THE BREEZE - AN APPRECIATION OF JJ CALE - Eric Clapton & Friends

The Breeze: An Appreciation of JJ Cale,es un álbum de Eric Clapton & Friends y lodedica a su antiguo colaborador JJ Cale, que fue conocidodespués de su single de 1972 "Call Me the Breeze". Fue producido porClapton y Simon Climie.

Un año después de la muerte de JJ Cale, el gran Eric Claptonpublica un disco de homenaje al bluesman de Oklahoma, consta de 16 temas originales de Cale, interpretados por Clapton y una amplia congregaciónde invitados, tales como Tom Petty, Mark Knopfler, John Mayerpor mencionar algunos.

Eric Clapton ha declarado a menudo que JJ Cale es una de las únicas figuras más importantes en la historia del rock, un sentimiento compartido por muchos de sus colegas músicos. La influencia de Cale en Clapton fue profunda, tambienen muchos más artistas de hoy en día sin pecar de ser exagerado. Para honrar el legado de JJ, un año después de su muerte, Clapton reunió a un grupo de amigos y músicos con ideas afines para Eric Clapton & Friends:. The Breeze, una apreciación de JJ Cale programado para lanzarlo el 29 de julio de 2014 con la actuación de Clapton, mark Knopfler, John Mayer, Willie Nelson, Tom Petty, Derek Trucks y Don White, el álbum cuenta con 16 canciones de JJ Cale y es nombrado como el primer single de 1972 "Call Me the Breeze".

Después de años admirando la obra de JJ Cale y que cubren varias de sus canciones como "After Midnight" y "Cocaine", Clapton finalmente colaboró con Cale por primera vez en su carrera en el 2006, álbum original The Road to Escondido. En ese momento, Clapton dijo: "Esta es la realización de lo que pudo haber sido mi última ambición, trabajar con el hombre cuya música me ha inspirado durante todo el tiempo que puedo recordar." Constantemente la música de JJ Cale desafiabala clasificación, encontrandoinfluencias de todo el espectro de blues, rock, country y folk - un sonido híbrido que ha influido en una larga lista de artistas. Él era conocido por ser solitario. Dejó que su música hablase por sí mismay por su propia elección nunca se hizo famoso en los términos convencionales de la palabra. En su lugar, prefirió huir de los reflectores para una existencia más simple basada en sus creaciones musicales. Irónicamente, haciendo precisamente eso, centrandoseen la música, lo convirtió en una leyenda de la guitarra.
En 2004 Clapton organizó un festival de guitarra llamado Crossroadsque fue un evento de 3 días con los guitarristas de élite del mundo. Clapton invitó a Cale a actuar en los primeros Crossroads Guitar Festival y Cale accedieron a participar en el evento, donde Clapton orgullosamente se sentó como miembro de su banda.

Toda la carrera de más de 40 años de Cale produjo 15 álbumes. Alabado por sus compañeros y completamente imperturbable por las modas musicales, JJ Cale es un icono americano, un artesano como ningún otro. La carrera de Clapton, también se extiende más de 50 años, ha dado como resultado 18 premios Grammy y el honor de ser el único admitidotripleteen el Salón de la Fama del Rock & Roll.
Parece significativo que este álbum es el primer trabajo de estudio del guitarrista desde la publicación desu autobiografía best-seller de 2007, tituladaClapton. Tras la introspección requerida por ese proyecto, del disco de catorce canciones se reproducen como las memorias musicalesde un viaje increíble. Es decir, también, que dice Clapton grabó el álbum con un público muy específico en su mente.

1. Call Me the Breeze – 3:07
   
2. Rock and Roll Records – 2:19
   
3. Someday – 3:48
   
4. Lies – 3:07
   
5. Sensitive Kind – 5:17
   
6. Cajun Moon – 2:28
   
7. Magnolia – 3:42
   
8. I Got the Same Old Blues – 3:03
   
9. Songbird – 2:56
   
10. Since You Said Goodbye – 3:01
    
11. I'll Be There (If You Ever Want Me) – 2:37
    
12. The Old Man and Me – 2:56
    
13. Train to Nowhere – 4:51
    
14. Starbound – 2:03
    
15. Don't Wait – 2:47
    
16. Crying Eyes – 3:31
    

• Eric Clapton - voz, guitarra, dobro
  
• Tom Petty - voz
  
• Mark Knopfler - guitarra, voz
  
• John Mayer - guitarra, voz
  
• Willie Nelson - guitarra, voz
  
• Don Blancas - guitarra, voz
  
• Reggie joven - guitarra
  
• Derek Trucks - guitarra
  
• Albert Lee - guitarra
  
• David Lindley - guitarra
  
• Don Preston - guitarra
  
• Christine Lakeland - guitarra, voz
  
• Doyle Bramhall II - guitarra
  
• Greg Leisz - pedal steel guitar
  
• Jimmy Markham - armónica
  
• Mickey Raphael - armónica
  
• Michelle John - coros
  
• Sharon Blancas - coros
  
• James Cruce - batería
  
• Jim Karstein - batería
  
• Jamie Oldaker - batería
  
• David Teegarden - batería
  
• Satnam Ramgotra - tablas
  
• Simon Climie - teclados, órgano, piano, programación de batería, percusión, coros
  
• Nathan East - bajo
  
• Jim Keltner - batería
  
• Walt Richmond - teclados, órgano, piano
  

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ALTA SUCIEDAD - Andrés Calamaro

Alta suciedades el quinto álbum de estudio del músico argentino Andrés Calamaro. Lanzado en 1997, fue su primer disco de canciones nuevas, compuestas por el cantautor en su totalidad, tras su separación de la banda Los Rodríguez.

Fue producido por Joe Blaney y grabado con músicos anglosajones en Estados Unidos. Es el segundo disco más vendido del rock argentino y la revista Rolling Stone lo ubicó en el décimo puesto de su lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino. La canción "Loco" fue censurada en múltiples ocasiones y ocasionó inconvenientes legales al cantautor, puesto que el primer verso dice "Voy a salir a caminar solito, sentarme en un parque a fumar un porrito".

lafonoteca.net, "Alta suciedad" es un disco soberbio que se nutre del talento de un compositor en estado de gracia y de la calidad de unos músicos que barnizaron la grabación de música negra. Ninguna de las canciones flaquea, nada es prescindible, todo suma. Una delicia para los oídos.

Abre el disco la canción que le da nombre, un petardazo que estimula el espíritu insurgente y carga contra la clase política argentina, siempre en descrédito. Hasta parece anticipar el corralito: “Señor banquero / devuélvame el dinero / Por ahora, / es lo único que quiero / Estoy cansado de los que vienen de amigos / y solo quieren rellenarme el agujero”. Le sigue la evocadora "Todo lo demás", repleta de imágenes brillantes y con algunos versos definitivos: “Puedo presumir de poco / porque todo lo que toco se rompe / Te presté un corazón loco / que se dobla con el viento y se rompe”.

En este último tema, Blaney quedó tan encantado con los coros que Calamaro había hecho en la maqueta que se cuidó mucho de hacer grandes modificaciones.

"Todo lo demás" deja paso a "Donde manda marinero", una de las mejores canciones que Calamaro haya facturado. Monumento a la insatisfacción, tiene trazas de tangoy gana con cada escucha: “Con el crudo de las bodegas, volveré a buscar / todo el tiempo vivido que hemos perdido sin protestar. / Voy a probar primero al olvido, a lo ajeno / voy a mandar al retiro, de un tiro, al culpable de mi soledad”. "Loco", un funkredondo donde los músicos se lucen y que se convirtió en single, relaja un poco la intensidad, es un remanso a la espera de la próxima vuelta de tuerca.

Y la siguiente vuelta de tuerca es la célebre "Flaca", que por muchas veces que suene en las radios -parece como si el autor no tuviese otras canciones- seguirá manteniendo intacta su belleza. Una melodía de inicio arrebatadora da paso a una letra majestuosa, que habla del amor con espinas, el que duele y da vida a la vez, del que deja marca: “Flaca, no me claves tus puñales por la espalda / tan profundo, no me duelen, no me hacen mal. / Lejos, en el centro de la tierra, las raíces del amor / donde estaban quedarán”. Una maravilla que los músicos impregnan de souly que habla, dice Calamaro, “de los pequeños daños que nos hacemos a veces las personas”.

La rebeldía ante la realidad, que aparecía ya en "Alta suciedad" y "Donde manda marinero", parece conectar los siguientes cortes del disco, "¿Quién asó la manteca?" y "Media Verónica". El primero es un funkal ralentí que brama contra el tedio y la mentira, y el segundo cuenta la historia de una joven golpeada por la guerra: “Llegó una carta desde el frente / el cántaro se rompe / y se secó la fuente”.

"El tercio de los sueño", una canción donde se confunden el bluesy la rancheray que ambienta un amor fatal en la corrida de toros de San Isidro, remite a José Alfredo Jiménez y a Bob Dylan, y demuestra que aún en las piezas aparentemente menores el talento de Calamaro es un manantial: “hay un hombre que recuerda / y aunque la memoria muerde y no le engaña / en la tela de araña cayó / y la mantis ya se lo comió”. La pequeña "Comida china" es otro de los momentos de descompresión del disco.

"Elvis está vivo" bromea con las leyendas sobre la falsedad de la muerte del rey del rock, aunque la letra parece hablar más bien de una tradición que sigue viva -“en Memphis lo saben todos / pero es gente muy discreta / y no dice nada”-, y acaba invocando humildemente a la inspiración -“Elvis es un buen tío, / espero que me invite a comer”.

"Me arde", otro de los single, trata de espantar a los celos mientras que la balada"Crímenes perfectos" trata de aliviar una ruptura y supone otra de las cumbres de la grabación, con  versos maravillosos: “Me parece que soy / de la quinta que vio / el Mundial 78 / Me tocó crecer / viendo a mi alrededor / paranoia y dolor / La moneda cayó / del lado de la soledad”.

"Nada es igual", un reggaeque huele a pura marihuana y contiene un recitado del filósofo Antonio Escohotado, precede a la guinda del disco, "El novio del olvido". Una gema acústica que, con ironía, habla de la ¿imposibilidad? de mantener los lazos muerta ya una relación, y que Ribot teje con su guitarra. Es un brillante punto y final al álbum.

Un trabajo imbatible, que dispersó (al menos entre la mayoría) la nostalgia de Los Rodríguez, y que colocaba a Calamaro a la altura de cualquier estrella (Rolling Stone lo eligió como mejor disco de la historia del rockargentino). Él mismo habla de la ambición que se escondía tras "Alta Suciedad": “Fue quizá el primer álbum en castellano con capacidad para venderse en India o New York, el primero hecho para conquistar el mundo”.

Diego A. Manrique, en “Alta suciedad” AC habla de amor sin obviedades. Trenza autobiografía con fantasía. Transmite su espíritu insurgente con sutileza. Explora estilos sin recurrir a la fotocopiadora. Destila esencias musicales y vitales en forma de golosinas engañosamente digeribles.

Todas las canciones escritas por Andrés Calamaro.

1. Alta suciedad (4:27)
   
2. Todo lo demás (2:50
   
3. Donde manda marinero (4:04)
   
4. Loco (3:41)
   
5. Flaca (4:47)
   
6. ¿Quién asó la manteca? (4:25)
   
7. Media Verónica (3:37)
   
8. El tercio de los sueños (3:54)
   
9. Comida china (2:10)
   
10. Elvis está vivo (3:00)
    
11. Me arde (3:37)
    
12. Crímenes perfectos (4:24)
    
13. Nunca es igual (7:44)
    
14. El novio del olvido (2:24)
    
15. Catalina, Bahía (Bonus Track) (5:12)
    

• Voz, piano, teclados, sintetizador, mellotrón, hand-clapper, guitarra Andrés Calamaro.
  
• Guitarra - Hugh McCracken, Marc Ribot y Eddie Martínez.
  
• Bajo - Charly Drayton y Chuck Rainey.
  
• Batería - Steve Jordan.
  
• Vientos - Crispin Cioe y Ken Fradley.
  
• Coros - Celeste Carballo. Palito Ortega en " elvis esta vivo"
  

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YOURS TRULY, ANGRY MOB - Kaiser Chiefs

Yours Truly, Angry Mobes el segundo álbum de la banda británica Kaiser Chiefs. Fue lanzado el 23 de febrero de 2007 en Bélgica y Holanda, y el 26 del mismo mes en el resto del mundo excepto en los Estados Unidos, donde fue lanzado a fines de marzo de ese año. El lanzamiento de este álbum estuvo precedido por el lanzamiento de Ruby, el primer single del álbum, el cual fue lanzado el 19 de febrero de 2007. Este álbum fue el primero de la banda (y el único hasta la fecha) en alcanzar el número 1 del chart británico. Además fue certificado con el disco de platino en el Reino Unido y disco de oro en Australia.

alohacriticón.com, saben escribir briosas y melódicas canciones, con riffs fuzzy incisivos (herencia de su pasado garajero) y pegagojos estribillos-himnos en textos de rememoraciones de tiempos pasados, algún comentario social y/o vinculaciones amoroso-sexuales.
En ocasiones su derivación y falta de madurez en la escritura les lleva a emplear trucajes líricos sin demasiado enfoque pero lo que permanece es su avivado sentido del ritmo y un artesanal y apreciable sentido de la composición pop.

Algunos de los cortes más destacados del disco son las dos canciones de apertura, el single “Ruby”, enérgica píldora pop con intenso riff guitarrero ornado por “lalalas” y “aaas” vocales que acentúa su adherencia con un contagioso y simple estribillo, y “The Angry Mob”, una pieza con un intenso tramo-himno final en donde se critica la delincuencia y violencia urbana, además de la manipulación de la prensa y la idiotez de los atontados e ignorantes maniqueos que solamente ven cosas buenas y malas, querencias y odios.

También resultan muy escuchables “Heat Dies Down”, otro corte pujante de pop nuevaolero, “Highroyds”, jaranera pieza a lo Blur de recuerdos adolescentes, “Love’s Not a Competition (But I’ll Winning)”, balada acústica que aplaca los agitados ritmos previos y que cuenta con logrados juegos vocales que subrayan las emociones de la canción, “Everything is Average Nowadays”, pop-punk a lo Buzzcocks, “Thank You Very Much”, potente tema con distorsión guitarrera y ligamento entre Blur y Bowie, “I Can Do Without You”, medio tiempo pop de construcción intachable, o “My Kind of Guy”, pieza con un tono más teatral-siniestro en donde se dan la mano algunas de sus referencias sónicas más palpables, como es el pop de la new wave y el glam-rock.

Al igual que el álbum debut de la banda, Employment, Yours Truly, Angry Mobfue producido, una vez más por Stephen Street, siendo este disco, con respecto a las letras, más oscuro y con más conciencia social que el anterior, con canciones que tratan de temas tales como los crímenes, la violencia y la fama.

La respuesta crítica en Yours Truly, Angry Mob fue en general positiva. En Metacritic , que asigna una normalizado calificación de 100 a los comentarios de los críticos principales, el álbum ha recibido una media de puntuación de 61, basado en 29 críticas.

Todas las canciones compuestas por Ricky Wilson, Andrew White, Simon Rix, Nick Baines y Nick Hodgson.

1. "Ruby" - 3:25
   
2. "The Angry Mob" - 4:48
   
3. "Heat Dies Down" - 3:57
   
4. "Highroyds" - 3:19
   
5. "Love's Not a Competition (But I'm Winning)" - 3:17
   
6. "Thank You Very Much" - 2:37
   
7. "I Can Do It Without You" - 3:24
   
8. "My Kind of Guy" - 4:06
   
9. "Everything is Average Nowadays" - 2:44
   
10. "Boxing Champ" - 1:31
    
11. "Learnt My Lesson Well" - 3:54
    
12. "Try Your Best" - 3:42
    
13. "Retirement" - 3:53
    

Ricky Wilson: voz
Andrew White: guitarra, coros
Simon Rix: bajo eléctrico, guitarra acústica, coros
Nick Baines: teclados, guitarra
Nick Hodgson: bateria, voces, guitarra, bajo, piano, flauta

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GHOST STORIES (Deluxe Edition) - Coldplay

Ghost Storieses el sexto álbum de estudio de la banda británica Coldplay. El álbum se lanzó por el sello discográfico Parlophone el 16 de mayo de 2014 y por Atlantic Records en Estados Unidos el 19 de mayo de 2014. El proceso creativo y grabación del álbum se llevó a cabo entre finales del 2012 y principios del 2014, en los estudios construidos por la banda: "The Bakery" y "The Beehive" en el Norte de Londres, Inglaterra; construidos originalmente para la grabación de sus anteriores álbumes de estudio Viva la Vida or Death and All His Friendsy Mylo Xyloto.

Para el proceso creativo Coldplay regreso a la idea de menos producción y sonido que en Mylo Xyloto. El baterista de la banda, Will Champion, aclararoen la BBC Radio 1 respondiendo a la cuestión de lo que sería el álbum, “Sí, eso puede ser bueno en realidad. Hay un punto muy lejos al que puedes llegar sin ser tan pomposo y un poco exagerado, trataremos de pisar esa línea con cuidado. Restablecer. Volver a calibrar”.

Un vídeo musical para la canción "Midnight", fue lanzado el 25 de febrero de 2014. Una semana más tarde, Parlophone y la banda, anunciaron el título de álbum, la portada y la lista de canciones. "Magic"estuvo disponible para su descarga en iTunes y Amazon.com el mismo día si se preordenaba el álbum. El vídeo musical de "Magic" fue lanzado a principios de abril 2014.

Ghost Storieses un album conceptual que gira en torno a dos temas principales mencionados por el cantante Chris Martin. El álbum explora la idea de acciones pasadas, y los efectos que puede tener en el futuro y la capacidad de uno para el amor. El álbum fue inspirado principalmente por la problemática relación de Martin con su entonces esposa Gwyneth Paltrow. La pareja, que finalmente se separó en marzo de 2014, había estado pasando por una relación áspera que habían estado tratando de resolver en los dos años anteriores a su dividida.

Según Chris Martin, la idea de Ghost Stories fue, " ¿cómo dejas que las cosas que le suceden en el pasado –Tus fantasmas – dejen que afectan su presente y su futuro? " "Hubo un tiempo en que me sentía como si me iban a arrastrar hacia abajo y arruinar mi vida, y la vida de los que me rodean . Tuve mucha suerte de conocer a un muy buen maestro sufí que empezó a introducirme la idea de "si te sientas con sus experiencias y las cosas que hemos pasado, habra solo que alquimizar. En el momento en que él dijo eso, yo realmente no sabía lo que eso significaba , pero yo confiaba en que iba a funcionar , y cuanto más aprendía acerca de eso, la música sólo comenzó a fluir a través de mi.

Ghost Stories recibio generalmente críticas mezcladas. En Metacritic, que asigna una normalizada calificación de 100 a los comentarios de los principales críticos, el álbum recibió una puntuación media de de 61, basado en 31 revisiones, lo que indica "críticas generalmente favorables". Jason Lipshutz de la revista de Billboard escribió una revisión del álbum pista por pista, lo elogió como "el álbum más audible del año", y de la banda la describió como "un brebaje evocador de frases hoscos, arreglos dispersos y temas de gran alcance". Kyle Anderson de la revista Entertainment Weekly comentó que Ghost Stories"probablemente será recordado como un álbum de transición" y señaló que "mientras que siendo sólido, se siente como una precuela de algo mejor".

El diseño del álbum para Ghost Storiesfue por la artista checa Mila Fürstová. El arte tipo medieval, que mide 100 por 100 cm cuenta con un par de alas de ángel impuesto sobre una pintura de un océano bajo un cielo de la noche. Los mismos cuentan con una serie de dibujos de estilo medieval de objetos y conceptos bastante contemporáneos. Las imágenes incluyen una pareja de enamorados, un hombre frente a un espejo, un vuelo de palomas blancas, un laberinto circular, una niña de luz de las velas, una ventana que da a un tornado de entrada y una planta de jardín con una escalera, entre otras imágenes se muestra en la obra de arte. Una versión más grande de la obra se encuentra disponible en la web oficial de Coldplay, con la posibilidad de aumentar la imagen en la obra de arte con un ampliador de pantalla.

Todas las canciones escritas y compuestas por Guy Berryman , Jonny Buckland , Will Champion y Chris Martin , excepto "A Sky Full of Stars", co-escrito por Tim Bergling.

1. Always in My Head – 3:36
   
2. Magic – 4:45
   
3. Ink – 3:48
   
4. True Love – 4:05
   
5. Midnight – 4:54
   
6. Another's Arms – 3:54
   
7. Oceans – 5:21
   
8. A Sky Full of Stars – 4:28
   
9. O / Fly On (Pista Oculta) – 7:48
   

Deluxe Edition (bonus tracks) (solo EE.UU.)

10. All Your Friends – 3:33
    
11. Ghost Story – 4:01
    
12. O (Part 2 / Reprise) – 1:38
    

• Guy Berryman - bajo, teclado
  
• Jonny Buckland - guitarra eléctrica, teclado, piano, guitarra slide
  
• Will Champion - batería, caja de ritmos, reaccionables, coros
  
• Chris Martin - voz principal, guitarra acústica, piano, teclado
  

Músicos adicionales

• Timbaland – baterías extra (canción 4)
  
• Apple Martin – voz adicional (canción 9)
  
• Moses Martin – voz adicional (canción 9)
  
• Mabel Krichefski – voz adicional (canción 9)
  
• John Metcalfe – arreglo de cuerdad (canciones 1-9)
  
• Davide Rossi – arreglo individual de cuerdas (canción 4)
  

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CATCH A FIRE - Bob Marley and the Wailers

Catch a Firees el quinto álbum de estudio, y el primero con una gran discográfica, de la banda jamaicana de reggae Bob Marley & The Wailers, lanzado por Island Records en 1973. El álbum lanzó a la banda al estrellato mundial, y su líder Bob Marley se convirtió en una famosa figura de la música en todo el mundo. Las letras con conciencia social y el tono militante sorprendió a muchos oyentes, pero otros fueron atraídos por los los temas de confrontación de los compositores Marley y Peter Tosh, y la visión optimista de un futuro libre de opresión. El álbum logró los puestos nº 171 y nº 51 en las listas Billboard y Black Albums, respectivamente.

Indudablemente, la adhesiva delicadeza de las melodías de "Stir It Up" o "Kinky Reggae" encaja a la perfección, aun en sus versiones "sin adulterar", con el idioma pop de los 70. Al mismo tiempo, "Concrete Jungle", "Slave Driver" o "400 Years" (compuesta y cantada por Tosh) son canciones combativas que refieren a la historia de opresión y la confrontación con el poder establecido otorgaron al disco su cuota de credibilidad política. La sensible y exquisita voz de Marley, de la que percibimos hasta la mínima inflexión (y de ahí gran parte de su atractivo), es el centro de la gravedad emocional de estas canciones. El rango de los Wailers que, sin perder la propulsión de su ritmo, podía ir de la balada romántica al himno de barricada era, por lo menos, sorprendente. Marley componía y cantaba la mayor parte de los temas, pero este álbum es, claramente, la perfecta colaboración de una banda entre sí y con su productor.

Los críticos han catalogado a Catch a Firecomo uno de los mejores discos de reggae de todos los tiempos. Vik Iyengar de Allmusic comentó "Marley continuaraalcanzandoun gran éxito de crítica y público durante la década de los 70, Catch a Fireesuno de los mejores álbumes de reggae. Este álbum es esencial para cualquier colección de música". Rolling Stoneclasificó el álbum en el número 123 en su lista de 500 mejores álbumes de todos los tiempos, el segundo más alto de colocación para un álbum de reggae; sólo leyenda, un puesto más alto en el número 46. David Rodigan del semanario britanico El Espectador en 2012lo describió en el blog de artes como "simplemente, uno de los mejores discos de reggae que jamás se hayahecho".

Las primeras 20.000 copias del vinilo original de 1973, fueron diseñadas por los artistas gráficos Rod Dyer y Bob Weiner para revestir mecheros Zippo. La parte superior del encendedor se abría y se podía extraer el disco. Sin embargo, la industria de la época no permitía fabricarlo manualmente a esta escala ya que iba a incrementar sensiblemente el precio de un producto que debia ser para consumo masivo, por lo que se eligió la portada en la que Marley aparece fumando un porro. Pese a ello, algunas copias salieron al mercado, hoy en día son objetos de colección. La portada original se volvió a utilizar en 2001 para la edición de lujo.

Todas las canciones compuestas por Bob Marley, excepto donde se especifique.

Cara A

1. "Concrete Jungle" – 4:12
   
2. "Slave Driver" – 2:54
   
3. "400 Years" (Peter Tosh) – 2:45
   
4. "Stop That Train" (Tosh) – 3:55
   
5. "Baby We've Got a Date (Rock It Baby)" – 4:06
   

Cara B

1. "Stir It Up" – 5:30
   
2. "Kinky Reggae" – 3:36
   
3. "No More Trouble" – 3:56
   
4. "Midnight Ravers" – 4:57
   

• Peter Tosh - órgano , guitarra, piano, voz
  
• Bob Marley - guitarra, voz
  
• Bunny Wailer - bongos, congas, voz
  
• Aston "Family Man" Barrett - bajo eléctrico
  
• Carlton "Carlie" Barrett - tambores
  
• John "Rabbit" Bundrick - teclados, sintetizador, clavinet
  
• Wayne Perkins - guitarra
  
• Rita Marley coros
  
• Marcia Griffiths coros
  
• Tommy McCook - flauta
  
• Robbie Shakespeare - Bass Guitar (Concrete Jungle)
  
• Francisco Willie Pep - percusión
  
• Winston Wright - percusión
  
• Chris Karan - percusión
  

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BACK TO BLACK - Amy Winehouse

Back to Blackfue el segundo y último álbum de estudio de la cantante británica Amy Winehouse. Su primer lanzamiento principal fue realizado el 4 de octubre de 2006 en el Reino Unido. Por su parte, su promoción abarcó el lanzamiento de cinco sencillos que fueron: «Rehab», «You Know I'm No Good», «Back to Black», «Tears Dry on Their Own» y «Love Is a Losing Game», el primerode ellos fue elmás exitoso. En el mes de junio de 2007 se convirtió en un éxito, Nº 9 en Estados Unidos y tras ello, vendió 1,7 millones de descargas en el país, hasta el 23 de julio de 2011 Back To Black recibió críticas generalmente positivas por parte de los críticos de música, ganándose el elogio por sus influencias clásicas de Soul.

LaHiguera.netTras el éxito de Frank, Amy comenzó a pensar en lo que le gustaría hacer con su segundo álbum. Frank fue su álbum de lanzamiento y le supuso muchosfans en todo el mundo, haciendo que se convirtiera en una de las voces más distintivas del pop; era un disco de confesiones, elemental, y poseía la más rara de las combinaciones: humor y alma.

"Yo no quería hacer más jazz otra vez. Estaba aburrida de las estructuras de acordes complicados y necesitaba algo más directo. He estado escuchando mucha música de grupos de chicas de los cincuenta y los sesenta. Me gusta la simplicidad de aquella música. Da en la diana". Se puede escuchar en la sutil referencia a las Supremes en "Back To Black". Pero su búsqueda se extiende aún más allá. Mientras que los grupos femeninos de los sesenta por los cuales se ha sentido cautivada, contenían sus voces, Amy se libera con el estilo vocal de Aretha en "Just Friends" o en "Rehab". "Love is a Losing Game" es una composición moderna puramente clásica: breve y empapada de emoción. Otros puntos álgidos del disco incluyen la canción inspirada en Nas, "Me and Mr Jones", la "Wake Up Alone", "I’m No Good", la epifanía personal que nos habla de poder comportarnos tan mal como esos tipos que nos han causado daño y nos han dejado huella, y la cariñosa canción de estilo blues "Back To Black".

jenesaispop.com‘Back to black’, probablemente una de las canciones de amor más intensas que se hayan hecho jamás, desde los primeros acordes al piano pasando por el comienzo de la letra, que parece situarnos en un trágico lecho post-coital lleno de abandonos amargos, hasta ese final que vuelve, aunque no queramos, llevándonos “a la oscuridad de nuevo”. Pocas veces la decadencia ha sido tan adictiva y hermosa.

En este tema Amy es “la otra” y aunque lo sabe, no puede evitar volver a caer, pero esa bella suciedad se presenta de muchas formas a lo largo del disco. En ‘Just friends’, también el sexo y la culpa son protagonistas, mientras que en ‘You know I’m no good’ ella es la que engaña, y la canción nos la presenta primero interrogada y olfateada por su hombre , dice, “como si fuera un Tanqueray”, y finalmente desnuda en una bañera, en mala compañía. Escenas de gran dramatismo que se relajan en ‘Me and Mr Jones’, también conocida como ‘Fuckery’ (palabra cool donde las haya) o en la optimista ‘Tears dry on their own’, contrapunto a la pesimista ‘Love is a losing game’: puede que Amy haya perdido pero no habrá montaña lo suficientemente alta como para pararla.

El disco se cierra con ‘He can only hold her’ y ‘Unholy war’, que parecen canciones de apoyo de él hacia ella y de ella hacia él.

En la 50ª ceremonia de los premios Grammy, Back to Black ganó cinco premios, igualando el récord impuesto con Lauryn Hill, Alicia Keys, Beyoncé Knowles, Norah Jones y Alison Krauss por la mayoría de premios ganados por una artista femenina en una sola ceremonia. El álbum ganó Mejor Álbum Vocal Pop, mientras que «Rehab» ganó Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina, Canción del Añoy Grabación del Año', Winehouse ganó comoMejor Artista Nuevo. El álbum también fue nominado paraÁlbum del Año. A finales de 2011, Back to Black fue anunciado comoel álbum más vendido en el Reino Unido en el siglo 21 por la Official Charts Company, después de haber vendido 3,5 millones de copias en el Reino Unido.

Back to Black recibió la aclamación general de los críticos de música. Metacritic, que asigna una normalización de la calificación de 100 de las opiniones de los críticos principales, el álbum recibió un promedio de puntuación de 81, basado en 26 comentarios, lo que indica una "aclamación universal". John Bush de Allmusic le dio al álbum cinco de cinco estrellas y alabó la tradición musical de Winehouse, declarando "A pesar de que Back to Black hace ver su jazz de abandono y total que abarca el R&B contemporáneo, todas las mejores partes de su carácter musical emerge intacto, y en realidad, son todo lo mejor para la transformación de la vocalista de jazz a la sirena del Soul". Jake Henneman de Crawdaddy! denomina su música "sensual neo-soul y R & B".

Este álbum se colocó en el número cuarenta en la revista Rolling Stone de los 50 mejores álbumes de 2007. Chris Willman de Entertainment Weekly llamo a Back to Black el segundo mejor álbum del año 2007, al comentar que "Black llevará a cabo como uno de los CD vanguardista de nuestro tiempo ". Y añade: "Al final, es la cantante de la vida real de dolor por su esposo encarcelado, demuestra lo que es obvio a partir de las ranuras: Cuando canta sobre el amor, quiere decir cada palabra". Rolling Stone coloco a Back to Black en la lista de los 100 mejores discos de la década 2000-2009, clasificado como el álbum número veinte y en 2012, lo clasificó en el número 451 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Tras la muerte de Winehouse, el 23 de julio de 2011, las ventas del álbum se incrementaron drásticamente en todo el mundo. El álbum saltó al número uno en las listas de iTunes en casi todos los países. En su país natal, Reino Unido, el álbum volvió a entrar en las listas del Reino Unido el 24 de julio de 2011 en el número 59 en sólo siete horas de ventas tras el anuncio de su muerte. A la semana siguiente, el álbum se disparó de nuevo al número 1, que marca la cuarta vez que el álbum ha alcanzado el primer puesto.

Todas las canciones de Amy Winehouse, menos donde se indica.

1. Rehab – 03:34
   
2. You Know I'm No Good – 04:17
   
3. Me & Mr. Jones – 02:33
   
4. Just Friends – 03:13
   
5. Back to Black (Mark Ronson / Amy Winehouse) – 04:01
   
6. Love Is a Losing Game – 02:35
   
7. Tears Dry on Their Own (Nick Ashford / Valerie Simpson / Amy Winehouse) – 03:06
   
8. Wake up Alone (Paul O'Duffy / Amy Winehouse) – 03:42
   
9. Some Unholy War – 02:22
   
10. He Can Only Hold Her (Richard Poindexter / Robert Poindexter / Amy Winehouse) – 02:45
    
11. Addicted - 02:42
    

• Amy Winehouse: Guitarra, Voz
  
• John Adams: Fender Rhodes
  
• Troy Auxilly-Wilson: Tambores
  
• Victor Axelrod: Piano, Wurlitzer, Palmas
  
• Marcos Berrow: Violín
  
• Dave Bishop: Sax (Barítono)
  
• Raquel Perno: Viola
  
• Thomas Brenneck: Guitarra
  
• Chris Davies: Sax (Alto)
  
• Liz Edwards: Violín
  
• Richard Edwards: Trombón (Tenor)
  
• Binky Griptite: Guitarra
  
• David Chico: Trompeta
  
• Peter Hanson: Violín
  
• John Heley: Cello
  
• Ian Hendrickson-Smith: Sax (Barítono)
  
• Vincent Henry: Celeste, Clarinete, Clarinete (Bajo), Flauta, Guitarra, Piano, Saxofón (Alto), Sax (Barítono), Sax (Tenor), Saxofón
  
• Joely Koos: Cello
  
• Boguslaw Kostecki: Violín
  
• Andrew Mackintosh: Sax (Alto)
  
• Perry Mason: Líder, Orquesta Líder, Violín
  
• Nick Movshon: Guitarra (bajo)
  
• Everton Nelson: Violín
  
• Tom Pigott-Smith: Violín
  
• Anthony Pleeth: Cello
  
• Bruce Purse: Flugelhorn, Trompeta, Trompeta (Bajo)
  
• Johnathan Rees: Violín
  
• Salaam Remi: Piano, Bass, Bass (vertical), Batería, Guitarra, Guitarra (Bass)
  
• Frank Ricotti: Percusión
  
• Mark Ronson: Aplaudir, Palmas, Clips, Pandereta
  
• Steve Sidwell: Arpa, Trompeta
  
• Mike Smith: Sax (Tenor)
  
• Homer Steinweiss: Tambores
  
• Neal Sugarman: Sax (Tenor)
  
• Jamie Talbot: Sax (Tenor)
  
• Jon Thorne: Viola
  
• Christopher Tombling: Violín
  
• Helen Tunstall: Arpa
  
• Bruce White: Viola
  
• Kate Wilkinson: Viola
  
• Warren Zielinski: Violín
  

colaboración

• Cochemea Gastélum: Sax (Barítono)
  
• Peter G. Hanson: Violín
  
• Sam Koppelman: Percusión
  

Editado por: @sturGuiri

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