cuenta la historia principal de Ziggy y, junto a "Starman" la más conocida del disco. En ella, Ziggy comienza su decadencia y decide disolver The Spiders from Mars a causa de su ego. Hay una probable referencia a Jimi Hendrix al referirse a la cualidad de zurdo del guitarrista Ziggy.
5. "Suffragette City" (3:24): Después de la ruptura con su grupo, Ziggy deja de lado sus propósitos y su vida anterior y sólo se interesa por el sexo y las drogas.
6. "Rock'n'Roll Suicide" (2:58): El disco finaliza con Ziggy tocando fondo y convirtiendo su vida en un rock'n'roll suicida. Los primeros versos de la canción están inspirados en un poema de Manuel Machado, cuyo primer verso es La vida es un cigarrillo...

• David Bowie - voz , guitarra acústica , saxofón , el piano , clavicordio , arreglos
• Mick Ronson - guitarras , piano, coros , cuerdas arreglos, sintetizador ARP
• Trevor Bolder - bajo eléctrico
• Mick Woodmansey - tambores

adicional

• Dana Gillespie - coros en "No es fácil"

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THE VELVET UNDERGROUND & NICO - The Velvet Underground

The Velvet Underground and Nicoes el primer álbum de estudio de la banda estadounidense The Velvet Underground lanzado en 1967, cuenta con la colaboración en las voces de la cantante alemana Nico. Su grabación se efectuó en Nueva York y Hollywood entre abril y mayo de 1966 bajo la dirección del líder del movimiento pop art, el estadounidense Andy Warhol, aunque no se acreditó a Norman Dolph y John Licata, responsables de las sesiones en Nueva York, y a Tom Wilson, que en palabras del propio bajista de la banda John Cale fue el productor de casi todas las canciones. Pese a que se grabó en 1966, no salió a la venta hasta el 12 de marzo de 1967 por distintos problemas primero por la censura y posteriormente de realización por la inusual portada, pese a esto lo editó el sello discográfico de jazz Verve Records, propiedad de la Metro-Goldwyn-Mayer.

La temática del disco se centraba en tópicos como el uso y abuso de drogas, la prostitución, el sadismo y masoquismo, y las desviaciones sexuales, éste trasfondo oscuro fue considerado revolucionario en su tiempo. La música fue obra principalmente casi exclusiva del guitarrista y cantante Lou Reed. La portada de la producción estuvo diseñada por el propio Warhol, se trata de la imagen de un plátano pop con una invitación a que se lepele ("Peel slowly and see"). En diferentes ediciones del álbum, incluida la primera, el plátano es una calcomanía que tapa una imagen fálica ("plátano" rosado sin cáscara). La contraportada de la primera edición contenía una proyección del show Exploding Plastic Inevitable.

El álbum debutó en el puesto 171 entre los álbumes más vendidos de la lista Billboard y desapareció de las tiendas prácticamente de la noche a la mañana, fue muy poco exitoso desde su lanzamiento, pero a la postre se convirtió en uno de los discos más influyentes y aclamados por la crítica en la historia. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 13 en su lista de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos". En el 2006 un jurado compuesto por expertos en preservación de música y sonido de los Estados Unidos la anexó en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su "significancia cultural o histórica" en la vida estadounidense.

Gran parte del sonido del álbum fue concebido por John Cale, quien hizo hincapié en la cualidades de experimentación de la banda. Cale, quien estaba muy influenciado por su trabajo con La Monte Young, por John Cage y tempranamente por el movimiento Fluxus, alentó al uso de nuevas maneras de producir la música. El pensamiento y creatividad de Cale encajaba muy bien con la de Lou Reed, quien ya había experimentado con diversas afinaciones. Por ejemplo, Reed "inventó" la guitarra ostrich para una canción escrita por él llamada "The Ostrich" (El avestruz) para la fugaz banda The Primitives. La Ostrich guitar consiste en que todas las cuerdas estuvieran entonadas en la misma nota. El método fue utilizado en las canciones "Venus in Furs" y "All Tomorrow's Parties". A menudo, las guitarras se hacían más graves, produciendo un sonido muy bajo que Cale denominaba "sexy".

Cuando el disco fue publicado por primera vez, la fotografía de la contraportada (tomada de la presentación en la Exploding Plastic Inevitable) aparece la imagen del actor Eric Emerson proyectada boca abajo en la pared, que se encuentra detrás de la banda. Emerson amenazó con demandarlos por el uso no autorizado de su imagen, a menos que se le pagara. La MGM retiró del mercado las copias del disco y detuvo su distribución hasta que la imagen de Emerson fuera borrada de la foto en las posteriores copias. A las copias ya impresas se les colocó una calcomanía negra que tapaba la imagen del actor. La imagen original fue restaurada y puesta de nuevo en el relanzamiento del CD en 1996.

Todas las canciones fueron escritas por Lou Reed excepto las indicadas.

Lado A

1. "Sunday Morning" (Reed, Cale) – 2:54
2. "I'm Waiting for the Man" – 4:39
3. "Femme Fatale" – 2:38
4. "Venus in Furs" – 5:12
5. "Run Run Run" – 4:22
6. "All Tomorrow's Parties" – 6:00
   

Lado B

7. "Heroin" – 7:12
8. "There She Goes Again" – 2:41
9. "I'll Be Your Mirror" – 2:14
10. "The Black Angel's Death Song" (Reed, Cale) – 3:11
11. "European Son" (Reed, Cale, Morrison, Tucker) – 7:46
    

• Lou Reed – voz, guitarra solista y guitarra ostrich
• John Cale – viola eléctrica, piano, celesta en "Sunday Morning", bajo, coros
• Sterling Morrison – guitarra solista y rítmica, bajo, coros
• Maureen Tucker – instrumentos de percusión
• Nico – chanteuse, voz en "Femme Fatale", "All Tomorrow's Parties" y "I'll Be Your Mirror"; coros en "Sunday Morning"
  

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AFTER THE GOLD RUSH - Neil Young

After the Gold Rush es el tercer álbum de estudio del músico canadiense Neil Young, publicado en 1970. El álbum alcanzó el puesto 8 en las listas de Billboard, mientras que dos sencillos extraídos del álbum, "Only Love Can Break Your Heart" y "When You Dance I Can Really Love", llegaron a los puestos 33 y 93 respectivamente en las listas de sencillos. El 14 de julio de 2009, After the Gold Rush fue remasterizado y reeditado en formato HDCD.

En la biografía autorizada de Neil Young, Shakey, After the Gold Rushes definido como una intención, por parte de Young, de aprovechar intencionadamente el sonido de Crazy Horse y de CSNY, reclutando, para ello, al grupo, a Stephen Stills y al bajista Greg Reeves. Las primeras sesiones de grabación fueron conducidas por Crazy Horse en los Sunset Sound Studios de Los Ángeles en medio de una gira durante el invierno de 1969 que incluyó una participación de Steve Miller y de Mile Davis bien recibida en el Fillmore East. Debido al deterioro de la salud del guitarrista rítmico Danny White, debido al abuso de la heroína, las sesiones sólo dieron como resultado un tema, "I Believe in You". Junto con "When You Dance I Can Really Love" y "Oh, Lonesome Me", "I Believe in You" marca la única aparición de Crazy Horse en After the Gold Rush. La mayor parte del álbum fue grabado en el sótano de una modesta casa de Young ubicada en el Cañón de Topanga durante la primavera de 1970 con Greg Reeves, Ralph Molina y un por entonces adolescente Nils Lofgren, de la banda Grin.

En la actualidad, After the Gold Rush es valorado como uno de los mejores trabajos de Neil Young y ha aparecido en numerosas listas de los mejores álbumes. En 1998, la revista Q votó a After the Gold Rush como el 89º mejor álbum de todos los tiempos. En 2005, una encuesta llevada a cabo por el canal de televisión británico Channel 4 emplazó al álbum en el puesto 92 de los mejores 100 álbumes de todos los tiempos. En 2003, la revista musical Rolling Stone situó a After the Gold Rush en el puesto 71 de la lista de los 500 mejores álbumes, convirtiéndose en la posición más alta para Neil Young en la lista. Por su parte, Pitchfork Media situó al álbum en el puesto 99 de la lista de los 100 mejores álbumes de los 70. En 2007, fue situado en el tercer puesto del libro de Bob Mersereau The Top 100 Canadian Albums. En Rate Your Music, After the Gold Rush es el segundo mejor álbum de 1970, el decimosegundo de los años 70 y el 49º de todos los tiempos. En 2005, los lectores de la revista Chart situaron al álbum en la quinta posición de los mejores álbumes canadienses. En 2002, la revista Blender nombró al álbum el 86º mejor álbum americano.
  
Todas las canciones compuestas por Neil Young excepto donde se anota.

Cara A

1. «Tell Me Why» - 2:54
2. «After the Gold Rush» - 3:45
3. «Only Love Can Break Your Heart» - 3:05
4. «Southern Man» - 5:31
5. «Till the Morning Comes» - 1:17

Cara B

1. «Oh Lonesome Me» (Don Gibson) – 3:47
2. «Don't Let It Bring You Down» - 2:56
3. «Birds» - 2:34
4. «When You Dance I Can Really Love» - 4:05
5. «I Believe in You» - 3:24
6. «Cripple Creek Ferry» -1:34

• Neil Young: guitarra, piano, armónica, vibráfono y voz
• Danny Whitten: guitarras y coros
• Jack Nitzsche: piano
• Billy Talbot: bajo
• Ralph Molina: batería
• Greg Reeves: bajo
• Nils Lofgren: piano y coros
• Stephen Stills: coros
• Bill Peterson: fliscorno
  

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