Jim Morrison

“Hey, escucha. Yo solía pensar que todo era una gran broma. Yo pensé que era algo para reírse de ello, y el último par de semanas conocí a algunas personas que estaban haciendo algo. Ellos estaban intentando cambiar el mundo y yo quiero unirme al viaje. Yo quiero cambiar el mundo”.

Janis Joplin

“Sí, somos feos, pero tenemos la música”. Su voz era tan rebelde como su espíritu, imposible de domar.

Jimi Hendrix

"Cuando el poder del amor supere el amor al poder el mundo conocerá la paz".

Iggy Pop

“Aquí, o estás abajo, muerto de hambre, o en la cima, convertido en juguete popular”.

Bob Marley

“La gente que esta tratando de hacer este mundo peor no toman ni un día libre, ¿como podría tomarlo yo? ilumina la oscuridad”. Dijo esto después de recibir un tiro de pistola, siguió con el concierto que había iniciado.

George Harrison

"La vida es un largo enigma mi amigo, así que siga leyendo, siga leyendo, la respuesta está al final".

sábado, 28 de febrero de 2015

COMPLICATIONS - Dover

Complicationses el octavo álbum de estudio del cuarteto madrileño de Rock Dover. La vuelta delgrupoa los estudios nos trajoun nuevo disco con nuevas canciones que regresan al rock de sus inicios, viola luz el 9 de Febrero de 2015, grabado entre julio y septiembre de 2014 con la colaboración en las labores de producción y mezclas de Jesús Antúnez, es decir, este disco suena cien por cien Dover. Para la grabación de sus diez temas, se han utilizado guitarras, bajo y batería, no hay ni un teclado o secuencia en sus nuevas melodías.

Llegacinco años después de la publicación de su último trabajo integrado por composiciones inéditas,"I ka kené" (2010). Tras experimentar con otros géneros como la música de baile o los ritmos africanos, el grupo regresa al sonido rock que les hizo famosos. Así se describe en la nota de prensa de Sony Music: “Complicationstiene diez canciones inspiradas en sus bandas favoritas de siempre, pero con toneladas de carisma. Sonando a los Dover que mejor conoces, con la rabia con la que explotaron. Con la misma potencia y calidad de cualquier grabación internacional. Esta colección de estribillos impecables conforma su mejor disco, y sólo hay que darle al play para confirmarlo“.
En una nota de prensa remitida por Sony a los medios, en alusión a trabajos previos como “Devil Came to Me” (1997), explica: “Dover parece haberse contagiado de la energía de ese álbum emblemático, que a lo largo del último año han vuelto a hacer sonar en los escenarios con motivo del decimoquinto aniversario de su publicación”. Tambien en una entrevista con Efe la guitarrista Amparo Llanos comentó: "Ya no nos preguntan cuándo cantaremos en español, sino cuándo volveremos al rock".

El lado oscuro de la luna El comienzodeComplicationslo da el single “Too late”, en el que los madrileños sacan su vena más punk. Y es que su comienzo lo podrían haber firmado los mismísimos Ramones. Las guitarras suenan muy americanas, y también las primeras estrofas; pero es 100% Dover, y es en el efectivo estribillo donde se hacen más reconocibles. En esta línea se mantienen la mayoría de temas, como “Four to the floor”, “New wave mechanics”, “Building a fire”o la propia“Complications” (en esta también se hace notable la influencia de Hole): guitarras distorsionadas, con riffs directos y sencillos en los que prima el punch sobre la velocidad, y las inconfundibles y pegadizas melodías pop marca de la casaque canta Cristina.
El pasado más reciente sale a relucir en temas más melosos, como “Mystified”, que podríamos catalogar con facilidad entre las anteriores de contar con más distorsión en lugar de guitarras acústicas; o la abiertamente pop “Tragedy”, que aunque su melodía es de las más contagiosas, la encuentro la más desubicada del conjunto, y con mucha menos fuerza que el resto.
Aunque también encontramos canciones que sí nos transportan a los primeros Dover, como “Crash”,con las guitarras sucias de Amparo marcando el camino a la voz de su hermana menor, que sin arañar como 15 años sigue sacando la fiera que lleva dentro. O “Like aman”y sobre todo “Sisters of Mercy”, con esa intro sólo con la voz y la acústica, y los “Oh, oh, oh” finales… ¡qué recuerdos!De sonar más guitarrera podría haber pasado por un tema de sus cuatro primeros álbumes.

  1. Too Late – 2:47
  2. Complications – 3:13
  3. Four to the floor – 3:51
  4. Crash – 2:21
  5. Mystified – 2:38
  6. Sister of Mercy – 3:11
  7. Like a man – 2:22
  8. New wave mechanics – 3:11
  9. Tragedy – 3:59
  10. Building a fire – 2:39





viernes, 27 de febrero de 2015

BLONDE ON BLONDE - Bob Dylan

Blonde on Blondees el séptimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en mayo de 1966. Las sesiones de grabación del álbum comenzaron en Nueva York en 1965, con el respaldo de un elevado número de músicos, entre los que se incluyeron miembros de la banda The Hawks, que cuatro años después se convirtió en The Band. La grabación continuó hasta enero de 1966, pero solo dio como resultado una canción, "One of Us Must Know (Sooner or Later)", que acabó publicándose en el álbum. Por sugerencia de Johnston, y con la compañía del teclista Al Koopery el guitarrista Robbie Robertson, Dylan se trasladó a los CBS Studios de Nashville, Tennessee para continuar con la grabación. Estas sesiones, que contaron con la participación de músicos de sesión locales, fueron más fructíferas en comparación con las de Nueva York, y en dos meses se grabó el resto de las canciones.

El álbum, uno de los primeros discos dobles en la historia de la música moderna, completó la trilogía de rockque Dylan comenzó con Bringing It All Back Homeen 1965 y continuó con Highway 61 Revisitedun año después, y gran parte de la crítica musical lo consideró de forma casi unánime como uno de los mejores álbumes de rockde todos los tiempos. Combinando la experiencia de los músicos de sesión de Nashville con la sensibilidad literaria modernista de Dylan, las canciones del álbum fueron descritas como una operación a gran escala musical, mientras que la lírica fue descrita como "una mezcla única entre lo visionario y lo coloquial".
La grabación de Blonde on Blondefue interrumpida en diciembre de 1965debido a una docena de conciertos con The Hawks. A continuación, Dylan tomó un descanso en enero de 1966 debido al nacimiento de su hijo Jesse. El 21 de enero volvió al estudio de Columbia para grabar "She's Your Lover Now" junto a The Hawks, con Sandy Konikoff en la batería. A pesar de grabar diecinueve tomas de la canción, la sesión no produjo ninguna grabación competente y Dylan la abandonó definitivamente. Una de las tomas incompletas de la sesión del 21 de enero fue publicada, veinticinco años después, en The Bootleg Series Volumes 1–3 (Rare & Unreleased) 1961–1991.
Debido a los malos resultados en el estudio de grabación, Dylan comenzó a sentirse desilusionado con The Hawks. El 25 de enero grabó más material con el batería Bobby Gregg, el guitarrista Robbie Robertson, el pianista Paul Griffin y Al Kooper al órgano. Aunque el libreto que acompaña a la reedición de Blonde on Blondeen The Original Mono Recordingsenumera a Bill Lee como bajista, biógrafos como Sean Wilentz insisten en que "el modo de tocar y las charlas en las cintas de grabación muestran de manera concluyente que Rick Danko fue el bajista en "One of Us Must Know"". Durante la sesión, Dylan intentó grabar dos nuevas composiciones: "Leopard-Skin Pill-Box Hat" y "One of Us Must Know (Sooner or Later)". Dylan se mostró finalmente satisfecho con una toma de "One of Us Must Know" publicada como sencillo unas semanas más tarde e incluida en Blonde on Blonde.

Al igual que en trabajos anteriores, Bob Dylan grabó más canciones de las incluidas en Blonde on Blonde. "I Wanna Be Your Lover" (inspirada la canción de The Beatles "I Wanna Be Your Man")y "Jet Pilot" aparecieron casi veinte años después en Biograph, una caja recopilatoria publicada en 1985. Por otra parte, "I'll Keep It with Mine" y "She's Your Lover Now" vieron la luz en The Bootleg Series Volumes 1–3 (Rare & Unreleased) 1961–1991, los tres primeros volúmenes de la colección The Bootleg Series. Finalmente, "Medicine Sunday", una versión primeriza de "Temporary Like Achilles", apareció en Highway 61 Interactive, un CD ROM publicado en 1995.
La única canción aún inédita de las sesiones de Blonde on Blondees "Number One", un tema instrumental grabado con The Hawks en Nueva York. Aunque el biógrafo Paul Cable especuló que "Number One" podía ser otro título de "Church With No Upstairs", Tim Dunn, autor de The Bob Dylan Copyright Files, señaló que ambas canciones fueron registradas en años distintos.

Para la prensa musical, Blonde on Blondesupuso también la última entrega de la trilogía "eléctrica" de Dylan a mediados de la década de 1960. Tal y como escribió Janet Maslin: "Los tres álbumes de este periodo (Bringing It All Back Homey Highway 61 Revisited, ambos lanzados en 1965, y Blonde on Blondede 1966)usaron su instrumentación eléctrica y sus arreglos de rockpara alcanzar una exuberancia chocante que Dylan no había abordado antes". Por otra parte, Mike Marqusee describió la producción de Dylan entre finales de 1964 y el verano de 1966, periodo en el que publicó estos tres álbumes, como "un cuerpo de trabajo que sigue siendo único en la música popular". Para Patrick Humphries, "la obra de Dylan durante el periodo de catorce meses... no tiene parangón en treinta años de historia del rock. En esencia, el estilo, la ambición y el logro, nadie siquiera ha estaco cerca de igualar Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisitedy Blonde on Blonde".

Todas las canciones escritas y compuestas por Bob Dylan.
Cara A
  1. Rainy Day Women #12 & 35 – 4:36
  2. Pledging My Time – 3:45
  3. Visions of Johanna – 7:30
  4. One of Us Must Know (Sooner or Later) – 4:56
Cara B
  1. I Want You – 3:09
  2. Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again – 7:06
  3. Leopard-Skin Pill-Box Hat – 3:52
  4. Just Like a Woman – 4:42
Cara C
  1. Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine) – 3:24
  2. Temporary Like Achilles – 4:51
  3. Absolutely Sweet Marie – 4:48
  4. 4th Time Around – 4:29
  5. Obviously 5 Believers – 3:32
Cara D
  1. Sad Eyed Lady of the Lowlands - 11:43





sábado, 21 de febrero de 2015

5MENTARIO - O'funk'illo

5mentarioes el quinto disco del grupo musical sevillano de música funk ("Funky andaluz embrutessío" según los propios miembros del grupo) O’funk’illo. Grabado en los Studios Halo de Granada por Francis Armenteros salio a la venta el 28 de Octubre de 2014 por el sello Rock Estatal Records. La mezcla ha corrido a cargo de Jacobo Fernández, masterizado por Miguel Ángel González en Black Box Studios de Sevilla. De la producción se han encargado Pepe Bao y Andreas Lutz y hay que destacar el trabajo realizado por Fernando Navarro (Nanderas HM) en el diseño e ilustraciones, además de una presentación muy cuidada, publicado en formato digipack.
 
Pepe y Andreas se han rodeado de muy buenos músicos, amigos de la banda, como: Dave Lerman, Rafa Kas y Ricardo Marín a las guitarras, Miguelito Lamas y David Axel Bao a la batería, Carlitos Perez Mancera (violines), Gabriel Peso (teclados), Mangu Diaz (programaciones Dubstep), Vicky Luna y Alba Molina a los coros, y Juanlu Gonzalez, Pepe Rincón, Derek McAldre y Toni Martin en la sección de metales.

Lamancharock, son nueve temas en los que muestran ese estilo tan personal en el que se unen funk, rock, rap, metalo jazzcon resultado de calidad como ya podíamos escuchar en el inicial “Soñar despierto” quese dio a conocer semanas antes del lanzamiento del LP, cuando volvimosa escuchar el virtuoso bajo de Bao.
Según nos adentramos en este álbum surgen temas más arriesgados como La positiva”, en el que un ambiente cálido que bebe del funky el jazznos transporta por distintas atmósferas donde destaca la guitarra de Dave Lerman, quien les acompaña a lo largo de esta nueva entrega, así como el resto de músicos de una banda que suena metronómicamente bien. Este nuevo ambiente volverá después en “Bajo y voz”,donde estos sevillanos demuestran no tener límites a la hora de componer sus nuevas pistas, llevándonos a la sonoridad góspel sobre la que surgen melodías de corte árabe en el más breve y tranquilo de los tracksque guarda este5mentario.
En Disturbio bipolar”surge su vena más metalera, donde la temática se llena de actualidad como ocurre últimamente en numerosas composiciones. Aquí, aunque se incluyen secciones más pesadas, el tema avanza rápido, dejando sonar algunas de esas noticias que hace que nos hierva la sangre. …reniega… ponte en pie!!
Más vacilona es Cambia Hirviendo” donde vuelven a sonar estos metales que aparecerán en varios de los cortes del disco. Una descarga funkque nos lleva hasta Las lápidas no entienden” para la que contaron con la colaboración deVikingo MD(Narco) en la composición de este tema donde vuelven a ser más duros musicalmente, y críticos en el texto que expone Andreas Lutz.Un reclamo por la igualdad de los seres humanos donde escuchamos buenos versos …da igual si tu caja es de palet, o si tu caja es de caoba …las lápidas no entienden.
Vuelven a superar los cinco minutos de música en Pegotes de colores”, donde el ritmo funknos vuelve a llevar por este universo que tan bien domina O’Funk’Illo, buscando cambios de ritmo que, más o menos evidentes, enriquecen esta música que desborda buen rollo como ocurre en “Hoy la voy a liar parda”que es el paso previo al último tema Personaje”, que surge de la guitarra de Rafa Kasen un aire árabe/flamenco que volverá a aparecer en distintos momentos de un tema con el que cerramos aquí estos más de 40 minutos que representan lo nuevo de O’Funk’Illo.

La presentación oficial del disco tubo lugar el 15 de Noviembre en Madrid, en la Sala Penélope (Hilarión Eslava 34).

  1. Soñar despierto – 5:09
  2. La positiva – 5:12
  3. Disturbio bipolar – 4:26
  4. Hirviendo – 4:58
  5. Las lápidas no entienden – 5:04
  6. Pegotes de colores – 5:14
  7. Bajo y voz – 3:06
  8. Hoy voy a liarla parda – 4:39
  9. Personaje – 4:45

  • Andreas Lutz: vocalista
  • Pepe Bao: bajo
Colaboraron
  • Mangu Diaz: DJ
  • Dave Lerman: guitarras
  • Rafa Kas: guitarras
  • Ricardo Marín: guitarras
  • Miguelito Lamas: batería
  • David Axel Bao: batería
  • Gabriel Peso: teclados
  • Juanlu Gonzalez: metales
  • Pepe Rincón: metales
  • Derek McAldre: metales
  • Toni Martin: metales
  • Carlitos Perez Mancera: violines
  • Vicky Luna: coros
  • Alba Molina: coros




sábado, 14 de febrero de 2015

EL PATIO - Triana

El patioes el primer disco del grupo español de rockprogresivo Triana, publicado el 14 de abril de 1975 por el sello Movieplay. Aunque el álbum no indica ningún título específico, se le conoce generalmente con el nombre de El patiodebido al diseño de su portada, en la se muestra un dibujo de los tres componentes del grupo en el patio interior de un edificio.
El disco se convirtió en una de las grabaciones más populares de la música rockespañola y en uno de los discos clave en lo que se conoció como rockandaluz, mezcla de música rockcon elementos provenientes del flamenco. El pationo tuvo una buena acogida en un principio, llegando a descatalogarse de varias tiendas de discos; no obstante, un año y medio después de su publicación, el grupo comenzó a cosechar popularidad en España y el disco se convirtió en uno de los estandartes de la música popular española en la década de los 70.
La primera versión en CD data de 1988, lanzada por Fonomusic; el disco se editó a nivel europeo en 2002, y en EE.UU. en 2003, por Warner.

lafonotecaRedoblan la guitarra flamenca y el piano sobre un amenazante paisaje de sintetizadores hasta que cuatro poderosos golpes de batería lo ponen todo en su sitio. Escuchamos entonces un extraño y hermoso preludio instrumental hacia lo desconocido. Vibra el gong. La apasionada voz de Jesús de la Rosa canta, grita, aúlla: “Yo quise subir al cielo para ver / y bajar hasta el infierno para comprender…”. Acabamos de entrar en “El Patio”. A partir de ahora todo es posible.
 “Abre la puerta niña / que el día va a comenzar…”. ¿Quién nos iba a decir que el compás por bulerías podía ser un vehículo idóneo para una explosión de rock progresivo? ¿Quién, en aquellos primeros años de la década de los 70, podía haber profetizado algo así?. El sonido de Triana fluye con tanta coherencia y naturalidad que da la sensación de que el flamenco-rockha existido siempre. No es sólo la batería de Tele, ese prodigio, con su flamenquísima cadencia y una pegada demoledora, es también el diálogo (toda una revelación) entre la guitarra flamenca de Eduardo Rodríguez y los teclados “pinkfloydianos” de Jesús de la Rosa. Es Jesús de la Rosa, su voz, que es como la de un muecín remoto que nos llama al rezo y a la introspección. Es, colmo de los colmos, la guitarra eléctrica del invitado Antonio Pérez, cuyo vibrante solo pone fin, justo después de una intervención de Tele para la historia, a esa auténtica avenida entre dos mundos que es “Abre la puerta”.
Sé de un lugar”casi podría pasar por un aria operística. Las bellísimas texturas que crean los teclados de De la Rosa arropan a la perfección unos textos que hablan de paraísos terrenales y amores febriles. “Todo es de color”, idiosincrática versión del tema de Lole y Manuel, hipnotiza como un cálido mantra, y en “Luminosa mañana” descubrimos al De la Rosa más rockero.
Pero es tras la hermosa “Diálogo”, con una letra de reminiscencias lorquianas, cuando llega la apoteosis de “El Patio”. En “En el lago” todas las bondades del sonido del grupo confluyen en torno a la melodía más lograda del disco. El resultado es un himno de esos que en los conciertos se corean mechero en mano. Además, no hay que pasar por alto el potencial alegórico de una letra que, en pleno 1975, habla de probar nuevas experiencias y de bucólicos edenes donde hombres y mujeres conviven en libertad.
Para finalizar, la evocadora “Recuerdos de una noche”, unas bulerías 5x8 que alternan con un ritmo ternario con cierto aire a fandango.

Seis de los siete temas están compuestos basados en la cadencia andaluza sobre el acorde de Re menor, exceptuando el tema "Todo es de color", compuesto por Tele y Manuel Molina compuesto sobre el acorde de Fa sostenido mayor, muy empleado por este último en su personal manera de tocar la guitarra.
El Patio es uno de los discos más aclamados del rock andaluz, tanto para los críticos como el público.

Los temas son de Jesús de la Rosa Luque, excepto indicación.
Cara A
  1. "Abre la puerta" – 9:49
  2. "Sé de un lugar" - 7:11
  3. "Todo es de color" - 2:08 (M. Molina/J. J. Palacios)
Cara B
  1. "Luminosa mañana" – 4:01
  2. "Diálogo" – 4:32
  3. "En el lago" – 6:38
  4. "Recuerdos de una noche" – 4:40




viernes, 13 de febrero de 2015

HIJOS DEL AGOBIO - Triana

Hijos del agobioes el segundo álbum del grupo español Triana, lanzado en 1977 por Movieplay. El álbum contó con una promoción prácticamente nula, como pasó con el álbum debut, "El patio"; aún así superó las ventas de su antecesor, vendiendo 100.000 copias en tres meses.

elportaldelmetalHijos del agobio, con aplastante comienzo de la canción homónima que abre el disco, todo conduce a la más pura depresión, sin embargo, de entre lamento y lamento brotan por doquier perlas maravillosas llenas de vida. La poesía de Jesús de la Rosa, siempre llena de simbolismo y enigma, es honda y desgarradora.
De las cenizas de este primer tema brota el palpitante Rumor, temazo entre temazos, auténtica biblia de la ilusión, de la esperanza en el futuro de la humanidad. Toda una foto fija de unos sentimientos nuevos de libertad, inseparable de la situación que los propició y que luego tan rápidamente se esfumó. Sentimientos que viajan con el viento a través de ecos de voces que se clavan en los corazones. Un rumor que se oye por las esquinas, algo que está ahí, que se palpa, que se siente, descrito mediante una melodía desgarrada y maravillosa que cabalga sobre la trepidante y sutil batería de Tele, sin duda uno de los artífices del increíble y peculiar sonido del grupo.
Sentimiento de amor, de nuevo tranquila y pausada, habla de partida, de búsqueda de uno mismo, de encuentro. Otra poesía que se sale por los cuatro costados, una de esas letras que en muy pocas líneas explican mucho con enorme sencillez, que se interiorizan con una claridad que asusta. Por si fuera poco, la música del tema arropa la poesía en una fusión particularmente feliz de lo andaluz con lo psicodélico. Una maravilla.
Aquí llega Tele para cerrar la cara A con sus Rototoms, Moogs y demás juguetes. Recuerdos de Triana es una curiosa instrumental firmada y tocada casi en su totalidad por él mismo, muy en la línea musical de lo que tiene alrededor, y acompañada hacia el final de unas voces desatadas que de hecho aparecen en los créditos como “voces de ambientación y desahogo microfónico”. Libertad sin ira. De nuevo todo refleja el momento mágico de la Transición.
La cara B no baja la guardia. ¡Ya está bien! esta vez utiliza un enfoque más altivo para plantear lo mismo, y se funde gracias a la pulcra producción con Necesito saber, de nuevo más de lo mismo. Búsqueda, pálpito, intuición expresada a través de una música única y maravillosa.
Finalizados estos dos temazos, nos abre sus puertas una interesantísima balada llamada Sr. Troncoso y que, pese a sus simbolismos, sobreentendidos y demás, me atrevería a decir que habla de... lo mismo. Otra vez. Pero no os preocupéis que no os vais a aburrir ni medio segundo. Esta balada, cuyo concepto rítmico es curiosísimo, en principio acompañada sólo de una guitarra española, va viendo aparecer unas lejanas campanas, una segunda voz empastadísima con la principal (la del guitarrista Eduardo Rodríguez), y poco a poco, con un progresivo aumento de velocidad, palmas, guitarra eléctrica... hasta llevarnos a un clímax balsámico, precioso, único como todo lo que hay en este disco tan imposible de comparar con nada.
Cerrando capítulo, un toque de variedad muy especial: Del crepúsculo lento nacerá el rocío, temazo de mucho fondo (como no podía ser de otra manera ya) y largo desarrollo, viene esta vez firmado y cantado por el guitarrista Eduardo Rodríguez Rodway. La letra, absolutamente maravillosa, que me aspen si no habla también en el fondo de la Transición. O al menos se vale de ese mismo fondo que parecía impregnarlo todo para hablar de libertad, de renovación, de futuro esperanzador.
Por dos veces este tema da comienzo con tranquilidad (qué bien empastan siempre los tres instrumentos, sin olvidar que aquí hay también un bajista y otro guitarrista “invitados”), desarrolla con ampulosa voz unos versos -ay, la voz de este señor es mejor, es más fortachona, tan sincera o más... pero no es lo mismo; nada es lo mismo- y poco a poco nos mete en un desarrollo instrumental psicodélico que va ganando cuerpo y nos lleva cada vez más lejos. Para cuando el tema acaba, la cosa se ha salido de madre bastante. Así acaba el disco, de manera inquietante, libre, muy suya.

Los temas son de Jesús de la Rosa Luque, excepto indicación.
Cara A
  1. "Hijos del agobio" - 5:18
  2. "Rumor" - 3:20
  3. "Sentimiento de amor" - 5:32
  4. "Recuerdos de Triana" - 2:50 (J.J Palacios)
Cara B
  1. "¡Ya está bien!" - 3:12
  2. "Necesito" - 4:04
  3. "Sr. Troncoso" - 3:38
  4. "Del crepúsculo lento nacerá el rocío" - 5:50 (Eduardo Rodríguez R./Antonio Mata)

  • Jesús de la Rosa Luque - voz , teclados y guitarra en "Sr. Troncoso"
  • J. J. Palacios "Tele" - batería , percusión y moog en "Recuerdos de Triana"
  • Eduardo Rodríguez R - guitarra , voz en "Del crepúsculo lento nacerá el rocío", voces en "Sr. Troncoso" e "Hijos del agobio"
  • Antonio García de Diego - guitarra eléctrica
  • Manolo Rosa - bajo eléctrico y guitarra española en "Del crepúsculo..."
  • Enrique Carmona - introducción guitarra en "Del crepúsculo..."
  • Miguel Ángel Iglesias - voces de ambientación y desahogo microfónico en "Recuerdos de Triana"




HOZIER - Hozier

Hozieres el homónimo álbum debut del Irish cantautor Hozier. El álbum fue lanzado el 19 de septiembre 2014 a través de Island Records y Rubyworks Registros. El disco contiene algunas pistas de dos EPs anteriores Hozier, Take Me ala Iglesiay del Edén.Bien recibidopor la crítica musical, Hoziertambién fue un éxito comercial, alcanzando las diez mejores posiciones en Irlanda, Reino Unido, Estados Unidos, Canadá y Dinamarca.

Del album se lanzaron tres singles, "Take Me to Church" fue anunciadopor Hozier como el primer sencillo del álbum, que fue lanzado el 16 de septiembre de 2013. La canción alcanzó el número dos en el BillboardHot 100, convirtiéndose en el puesto mas alto de Hozier en los EE.UU. hasta la fecha. "Arsonist's Lullabye" fue lanzado como el segundo sencillo del álbum. "Sedated" fue lanzado como el tercer sencillo del álbum el 10 de junio de 2014. La canción alcanzó el número 3 en la lista de singles de Irlanda. "From Eden" fue lanzado como el cuarto sencillo del álbum el 18 de noviembre de 2014. La canción alcanzó el número 2 en la lista de singles de Irlanda.

Hozierrecibió críticas generalmente favorables de los críticos de música. Helen Brown, de The Telegraph señaló, "coros Gospel zumban y se hinchan con ternura por debajo de los aspectos más ásperos de sus riffs. Añaden, reflexivos universales y, a menudo una de éxtasis santo en un intenso enredo lírico juvenil de la religión y la obsesión romántica que encuentra regularmente le asientan (entre el amor y el abuso)", agregando que" Hozier mezcla sus blues atormentados con soleado R & B".
Para la57º Entrega Anual del Grammy, "Take Me to Church", escritapor el propio Hozier, recibió una nominación en la categoría de Canción del Año. Jessica Goodman y Ryan Kistobak de The Huffington Postincluyen el álbum en su lista de los mejores lanzamientos del 2014.

blogofenia.com"Hozier" suena orgánico; una instrumentación básica con una guitarra de cuerpo hueco (una Epiphone Sheraton) reverberante y con un puntito de saturación muy cálida, mucho apoyo en la percusión y sobre todo, las voces en primer plano, lo que hace que paredca que nos acerquemos a un disco coral, de góspel en algunos momentos. Es la mezcla perfecta entre pop, rock, folk y góspel con un sabor bluesy.
"Angel of Small Death the Codeine Scene" recuerda inevitablemente KT Tunstall y su "Black Horse and the Cherry Tree" pero dónde ella llevaba las raíces a lo más comercial, Hozier las hunde en la celebración más tradicional y la canción estalla con un coro en el que tan sólo nos queda soltar un "Hallelujah!". Pero no todo iba a ser densidad y profundidad porque con "Hozier" también puedes pasear, celebrar, montar en bici y tomarte una cerveza con tus amigos, pasear en primavera y cantar sus canciones en la playa y así pasa con "Jackie and Wilson", un tema feliz y despreocupado a pesar de su letra, ligero y pegadizo, magníficamente pop pero con estilo.
Buen gusto es lo que derrocha "Someone New", con un envoltorio mínimo pero emocionante en su comienzo y de nuevo, convirtiéndose en un trallazo de pop sin parangón en el último año según avanza con esos arreglos de cuerda y una batería crudísima, llena de vida. "To Be Alone" es blues y en su acompañamiento podemos sentir a Wolf y a Waits, sublime. "From Eden", sin embargo, derrocha gusto irlandés por sus cuatro costados sino fuese porque sus arreglos de cuerda son plenamente orientales y las palmas la sitúan en el mediterráneo. Qué inteligente por parte de Hozier saber mezclar varias culturas de manera coherente en apenas cinco minutos y sin que se sienta forzado. A dueto con Karen Cowley se marca "In a Week"en la que sus raíces le traicionan porque a pesar de la guitarra y las palmas, la voz de Cowley les acerca a lo que podría ser Clannad, la unión de sus voces es soberbia. "Sedated" es quizá una de la más intensas junto con "Take Me To The Church" gracias a la percusión y su piano, la voz de Hozier en ocasiones parece rasgarse para volver a apoyarse en un coro e incluso, a veces y de manee a muy breve, juega con un falsete en el que se acerca a esas voces como Simone o Antony con la diferencia de que a Hozier se le quiebra y torna masculina cuando entona el estribillo; "Sedated we're nursing on a poison that never stung. Our teeth and lungs are lined with the scum of it. Somewhere for this, death and guns. We are deaf, we are numb. Free and young and we can feel none of it".
Vuelven esas voces que le apoyan como un colchón pero también susurra y aúna en "Work Song", pura canción de iglesia en la que se sobrecargan las tintas con las voces, los arreglos, las aullantes guitarras llenas de feedback y las palmas marcando el ritmo. "Like Real People Do" podría haber sido interpretada por Cat Stevens hace treinta años y resulta deliciosa, suave y desnuda con la voz de Hozier doblada.
Ahora sí, nos hundimos en el blues con un resonador, un slide y una guitarra acústica en "It Will Come Back". De manera épica comienza "Foreigner's God" y, poco a poco, irá creciendo hasta estallar en el estribillo y seguir manteniendo esa emoción del principio. "Cherry Wine" que, según el propio Hozier explicó en una entrevista, fue grabada en plena noche en un hotel abandonado, suena íntima y nocturna, sencilla pero poderosa y nos demuestra que el irlandés no necesita de toda esa fastuosa producción de la que ha hecho gala en su primer disco para grabar una canción bonita y emotiva. "In the Woods Somewhere" vuelve a derrochar tensión que resuelve con guitarrazos de electricidad en una canción que podría haber firmado perfectamente U2 hace muchos años de no ser por la guitarra de Hozier que aún tan sólo acompañado de su voz, derrocha blues. "Run" le acerca a Jeff Buckley (a pesar de que su voz comparta más tono con su padre, Tim), en ella navegará entre el falsete, ecos y fantasmagóricos coros basados en la repetición. "Arsonist's Lullabye" recuerda levemente a "Take Me To The Church" pero con un piano mucho más juguetón y la despedida con el blues "My Love Will Never Die" a solas es de sobresaliente a pesar del saqueo al gusto tradicional en la melodía.

Todas las canciones escritas y compuestas por Andrew Hozier-Byrne, excepto "Someone New" escrita por Hozier-Byrne y Sallay Matu Garnett.
  1. Take Me to Church – 4:02
  2. Angel of Small Death and the Codeine Scene – 3:39
  3. Jackie and Wilson – 3:43
  4. Someone New – 3:42
  5. To Be Alone – 5:23
  6. From Eden – 4:43
  7. In a Week (featuring Karen Cowley) – 5:18
  8. Sedated – 3:27
  9. Work Song – 3:49
  10. Like Real People Do – 3:18
  11. It Will Come Back – 4:37
  12. Foreigner's God – 3:45
  13. Cherry Wine" (Live) – 4:00
Deluxe version
  1. In the Woods Somewhere – 5:31
  2. Run – 4:14
  3. Arsonist's Lullabye – 4:26
  4. My Love Will Never Die - 3:55

  • Hozier: voz, guitarra, bajo, piano, sintetizador
  • Karen Cowley: voz (pista 7)
  • Alex Ryan: bajo, piano
  • Ken Arroz: viola, violín
  • Kate Ellis: cello
  • Matt Rafter: cello
  • Andre Antunes: batería, percusión
  • Rory Doyle: batería, percusión
  • Fiachra Kinder: tambores
  • Rob Kirwan: percusión




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