STICKY FINGERS - The Rolling Stones

Sticky Fingers (dedos pegajosos) es el noveno álbum de estudio de la banda de rock británica The Rolling Stones, publicado en abril de 1971. Grabado entre diciembre de 1969 y enero de 1971, fue producido por el estadounidense Jimmy Miller, en lo que supuso su tercer trabajo consecutivo con el grupo, y cuenta por primera vez con la participación íntegra del guitarrista Mick Taylor como miembro de los Stones: en Let It Bleed, el anterior disco de estudio del grupo, solo aparecía en algunas canciones. Taylor reemplazó en su puesto a Brian Jones. También fue el primer disco editado por el sello discográfico del grupo, Rolling Stones Records.

Sticky Fingers contiene los sonidos clásicos de rock and roll, country, blues y rhythm and blues que la agrupación inglesa había empleado en sus trabajos anteriores, pero se diferencia de estos al incluir letras más oscuras que hacen referencia a la esclavitud, el sexo interracial y el uso de drogas. La portada fue diseñada por el conocido líder del movimiento pop art Andy Warhol; además, se incluye por primera vez el logotipo de los Stones de la lengua y los labios, realizado por John Pasche.

La portada del álbum fue realizada a partir de un diseño del artista pop art Andy Warhol para el que posó uno de sus modelos habituales, Joe Dallesandro: unos pantalones vaqueros con una cremallera de verdad que se abría. Mientras que la obra de arte fue concebida por Warhol, la fotografía fue de Billy Name y el diseño fue de Craig Braun.

En España, la portada original fue censurada por el régimen de Franco y reemplazada con una portada "Can of fingers", diseñada por John Pasche y Phil Jude, y «Sister Morphine» fue reemplazada por una versión en vivo de Chuck Berry «Let it Rock». Esta versión fue lanzada en el álbum de recopilación Rarities 1971-2003 de 2005.

“Brown sugar” con uno de los riffs de guitarras más famosos de Keef, dando entrada a Mick con la rítmica y a una pandereta de acompañamiento, justo antes de que el resto del grupo les acompañe. Los arreglos de los teclados quedan realmente completos y las melodías de Jagger se pegarán a tu cerebro para el resto de tus días. El estribillo final con Jagger gritando “I say yeah! Yeah!! Yeah!!! Oooooooooh” queda para la historia de la música. La colaboración de Bobby Keys con el saxo es notable.

“Sway” comienza más relajada, con un ritmo mucho más bluesy y unos coros cojonudos. Las guitarras suenan compactas y desgarbadas al mismo tiempo, al mas puro estilo Richards. La garganta de Mick Jagger se rompe continuamente mientras Keef se marca uno de sus geniales solos melódicos, nada técnicos pero plenos de feeling.

“Wild horses” es junto a “Angie” la balada más conocida de sus satánicas majestades. Guitarras acústicas acompañadas por el suave golpeo de Charlie a la caja y la quejumbrosa voz de Mick cantándole a las drogas. La presencia de teclados acentúa el dramatismo del tema dándole un aire más intimista.

“Can’t you hear me knocking” vuelve a poner de manifiesto que, por encima de todo, esto es rock and roll, un buen riff de guitarra, ritmo acompasado de las bases y unas buenas melodías vocales acompañadas por pasión y entrega en la interpretación. Eso es esta canción. Destaca el interludio rítmico con saxo tenor y combas. Le añadimos un estribillo pegadizo, unos buenos coros y un solo con clase y ya lo tenemos ¡Pero qué difícil es saber hacerlo!

“You gotta move” es un blues puro y duro, arrastrándose por el delta del Mississippi. Versión del clásico de Freddie McDowell donde la guitarra acústica suena como lo hacía Son House, poderosa y ruidosa; los pocos bombos y platos que mete Charlie son con contundencia; los coros parecen sacados de la misma ribera del mítico río; y Mick canta dejándose llevar por la corriente quejumbrosa del mastodóntico torrente.

Llega otra de las míticas, “Bitch”, con otro de esos riffs que el señor Richards crea para la posteridad. Solo por él ya vale la pena escucharla, pero es que además Jagger nos regala otro de esos estribillos rabiosos y pegadizos que acompañados por la sección de metales devienen en pura leyenda y jamás te cansas de escucharlos. El solo de Keith es de los más destacados de todo el disco.

“I got the blues” es una balada de tempo tranquilo y bases de blues con cierto aire de soul. El punteo continuado de las guitarras sobre el lamento constante de las trompetas y la arrastrada voz de Mick Jagger le confiere un encanto arrebatador. Hay que destacar el iracundo solo de hammond por parte de Ian Stewart.

“Sister morphine”, único tema donde colabora Marianne Faithfull (exnovia de Jagger) con el dúo Jagger/Richards en la composición, empieza con la guitarra acústica y cierto contoneo titubeante de Mick, entra el punteo de la guitarra eléctrica mientras Jagger sigue cogiendo ritmo al son que marca el incremento constante de instrumentos y potencia en la canción. Un temazo que pone los pelos de punta al más chulo. Hasta que no pasan más de 2 minutos y medio no entra Charlie con la batería, entre juegos de los teclados al fondo sobre los punteos de Keith con la guitarra.

“Dead flowers” es un tema más americano, con mucho aire Country y una gran presencia de los teclados. El continuo punteo de Keef con su Fender sobre el rítmico golpeo de Charlie da rienda suelta a la creatividad de Mick con las melodías.

El álbum se cierra con otra grandísima canción como es “Moonlight mile”. Los fraseos iniciales de las guitarras con el teclado de fondo y los coros vocales dan paso a la quebradamente aguda voz de Mick Jagger. Es una de mis canciones favoritas de toda la carrera de los Stones y los arreglos de cuerdas (obra de Paul Buckmaster) y teclados la convierten en una preciosidad disfrazada de canción, dando por cerrado una de las maravillas musicales más grandes de la historia del rock.

Todas las canciones escritas y compuestas por Jagger/Richards, excepto donde se indique.

Cara A

Brown Sugar - 3:48

Sway - 3:50

Wild Horses - 5:42

Can't You Hear Me Knocking – 7:14

You Gotta Move (Fred McDowell/Gary Davis) - 2:32

Cara B

Bitch – 3:38

I Got the Blues – 3:54

Sister Morphine (Jagger/Richards/Marianne Faithfull) – 5:31

Dead Flowers – 4:03

Moonlight Mile – 5:56

• Mick Jagger: voz; guitarra acústica en «Dead Flowers» y «Moonlight Mile»; guitarra eléctrica en «Sway»; percusión en «Brown Sugar».

• Keith Richards: guitarra rítmica, coros; guitarra acústica en «Brown Sugar», «You Gotta Move», «I Got the Blues» y «Sister Morphine»; guitarra acústica de 12 cuerdas en «Wild Horses»; guitarra líder en «Brown Sugar», «Wild Horses», «Can't You Hear Me Knocking» y «Bitch».

• Mick Taylor: guitarra líder en «Sway», «Dead Flowers» y «Moonlight Mile»; guitarra acústica en «Wild Horses»; guitarra rítmica en «Can't You Hear Me Knocking» y «Bitch»; guitarra slide en «Sway» y «You Gotta Move»; no estuvo presente durante las sesiones de «Sister Morphine».

• Charlie Watts: batería

• Bill Wyman: bajo, piano eléctrico en «You Gotta Move»

   

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HYPNOTIC EYE - Tom Petty and the Heartbreakers

Hypnotic Eyees el decimotercer álbum de estudio del grupo estadounidense Tom Petty and the Heartbreakers, publicado por la compañía discográfica Reprise Records en julio de 2014. El álbum debutó en el número uno de la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose en el primer trabajo de Petty en alcanzar lo más alto de la lista en su carrera musical.

Las primeras sesiones de grabación de Hypnotic Eyetuvieron lugar en agosto de 2011 en The Clubhouse, un local de ensayo del grupo en Los Ángeles (California), donde grabaron "Burn Out Town". David Fricke, periodista de Rolling Stone, anunció que el álbum tendría once temas, incluyendo títulos como "American Dream Plan B", "Fault Lines", "Red River", "Silence" y "Shadow People". El álbum también fue promocionado como un retorno estilístico a trabajos como Tom Petty and the Heartbreakers(1976) y You're Gonna Get It! (1978).

dirtyrock.eu, Tom Petty, el rapsoda, el Traveling Wilburys, el heartbreaker (rompecorazones), el Refugee, el auténtico ídolo de Florida, junto a Bruce Springsteen, Bob Seger, o John Mellencamp, son los auténticos apoderados del Rock de raíces desde la década de los años 70, los cuatro cantautores podrían realizar una gran enciclopedia con cada gira realizada, su música está llena brisa campestre ocupada por armonías vocales en la gran mayoría de sus canciones unidas a sus redenciones hacia The Byrds, Bob Dylan, The Beatles o Grateful Dead, dejan para la historia del Rock obras maestras como Breakdown, Free Fallin’, Refugee, Don’t do me like that, Don’t come around here no more, I won’t back down, Mary Jane’s last dance, Into the great wide open, o You don´t know how it feels entre otras muchísimas canciones.

En una entrevista con Fricke en Rolling Stone, Tom Pettyprometió que el grupo saldría de gira en promoción del nuevo trabajo, con residencias en varios teatros de Nueva York y Los Ángeles. Las declaraciones de Petty fueron confirmadas cuando el grupo anunció Hypnotic Eyea mediados de mayo de 2014. La gira norteamericana del grupo tendrá lugar entre el 3 de agosto y el 10 de octubre, y cada entrada incluirá una copia del nuevo disco.

El 10 de junio, la canción "American Dream Plan B" fue publicada como primer sencillo del álbum, junto a dos temas extra, "Red River" y "U Get Me High", desde la página web del grupo y en tiendas digitales. Un mes después, se publicó un sencillo en CD con "American Dream Plan B" y "U Get Me High" y un cupón descuento de dos dólares sobre Hypnotic Eye.

La canción "Forgotten Man" fue publicada a través de la página web del grupo y en tiendas digitales el 24 de junio, seguida por "Fault Lines" el 15 de julio, como sencillos promocionales de Hypnotic Eye.

Todas las canciones escritas y compuestas por Tom Petty excepto donde se indica.

1. American Dream Plan B – 3:00

2. Fault Lines (Petty y Mike Campbell) – 4:28

3. Red River – 3:59

4. Full Grown Boy – 3:26

5. All You Can Carry – 4:34

6. Power Drunk – 4:39

7. Forgotten Man – 2:48

8. Sins of My Youth – 3:49

9. U Get Me High – 4:11

10. Burnt Out Town – 3:05

11. Shadow People – 6:37

• Tom Petty: voz y guitarra rítmica

• Mike Campbell: guitarra principal

• Scott Thurston: guitarra rítmica y armónica

• Benmont Tench: piano y órgano

• Ron Blair: bajo

• Steve Ferrone: batería y percusión

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Moving Pictures Rush

Moving Pictures es el título del octavo álbum de estudio de la banda canadiense de rock Rush, lanzado el 12 de febrero de 1981, siendo editado posteriormente en edición limitada en algunos países de Hispanoamérica.

Este álbum es a la fecha el más popular y exitoso de Rush. Fue certificado oro el 13 de abril de 1981 (tan solo 2 meses luego de salir a la venta); platino, el 27 de abril de 1981; doble platino el 12 de octubre de 1984 y cuádruple platino (vendiendo más de cuatro millones de copias) el 27 de enero de 1995, alcanzando en 1981 el tercer lugar del Billboard 200 en Estados Unidos. Siguiendo la fórmula del álbum previo (Permanent Waves), Moving Pictures continúa dentro del exitoso formato radiable y está considerado como uno de los mejores álbumes de rock de la historia.

El álbum comienza con la canción más popular de Rush:

“Tom Sawyer”, una canción con una letra rebelde y una ejecución admirable, uno de los temas cuya melodía es rápidamente reconocible desde el comienzo. Ha sido el sencillo más vendedor en la historia de la banda, probablemente porque su estilo nunca pasa de moda. Tiene pequeñas referencias al personaje homónimo creado por Mark Twain y se constituye como un comentario abstracto sobre un guerrero moderno de mente abierta.

La letra de la canción fue escrita por Neil Peart en colaboración con una idea del músico Pye Dubois, miembro de la banda canadiense Max Webster. Es una oda a las tendencias de mente abierta, con un individuo que trata de asimilar lo mejor que puede ver en la gente, mientras lucha por conciliar al niño que hay dentro de él con el hombre que debe enfrentar la vida.

“Red Barchetta”, la letra de este tema está inspirada en un cuento de Richard S. Foster ("A Nice Morning Drive") aunque el título fue una ocurrencia de Neil Peart al admirar un Ferrari 166 MM Barchetta de 1948. La canción describe un futuro distópico, en el cual los automóviles deportivos modernos están prohibidos por una "Ley del Motor". El tío del narrador ha guardado en secreto uno de estos vehículos ilícitos (desde luego, el Red Barchetta) en perfectas condiciones por “cincuenta y tantos años”, y lo mantiene oculto en su granja. Durante uno de sus paseos semanales, el narrador se encuentra con dos “vehículos aéreos de aleación brillante”. El Barchetta y dichos automóviles, mucho más grandes en tamaño, compiten en una carrera feroz y agresiva, hasta que el narrador los elude, conduciendo a través de un estrecho puente de un solo carril, demasiado pequeño para los “gigantes”. La canción termina con el narrador volviendo a la granja, a "soñar con su tío al calor del hogar".

Pese a su enorme complejidad instrumental, este tema fue grabado en una sola toma, lo cual evidencia el nivel de virtuosismo alcanzado por los músicos en ese momento de su carrera. La música acompaña a la letra de una manera sencillamente perfecta: el protagonista comienza admirando el vehículo para luego sumergirse en la potencia y velocidad de la frenética carrera y cerrar con una melodía suave al llegar nuevamente a la granja familiar.

“YYZ”, es uno de los mejores instrumentales de todos los tiempos, surge espontáneamente de un ensayo informal, durante las sesiones de grabación. El título de la canción proviene del código IATA asignado para el Aeropuerto Internacional Toronto Pearson y durante la introducción las siglas se tocan de manera repetitiva de acuerdo al código Morse (-.-- -.-- --..), en un compás de 10/8, utilizando la disonancia creada por un intervalo de tritono (Do-Fa#), mientras que la melodía interpretada en el sintetizador es un buen ejemplo de escala locria.

Es una de las canciones más representativas de la banda y un favorito de los fanáticos que esperan siempre escucharla en los conciertos. Estuvo nominada al premio Grammy en 1982 como Mejor Instrumental Rock, perdiendo en la votación con el tema Behind My Camel de The Police. Es, además, uno de los retos del videojuego para PlayStation 2 y Xbox 360 Guitar Hero II.

“Limelight”, esta en la línea de The Spirit of Radio, del álbum "Permanent Waves" (1980), Limelight es un tema exitosamente comercial, muy roquero y con una gran ejecución de los músicos y especialmente de Alex Lifeson. La letra no se queda atrás: Neil Peart toca aquí uno de los temas más delicados de su existencia: tratar de mantener su vida privada lo más privada posible, lo cual es extremadamente difícil cuando se es estrella de rock. Estar siempre en un escenario, expuesto ante millones de personas, no siempre es agradable, especialmente cuando se trata de un alma sensible.

“The Camera Eye”, es el primer tema del lado B, se encuentra este tema, su última incursión épica. Con casi 11 minutos de duración y una soberbia introducción de más de 3 minutos, en The Camera Eye es donde Rush realmente explora el uso de los sintetizadores, que jugarán un papel preponderante en sus subsecuentes álbumes. Como ya es acostumbrado en el estilo de composición de la banda, la canción abunda en cambios de compás y melodías asincopadas, pero ciertamente representa un paso completamente diferente en la evolución de la banda. Menos mística y más industrial, no es una pieza para cualquier oyente, pero aun así, sigue siendo el sonido clásico de Rush.

Lírica y musicalmente, el tema trata de capturar la energía y costumbres de dos grandes ciudades de habla inglesa: Nueva York (en la primera estrofa) y Londres (en la segunda). Tanto el título de la canción como la temática utilizada están fuertemente inspiradas en el trabajo de John Dos Passos, uno de los autores favoritos de Neil Peart.

“Witch Hunt”, es una de las piezas más oscuras de Rush. Con el subtítulo de Part III of "Fear" (en español: Parte III de "Miedo"), Witch Hunt (en español: Cacería de Brujas) es una canción que trata justamente acerca de una cacería de brujas, al estilo de la Inquisición o de Salem. El concepto, básicamente, es acerca de como gente manipuladora puede utilizar el miedo para dominar a las masas ignorantes a su antojo, tal como ocurrió en las épocas mencionadas.

Las técnicas de grabación fueron muy sofisticadas para lo que era el estilo tradicional de la banda. Hugh Syme productor y diseñador del arte de la carátula funge como músico invitado en los sintetizadores, mientras que los sonidos que se escuchan al principio del tema fueron grabados en las afueras del estudio a varios grados bajo cero, durante el invierno canadiense, con efectos de sonido programados por Geddy Lee en su sintetizador Oberheim OB-X. La percusión fue creada grabando cada sonido de manera diferente, repitiendo la pista de grabación de la primera estrofa en la segunda. Con un gran final y un sonido in crescendo, es una perfecta terminación para la trilogía "Fear", que incluye además a los temas The Weapon (Parte II), del álbum "Signals" (1982) y The Enemy Within (Parte I), del álbum "Grace Under Pressure" (1984).

“Vital Signs”, cierra Moving Pictures, se encuentra este tema fuertemente influido por el reggae, apoyado en la guitarra y el sintetizador, completamente fuera de los estándares de composición de Rush, que siempre habían sido más apegados al rock progresivo; un verdadero cambio que iba de acuerdo con la dirección musical de la época, liderada por The Police. Dicho cambio iba a marcar una pauta sobre en nuevo estilo que distinguiría a Rush durante la nueva década. La letra tiene que ver con las relaciones humanas y como estas se interrelacionan con los cambios de humor y de sensaciones corporales, proponiendo siempre un cambio constante, para poder tener balance en la vida diaria.

En el 2020 el álbum fue ubicado en el puesto 379 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Cara A

1. Tom Sawyer (Neil Peart y Pye Dubois) 4:33

2. Red Barchetta 6:06

3. YYZ (Geddy Lee y Neil Peart (Instrumental)) 4:24

4. Limelight 4:19

Cara B

5. The Camera Eye 10:56

6. Witch Hunt (Part III of "Fear") 4:43

7. Vital Signs 4:43

    

• Geddy Lee: Voz principal, Bajo (Eléctrico), Teclados (Minimoog, Sintetizador polifónico, Oberheim OB-X y Sintetizador de Pedales Taurus)

• Alex Lifeson: Guitarras principal y rítmicas (Guitarras Acústicas y Guitarras Eléctricas de seis y doce cuerdas) y Pedales Taurus

• Neil Peart: Batería y Percusiones (Timbales, Campanas tubulares, Glockenspiel, Marimba, Crótalos, Cencerros, Contrachapado)

• Hugh Syme: Teclado (Sintetizador) - Solo en Witch Hunt (Pista 6)

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L. A. WOMAN - The Doors

 

L. A. Woman es el sexto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense The Doors, publicado en abril 1971. Fue el último disco que grabó el cantante Jim Morrison, que murió tres meses después en París.

En 2003, la revista Rolling Stone lo situó en el número 362 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Es un álbum casi exclusivamente de blues, un estilo que en trabajos anteriores no había sido más que una influencia, aunque cada vez más marcada y ya predominante en el anterior "Morrison Hotel".

La grabación fue un tanto tensa. Las relaciones entre los miembros de la banda, en parte debido al carácter de Morrison, estaban un tanto deterioradas. El productor de todos sus discos, Paul A. Rothchild, se negó a participar en este después de escucharlo. Finalmente, lo produjeron ellos mismos junto al ingeniero de sonido Bruce Botnick.

El disco fue grabado entre noviembre de 1970 y enero de 1971 en el local de ensayos de la banda, que fue transformado en estudio provisional.

Contiene sobre todo poderosos blues como "The Changeling", "Been Down So Long" (Que había sido presentada antes de su grabación de estudio), "Cars Hiss by my Window" y los ocho minutos de "L. A. Woman". Entre ellos, una versión del tema de John Lee Hooker "Crawling King Snake", su cuarta recreación de una composición ajena, después de "Back Door Man" de Willie Dixon (1967), "Who Do You Love?" de Bo Diddley, "Alabama Song" de Kurt Weill y Bertolt Brecht (1967) y otras versiones realizadas en vivo. Pero también hay temas ajenos a ese estilo como "L'America", además de ritmos pop en "Love Her Madly" y cierto aire experimental en "The Wasp (Texas Radio & The Big Beat)" y "Riders on the Storm" (la cual sería de sus últimas composiciones totalmente psicodélicas). En "Hyacinth House", Ray Manzarek interpreta en el órgano un pasaje de la famosa "Polonesa heroica" del compositor polaco Fredéric Chopin.

Como en todos los álbumes de The Doors, las letras tienen un papel muy importante. En "L.A. Woman" Morrison se despide de su querida Los Ángeles, ya que poco después de la grabación viajó a París para no volver jamás. En "L'America" relata una historia del descubrimiento de América, mientras que en "Hyacinth House" habla sobre la soledad y la muerte. La poesía surrealista de "The Wasp" deja paso a "Riders on the Storm", donde Morrison recrea un episodio de su infancia, en el que sintió que su alma era invadida por un chamán indio, algo a lo que ya se había referido en Peace Frog (1970).

En el Perception Box Set (2006) The Doors remasterizan toda su discografía. Cada álbum incluye algunos "bonus tracks".

Todas las canciones compuestas por The Doors (Jim Morrison, John Densmore, Ray Manzarek, Robby Krieger), excepto donde se indica.

Cara A

1. The Changeling – 4:20

2. Love Her Madly (Robby Krieger) – 3:40

3. Been Down So Long – 4:40

4. Cars Hiss by my Window – 4:10

5. L.A. Woman – 8:01

Cara B

6. L'America – 4:35

7. Hyacinth House (Jim Morrison, Ray Manzarek) – 3:10

8. Crawling King Snake (John Lee Hooker) – 5:02

9. The WASP (Texas Radio And Big Beat) – 4:12

10. Riders on the Storm – 7:14

Bonus tracks de su relanzamiento en 2007 (40th Anniversary Edition)

• Orange County Suite - 5:44

• (You Need Meat) Don't Go No Further - 3:44 (Willie Dixon)

Integrantes

• Jim Morrison

• Robby Krieger

• Ray Manzarek

• John Densmore

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In the Court of the Crimson King

In the Court of the Crimson King es el álbum de estudio debut de la banda de rock inglesa King Crimson, lanzado el 10 de octubre de 1969 por Island Records. El álbum es uno de los primeros y más influyentes delgénero de rock progresivo, donde la banda combinó las influencias musicales sobre las que se fundó la música rock con elementos de jazz, música clásica y sinfónica.

El álbum alcanzó el número cinco en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 28 en el Billboard 200 de los Estados Unidos, donde fue certificado como Oro por la Asociación de la Industria de la Grabación de Estados Unidos. Fue reeditado varias veces en las décadas de 1980 y 1990 utilizando copias inferiores de las cintas maestras. Después de que se descubrieron los masters originales en los archivos de Virgin en 2002, el álbum fue remasterizado nuevamente por Simon Heyworth y reeditado en 2004. Una edición del 40 aniversario del álbum fue lanzada en 2009 con nuevo estéreo y sonido envolvente 5.1. mezclas de Steven Wilson. En 2019 hubo una caja 3CD/1DVD, que contenía remasterizaciones, instrumentales y expansiones del álbum original, así como un DVD de grabaciones en vivo para el 50 aniversario del álbum.

King Crimson hizo su debut en vivo el 9 de abril de 1969 en The Speakeasy Club en Londres. Se abrió para los Rolling Stones en Hyde Park, Londres en julio de 1969, antes de que entre 250.000 y 500.000 personas, lo que ellos llamaron atención positiva.

Las sesiones iniciales del álbum se llevaron a cabo a principios de 1969 con el productor Tony Clarke, más famoso por su trabajo con Moody Blues. Después de que estas sesiones no funcionaron, el grupo recibió permiso para producir el álbum por sí mismos. El álbum fue grabado en una grabadora de 8 canales en Wessex Sound Studios en Londres, diseñado por Robin Thompson y asistido por Tony Page. Para lograr los característicos sonidos orquestales y exuberantes del álbum, Ian McDonald pasó muchos horas sobregrabando capas de Mellotron y varios instrumentos de viento de madera y de lengüeta. En algunos casos, la banda pasó por 5 generaciones de cintas para obtener pistas segmentadas y con capas profundas.

Sin embargo, algún tiempo después de que se completó el álbum, se descubrió que la grabadora maestra estéreo utilizada durante la etapa de mezcla del álbum tenía cabezales de grabación alineados incorrectamente. Esta desalineación resultó en una pérdida de altas frecuencias e introdujo una distorsión no deseada. Esto es evidente en ciertas partes del álbum, particularmente en "21st Century Schizoid Man". En consecuencia, mientras se preparaba el primer lanzamiento estadounidense para Atlantic Records, se hizo una copia especial del master estéreo de 2 pistas original en un intento de corregir algunas de estas anomalías. (El proceso de copia de cinta analógica generalmente da como resultado una pérdida de generación). De 1969 a 2002, esta copia "corregida" de segunda generación fue la fuente utilizada en el doblaje de los diversos submasters utilizados para los lanzamientos de vinilos, casetes y CD a lo largo de los años. Sin embargo, los maestros estéreo originales de "primera generación" se habían archivado poco después de las sesiones de mezcla originales de 1969. Estas cintas se consideraron perdidas hasta 2002.

Barry Godber (1946-1970), un programador de computadoras, pintó el diseño de la portada del álbum. Godber murió en febrero de 1970 de un ataque al corazón, poco después del lanzamiento del álbum. Era la única portada de su álbum; la pintura original ahora es propiedad de Robert Fripp. Fripp había dicho sobre la obra de arte de Godber:

Peter [Sinfield] trajo esta pintura y a la banda le encantó. Recientemente recuperé el original de las oficinas de [la discográfica de gestión EG Records] porque lo mantenían expuesto a la luz brillante, a riesgo de estropearlo, así que terminé quitándolo. La cara en el exterior es el Hombre esquizoide, y en el interior es el Crimson King. Si cubres el rostro sonriente, los ojos revelan una tristeza increíble. ¿Qué se puede agregar? Refleja la música.

Cara A

1. "21st Century Schizoid Man" Robert Fripp, Ian McDonald, Greg Lake, Michael Giles, Peter Sinfield 7:24

2. "I Talk To The Wind" McDonald, Sinfield 6:04

3. "Epitaph" Fripp, McDonald, lago, Giles, Sinfield 8:49

Cara B

4. "Moonchild" Fripp, McDonald, lago, Giles, Sinfield 12:13

5. "The Court Of The Crimson King" McDonald, Sinfield 9:26

• Robert Fripp - guitarras eléctricas y acústicas

• Michael Giles - batería, percusión, coros

• Greg Lake - voz principal, bajo

• Ian McDonald - saxofón, flauta, clarinete, clarinete bajo, Mellotron, clavicordio, el piano, órgano, vibráfono, coros

• Peter Sinfield - letra, iluminación

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FRAGILE - Yes

Fragile es el cuarto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. Se le conoce principalmente por la canción "Roundabout", que fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en una versión editada. Este fue el primer álbum de Rick Wakeman con Yes, y el primer lanzamiento de la banda en alcanzar los primeros 10 lugares en ventas a ambos lados del Atlántico.

Fragile salió a la venta en el Reino Unido en noviembre de 1971. Su lanzamiento en Norteamérica fue retrasado dos meses para aprovechar el aun creciente apogeo de la popularidad de The Yes Album.

A diferencia de los primeros lanzamientos de Yes, este álbum pone en primer plano los talentos de cada miembro de la banda como solista. "Cans and Brahms" es una pieza de Johannes Brahms con un arreglo de Rick Wakeman; "We Have Heaven" es un solo de Jon Anderson, en el que el vocalista interpreta múltiples partes vocales sobrepuestas (una técnica que después usaría en su primer disco como solista Olias of Sunhillow), por otro lado, "Five per Cent for Nothing", "The Fish" y "Mood for a Day" son los solos de Bill Bruford, Chris Squire y Steve Howe, respectivamente. El resto de las canciones contienen la participación de todo el grupo.

Fragile está formado por nueve pistas; cuatro son "arreglados y ejecutados en grupo" y los cinco restantes son "ideas individuales, arregladas y organizadas personalmente" por los cinco miembros. Squire razonó que este enfoque era necesario en parte para ahorrar tiempo y reducir los costos de estudio, ya que se utilizó dinero para comprar equipos de teclado para Wakeman. Según Bruford: "Hubo una discusión interminable sobre cómo se podría usar a la banda ... Sentí que podríamos usar a los cinco músicos de manera diferente ... Así que dije, brillantemente, ¿Por qué no hacemos algunas cosas individuales, por lo que todos usamos el grupo para nuestra propia fantasía musical? Yo seré el director, el conductor y el maestro por el día, luego tú haces tu pista, y así sucesivamente". Wakeman comentó sobre la estructura del álbum. "Algunos críticos pensaron que esto era algo espectacular. El pensamiento detrás de esto fue que nos dimos cuenta de que llegarían muchos nuevos oyentes a la banda. Podrían averiguar dónde estaba la contribución de cada músico individual".

El lado uno comienza con "Roundabout", una canción escrita por Anderson y Howe que se ha convertido en una de las canciones más conocidas de Yes. Howe recordó que la pista era originalmente "una suite instrumental de guitarra ... Escribo una canción sin una canción. Todos los ingredientes están ahí, todo lo que falta es la canción. "Roundabout" era un poco así; había una estructura, una melodía y algunas líneas". La introducción se realizó tocando una nota de piano grabada al revés. "Cans and Brahms" es la adaptación de Wakeman del tercer movimiento de la Sinfonía núm. 4 en mi menor de Johannes Brahms, con piano eléctrico para la sección de cuerdas, piano de cola para los vientos, órgano para los metales, clavecín eléctrico para las lengüetas y sintetizador como contrafagot. Wakeman luego describió la pista como "terrible", ya que problemas contractuales con A&M Records, con quien firmó como solista, le impidieron escribir una composición propia. Anderson describió "Tenemos el cielo" como una "idea rodante de voces y cosas", con sus dos conjuntos principales de cánticos que contienen las frases "Dile al perro de la Luna, dile a la liebre de marzo" y "Él está aquí, para mirar alrededor". El lado uno se cierra con "Lado sur del cielo".

La segunda cara del álbum se abre con la pista de Bruford, "Five Per Cent for Nothing". Con una duración de treinta y cinco segundos, es su "primer intento de composición, pero todos tenemos que empezar por algún lado". Según Tait, su título original era "De repente es miércoles", pero se cambió en referencia a Yes pagando a su ex manager Roy Flynn con el acuerdo de cinco por ciento de regalías futuras". Long Distance Runaround pasa a la pista en solitario de Squire, "The Fish (Schindleria Praematurus)". Tait recordó que Anderson lo llamó "a las diez en punto una noche desde Advision y dijo: 'Quiero el nombre de un pez prehistórico en ocho sílabas. Llámame en media hora '". Posteriormente Tait encontró Schindleria praematurus, una especie de pez marino, en una copia del Libro Guinness de los Récords. Howe interpreta su pieza de guitarra solista "Mood for a Day" en una guitarra flamenca Conde". Heart of the Sunrise es una pista en la que la formación clásica de Wakeman entró en juego; introdujo a la banda la idea de la recapitulación en la que se revisan segmentos anteriores de la música.

La portada del álbum fue diseñada e ilustrada por el artista inglés Roger Dean, quien diseñaría muchas de las futuras portadas de los álbumes de Yes, incluido su logotipo de "burbuja". Reflexionando sobre el diseño, Dean dijo: “Fragile” era muy literal, de verdad. Creo que la banda ha nombrado a varios de sus álbumes según su estado psicológico actual, y “Fragile” describe la psique de la banda. Y yo pensé sobre eso, muy literalmente, pintar un mundo frágil que eventualmente se rompería". Comentó además: “Fragile” era una portada bastante complicada porque había un libro dentro. Era elaborado, aunque no era una de las más llamativas de todas las portadas de Yes. Estaba aprendiendo mi oficio en el tiempo. La característica principal de la portada era un pequeño mundo bonsái, con una nave espacial de madera volando por encima. Literalmente estaba destinado a ser un mundo frágil".

La banda había deseado una imagen de una pieza de porcelana fracturada; para comprometerse, Dean terminó rompiendo el planeta en dos pedazos. Esta idea de un mundo roto continuaría en el álbum en vivo de la banda, Yessongs. Bruford pensó que Dean "aprovechó brillantemente esa idea [una de Fragile ] hasta la imagen profética del frágil planeta Tierra, con implicaciones de un ecosistema delicado y frágil".

Una versión del álbum en DVD-Audio fue lanzada en el 2002, incluyendo sonido Dolby Digital, mezcla DTS surround y otras características adicionales.

1. "Roundabout" (Jon Anderson/Steve Howe) - 8:33

2. "Cans and Brahms" (Johannes Brahms, Arr. Rick Wakeman)- 1:38

3. "We Have Heaven" (Jon Anderson) - 1:40

4. "South Side of the Sky" (Jon Anderson/Chris Squire) - 7:58

5. "Five per Cent for Nothing" (Bill Bruford) - 0:35

6. "Long Distance Runaround" (Jon Anderson) - 3:30

7. "The Fish (Schindleria praematurus)" (Chris Squire) - 2:39

8. "Mood for a Day" (Steve Howe) - 3:00

9. "Heart of the Sunrise" (Jon Anderson/Chris Squire/Bill Bruford) - 11:27

   • Incluye una repetición de "We Have Heaven" al final del disco.

Fragile fue remasterizado y lanzado en el 2003 con canciones adicionales.

10. "America" - 10:31

11. "Rondabout (Early Rough Mix)" - 8:35

• Jon Anderson: voces

• Chris Squire: bajo, voces

• Steve Howe: guitarra eléctrica y acústica, voces

• Rick Wakeman: órgano, piano, piano eléctrico y clave, melotrón y sintetizador

• Bill Bruford: batería, percusiones

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