A SPACE IN TIME - Ten Years After

A Space in Timees el séptimo álbum de la banda de blues rock británica Ten Years After grabado y lanzado el año 1971, es menos "pesado" que los álbumes anteriores e incluye unaguitarra más acústica, tal vez influenciado por el éxito de Led Zeppelin. Fueron mezclando canciones acústicas con temasmás pesados, alcanzando el puesto nº17 delBillboard 200. Este disco, fue sin duda de los más vendidos de Ten Years After, gracias a su éxito "I'd Love to Change the World",una canción que criticaba el capitalismo y la guerra.

El Album, intentaba acercarse a los sonidos de la psicodelia y experimentan sonidos mezclados con arreglos de cuerda, como "Over the Hill". Otros temas notables: "One of these days", "Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You" o "Uncle Jam"; donde como siempre la guitarra de Alvin Lee es la que destaca en gran parte del disco, al igual que el resto de miembros de la banda. La tercera canción del álbum,"I'd Love to Change the World", es también su mayor éxito. Mediante la combinación de un coro acústico melódico con desafiantes riffs de guitarra eléctrica, se las arreglaron para producir un sonido que alcanzó el número 10 en las listas de éxitos de Canadá y el número 40 en los EE.UU., rara vez tocado en directo, a pesar de que este fue su mayor éxito. "Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You" también fue un éxito alcanzando el número 61 en los EE.UU..

El álbum comienza con "One Of These Days", vibrante interacción instrumental para este apasionado blues-rock. Cambiamos de registro en "Here They Come", hipnótica pieza psicodélica a lo Pink Floyd.

La obra maestra del disco es "I'd Love To Change The World", espectacular tema que mezcla magistralmente el blues-rock con la lisergia haciéndonos partícipes de una exhibición de las seis cuerdas por parte de su autor.

Otro de los temas destacados es "Over The Hill", hermosa balada barroco-orquestal con exuberantes arreglos de cuerda a la que sigue "Baby Won't You Let Me Rock'n'Roll You", entusiasta rock & roll con dejes glam a lo Slade.

Alvin Lee vuelve a brillar como guitarrista en "Once There Was a Time", estupendo blues con riff basado en el clásico "Raunchy" de Bill Justis. Es el riff de "Good Morning Little Schoolgirl" de Sonny Boy Williamson el que parece inspirar a Lee en "Let The Sky Fall", interesante blues con variantes de tempo, excelente solo de Alvin y arreglos psicodélicos. "Hard Monkeys" es un sensible tema ácido que recuerda a algunas piezas de Trafficmientras que "I've Been There Too" es una estilosa composición con destacado uso del teclado y el bajo además de una gran interpretación vocal.

Este excepcional disco finaliza con "Uncle Jam", relajante instrumental jazz de corta duración compuesto por todo el grupo que pone de manifiesto una vez más sus habilidades instrumentales.

Billy Walker dio al álbum una opinión general positiva en Sonidos. Señaló el sonido como atípicamente suave de canciones, como "Over the Hill" y "Let the Sky Fall" y al mismo tiempo alabo "la vieja emoción TYA" de canciones como "I'd Love To Change The World" y "Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You". En particular, elogió el trabajo de guitarra de Alvin Lee. Sin embargo, se quejó de que algunas pistas sufrieron una falta de fuerza en la proyección de voz de Alvin" y concluyó "Ten Years After es una banda que esta mucho mejor en vivo que en sus discos, consiguen mucho más carisma y entusiasmo en directo que en un trabajo plasmado en la superficie de vinilo gramofónico ".

Todas las canciones de Alvin Lee,excepto "Uncle Jam",que fue compuesta por C. Churchill, A. Lee, R. Lee y L. Lyons.

1. One of These Days – 5:52
   
2. Here They Come – 4:36
   
3. I'd Love to Change the World – 3:44
   
4. Over The Hill – 2:28
   
5. Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You – 2:16
   
6. Once There Was a Time – 3:22
   
7. Let the Sky Fall – 4:19
   
8. Hard Monkeys – 3:10
   
9. I've Been There Too – 5:44
   
10. Uncle Jam – 1:57
    

• Alvin Lee - guitarra y voz
  
• Leo Lyons - bajo
  
• Ric Lee - batería
  
• Polluelo Churchill - teclados
  

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HISINGEN BLUES - Graveyard

Hisingen Blueses el segundo álbum de estudio de la banda Sueca de hard rock Graveyard. Fue lanzado el 25 de marzo de 2011, suena exactamente como se supone que debería sonar un grupo de rock en los años 70, salvo por la excepción de lo que lo hacen cuarenta años después. El ejemplo más evidente es la canción homónima del disco, la extraordinaria Hisingen Blues, a través de la cual consiguen hacer en uno, lo moderno y lo clásico en un abrazo auto-contenido que realza cada una de sus partes, suena a su vez como sí nunca se hubiera dejado de hacer esa clase de rock hasta hoy evolucionando a través de la lisergia del rock psychodélico.

La producción resulta de lo más brillante, consiguiendo un sonido de lo más orgánico. Las guitarras suenan potentes pero limpias, y la batería te guía con un ritmo trepidante a lo largo de este fantástico discurso de rock and roll que es “Hisingen Blues”. Ya el primer redoble de “Ain’t Fit To Live Here” te pone en situación para que en menos de tres minutos tu cerebro haya retrocedido 40 años atrás en el tiempo para iniciar un viaje del que no querrás volver.

Temas como “Hisingen Blues”, “RSS” o la sabbathiana “Ungrateful Are The Dead” te harán menear las greñas y rockear a base de bien, pero serán en los temas más introspectivos donde conseguirán que caigas rendido a sus pies. Díganme si “Unconfortably Numb” no merecería ser todo un clásico de haber aparecido en otra época, blues de muchos quilates. En “Longing” nos invitan a un tripi psicodélico con reminiscencias al spaghetti western del sello Morricone. Y para rematar esta esa maravilla llamada “The Siren” que condensa en seis minutos todo lo que tienen estos chicos por ofrecer. La fuerza y la pasión que transmiten se siente en cada nota, en cada golpe de caja, en cada silaba que el bueno de Joakkim Nilsson tiene a bien de susurrar o vociferar a los cuatro vientos según convenga.

“Hisingen Blues” es un viaje a otra época como también lo es una reivindicación de que esta música está por encima de modas pasajeras. Un sonido añejo hecho para perdurar durante décadas. Y encima la portada que ilustra el álbum es de las más bonitas que he visto en los últimos tiempos.

Lo que esto quiere decir es que Hisingen Blues es un discazo. Una belleza flematica, el culto a la nostalgia, un clasico virgen y desempolvado, una mamada al blues canchero, el eslabon perdido entre el hard rock de Zepellin y el rock sureño Americano, el Dorado para aquellos melomanos que no se encuentran desde hace tres decadas, madera añeja guardando vino y un pocoton de notas que hemos escuchado tantas veces, pero que para aquellos que tenemos alma, suenan tan sublimes como la primera vez.

Todas las canciones escritas por Graveyard.

1. "Ain't Fit to Live Here" - 3:05
   
2. "No Good, Mr. Holden" - 4:46
   
3. "Hisingen Blues" - 4:13
   
4. "Uncomfortably Numb" - 6:11
   
5. "Buying Truth (Tack och Förlåt)" - 3:27
   
6. "Longing" - 4:49
   
7. "Ungrateful Are the Dead" - 3:09
   
8. "Rss" - 3:48
   
9. "The Siren" - 6:00
   

• Joakim Nilsson: Guitarras, Voz
  
• Jonatan Larocca Ramm: Guitarras
  
• Rikard Edlund: Bajo
  
• Axel Sjoberg: Batería, Percusión
  

Músicos adicionales

• Nils Dahl: Piano
  
• De Pete Fredestad: Hammond B-3
  
  
  

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ESTÁ MUY BIEN ESO DEL CARIÑO - Kiko Veneno

Está muy bien eso del cariño,es el cuarto álbum de estudio del músico de Flamenco, Rumba, Pop, Kiko Veneno, lanzado en septiembre de 1995 con el Sello BMG Ariola SA. Grabado en Londres con el productor Joe Dworniak y con algunos de los músicos ingleses que ya tocaron en el Échate un cantecito. Sin embargo ya no cuenta con la colaboración de Santiago Auserón, pero sí a su viejo compañero de fatigas, Raimundo Amador a la guitarra, por no hablar del espíritu del viejo Bob Zimmerman, más presente aquí que nunca. Además se lleva a grabar a la banda con la que venía tocando. Destaca la cubierta, realizada por el estudio de Javier Mariscal.

Se lanza el disco con diez canciones redondas y con un inconfundible sabor. Cambia al Lobo por el Lince, el Fuego por el Calor, y con mucho Veneno y Respeto nos canta unos Blues desde Memphis.

"Lo que me importa eres tú" es una rumbita rock ideal para comenzar un disco, el día o la invasión de un país extranjero. Le sigue “Veneno”, pop-rock de altos vuelos (¿aún se puede decir eso?) en la que Kiko cantando a su apellido artístico demuestra que le puede cantar a todo (más tarde le dedicará unos versos a la cafetera o a la abuela), y hace uno de sus mejores temas. El puente es enorme: “Tú me decías y me jurabas que me esperarías y me quedé toda la noche al relente. Tú le echabas la culpa al reloj pero el reloj era muy buena gente: el reloj es mejor que tú”. Aunque lo que sigue no le anda a la zaga: “Tú me estás queriendo a mí un 15% menos, no me lo niegues. Con el coste de la vida lo nuestro se está quedando en ná”.

Con “Dime a” Dworniak trae de nuevo ese aire caribeño que tanto le gusta poner a según qué rumbas del cantante (que ahora le canta a lo dulce que es el lápiz de labios de ella). La “a” de “Dime a” es de “ámame”, la “b” es de “bésame”. Mucho juego de palabras y “mucho Beti, eh”: Amores y más amores de Kiko.

Tras “Estaba lloviendo” (un medio tiempo rock rico e intenso con reminiscencias beatles explícitas en sus metales) y “Respeto” (que recuerda a “Me siento en la cama” del disco anterior y que da nombre a éste: “Está muy bien eso del cariño, yo me comprometo, pero no me des un dulce como a un niño: estoy hablando de respeto”) Kiko se pone serio. Bueno serio, serio… “Hace calor”, que fue el primer single, es un regalo al oído lleno de verdades: "hace calor en la cafetera, haz el amor (usa precauciones)". De nuevo el buen humor y la melodía se contagian irremediablemente. Así da gusto.

“Viento de poniente”, bonita balada de sabor flamenco, antecede a otro gran triunfo del disco. Kiko siempre ha sentido la sombra de Bob Dylan en la nuca, sobre todo porque nunca ha huido de ella. Pero esta vez se da la vuelta para encararla con una sonrisa y marcarse un bailecito con ella. Hacer una versión de "Stuck inside of mobile with the Memphis blues again" que Dylan grabara en “Blonde on Blonde” (Columbia, 1966), pero lo hace a ritmo de rumba, sin despeinarse. Y lo que es más, saliendo airoso del asunto, cosa que no está al alcance de cualquiera (hay quien gracias a Kiko se olvida de la original, y eso que es una de las mejores canciones de “Blonde on Blonde”). “Memphis Blues” es una lectura genial de una canción genial. Porque, al igual que en la de Dylan, aunque tiene la palabra blues en el título, la voz de Kiko es de todo menos triste. A resaltar también el videoclip que dirigió Santiago Segura en el que tradujo en imágenes el tema (imágenes y música casan a la perfección).

Todas las canciones escritas por Kiko Veneno.

1. Lo Que Me Importa Eres Tú – 3:44
   
2. Veneno – 5:13
   
3. Dime A – 4:42
   
4. Estaba Llovíendo – 3:31
   
5. Respeto – 4:55
   
6. Hace Calor – 4:13
   
7. Víento de Poniente – 5:06
   
8. Memphis Blues – 4:12
   
9. La Casa Cuartel – 3:39
   
10. El Lince Ramón - 4:53
    

• Kiko Veneno: voz, guitarra flamenca
  
• Glenn Nightingale: guitarra eléctrica
  
• Caramés, Joe Dworniak y Juan Ramón: bajo
  
• Frank Tontoh y Antonio S. Rodríguez: batería
  
• Anthony Seydu, Danny Cummings y Matt Kemp: percusión
  
• Nigel Roberts: teclados
  
• Phil Smith: saxo
  
• John Thirkell: trompeta y trompeta piccolo
  
• Dennis Rollins: trombón
  
• Nicky Brown, Sarah Brown y Antonio S. Rodríguez: coros
  

Cortesía por M.C.A. Entertainment

• Raimundo Amador: guitarra flamenca y eléctrica
  

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MOONDANCE - Van Morrison

Moondancees el tercer álbum de estudio del músico norirlandés Van Morrison. Publicado por Warner Bros. Records en febrero de 1970, fue el primer trabajo autoproducido por el propio músico y mezcla géneros musicales como el R&B, el folky el jazz, de forma semejante a su predecesor, Astral Weeks(1968).

Bueno, es una noche maravillosa para una moondance

con las estrellas por encima de los ojos

una noche fabulosamente para hacer romance

debajo del color del cielo de octubre.

Y todas las hojas de los árboles están cayendo

para el sonido de las brisas que soplan

y estoy tratando de complacer a la convocatoria

de tus fibras que tocan suave y baja...

Asi empieza Moondance, tras su publicación obtuvo un éxito superior a su predecesoray alcanzó el puesto veintinueve en la lista estadounidense Billboard 200, mientras que el sencillo «Come Running» se alzó hasta el puesto 39 de las listas de sencillos. En 2003, la revista musical Rolling Stoneemplazó al álbum en el puesto 65 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

En su primera publicación en formato vinilo, la portada del álbum podía desplegarse, revelando una fábula escrita por la mujer de Morrison, Janet Planet. La fábula hacía referencia a un joven hombre y a sus dones. La foto de portada fue tomada por Elliot Landy, fotógrafo oficial del Festival de Woodstock en 1969.

Las dos canciones más conocidas del álbum, "Moondance" e "Into the Mystic", no obtuvieron resultados favorables como sencillos musicales, con la primera en el puesto 92. Por su parte, "Into the Mystic" no entró en las listas de éxitos. Aun así, las dos canciones se han convertido con el paso del tiempo en unánimes clásicos recopilados en posteriores álbumes de grandes éxitos.

Por otra parte, las canciones de Moondancehan mantenido su popularidad hasta la fecha. Así, "Moondance" ha sido usada en las películas Un hombre lobo americano en París yAugust Rush. "Glad Tidings" fue usadaen la quinta temporada de la serie de televisión Los Soprano, mientras que "Everyone" fue utilizada en la escena final y en los créditos de la película de Wes Anderson The Royal Tenenbaums.

Todas las canciones escritas y compuestas por Van Morrison.
Cara A

1. And It Stoned Me – 4:30
   
2. Moondance – 4:35
   
3. Crazy Love – 2:34
   
4. Caravan – 4:57
   
5. Into the Mystic – 3:25
   

Cara B

6. Come Running – 2:30
   
7. These Dreams of You – 3:50
   
8. Brand New Day – 5:09
   
9. Everyone – 3:31
   
10. Glad Tidings - 3:42
    
    

• Van Morrison: guitarra, saxofón, pandereta, teclados y voz
  
• Judy Clay: coros
  
• Emily Houston: coros
  
• John Klingberg: bajo
  
• Jeff Labes: órgano, piano, teclados, percusión y clavinet
  
• Gary Mallaber: batería, percusión y vibráfono
  
• Guy Masson: conga
  
• John Platania: guitarra rítmica
  
• David Shaw: clarinete y percusión
  
• Jack Schroer: saxofón alto, saxofón soprano y piano
  
• Collin Tilton: saxofón tenor y flauta
  
• Jackie Verdell: coros
  
  
  

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THE STRANGER - Billy Joel

The Strangeres el quinto álbum de estudio de Billy Joel, lanzado en septiembre de 1977. Mientras que sus cuatro álbumes anteriores tuvieron un éxito moderado, este rompió la brecha, alcanzando el nº 2 en la lista de álbumes de Estados Unidos. Permanece como el álbum no compilatorio más vendido hasta la fecha de Billy Joel, con más de 10 millones de copias vendidas y en la lista de los 20 álbumes más vendidos en los años 70.

Mucho del éxito del álbum es atribuido a la colaboración de Billy Joel con el productor Phil Ramone, cuyos métodos de producción innovadores complementaron las canciones de Billy Joel. Está colaboración fructuosa continuaría por una década.

Algunos sencillos lanzados de este álbum incluyen "Just The Way You Are", la balada acústica "She's Always A Woman", la medianamente controversial "Only The Good Die Young" y "Movin' Out (Anthony's Song)", la cual llegó a ser el tema para el musical de Broadway "Movin' Out", basado en las canciones de Billy Joel.

Este álbum alcanzó a Bridge over Troubled Water de Simon and Garfunkel, para llegar a ser el álbum de Columbia Records más vendido en ese tiempo. Fue también el último álbum de Billy Joel que tuvo el logo de "Family Productions", satisfaciendo los términos de su contrato de 1974.

Joel obtuvo dos premios Grammy por este disco, al mejor disco del año y a la mejor canción del año por Just the Way You Are.

Generalmente aclamado como el trabajo más fino de Billy Joel, el álbum fue clasificado en el número 67 en la revista Rolling Stone en la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Todas las canciones fueron compuestas por Billy Joel.

1. "Movin' Out (Anthony's Song)" – 3:30
2. "The Stranger" – 5:10
3. "Just the Way You Are" – 4:50
4. "Scenes From An Italian Restaurant" – 7:37
5. "Vienna" – 3:34
6. "Only the Good Die Young" – 3:55
7. "She's Always a Woman" – 3:21
8. "Get It Right the First Time" – 3:57
9. "Everybody Has a Dream" – 9:08
   

• Billy Joel - piano acústico, voces, teclados electrónicos, sintetizadores
• Doug Stegmeyer - guitarra baja
• Libertad DeVitto - tambores
• Richie Cannata - tenor y soprano saxofones, clarinete, flauta, órgano, tuba
• Steve Khan - seis y doce cuerdas de las guitarras eléctricas, acústicas guitarra rítmica, guitarra de cuerdas de alta
• Hiram Bullock - guitarra eléctrica
• Patrick Williams - orquestación
• Ralph MacDonald - percusión en "The Stranger", "Just the Way You Are", "Get It Right The First Time" y "Everybody Has a Dream"
• Hugh McCracken - guitarra acústica en "Just the Way You Are", "Scenes From An Italian Restaurant", "She's Always a Woman", "Get It Right The First Time" y "Everybody Has a Dream"
• Steve Burgh - guitarra acústica en "Just the Way You Are" y "She's Always a Woman"; guitarra eléctrica en "Scenes From An Italian Restaurant"
• Phil Woods - saxo alto en "Just the Way You Are"
• Dominic Cortese - acordeón en "Scenes From An Italian Restaurant" y "Vienna"
• Richard Tee - órgano en "Everybody Has a Dream"
• Phoebe Snow - coros en "Everybody Has a Dream"
• Lani Groves - coros en "Everybody Has a Dream"
• Gwen Guthrie - coros en "Everybody Has a Dream"
• Patti Austin coros en "Everybody Has a Dream"
  

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SYSTEMATIC CHAOS - Dream Theater

Systematic Chaoses el noveno álbum en estudio de la banda de metal progresivo Dream Theater. Este álbum tiene la distinción de ser el primer disco de la banda grabado con Roadrunner Records. Producido por Mike Portnoy (batería) y John Petrucci (guitarrista), y escrito y grabado en Avatar Studios en Nueva York y con Paul Northfield como ingeniero de sonido, la mezcla de Systematic Chaosse hizo en el Día de San Valentín. El anuncio de la lista de canciones junto a su última masterización se realizó el 21 de febrero, para luego ser lanzado el 5 de junio. Junto al CD, existe una edición especial, donde se encuentra el álbum normal, y un DVD que contiene Systematic Chaosgrabado en sonido 5.1 y un documental de 90 minutos de duración llamado Chaos in Progress - The Making of Systematic Chaos.

Según declaraciones de Mike Portnoy, hubo pocas razones para dividir "In the Presence of Enemies" en dos partes; una de ellas por considerar una buena manera de comenzar el álbum, así como finalizarla, mientras aún es una sola canción, lo que hace que tenga la duración de 25:38 minutos, convirtiéndose en la segunda más larga composición hecha por Dream Theater.

Cincuenta fans neoyorquinos de la banda tuvieron la oportunidad de grabar coros en "Prophets of War", así como en "In the Presence of Enemies Pt. 2". Repentance, la quinta pista del álbum, representa los pasos 8 y 9 de los doce pasos del programa de Alcohólicos Anónimos, precedida por The Root of All Evil en Octavarium. El 25 de diciembre del 2006, Mike Portnoy mostró un videoclip de 6 minutos de duración bajo el nombre de "Pumpkin King", que más tarde tomaría el nombre de "In the Presence of Enemies".

En los créditos se menciona a Joe Satriani, Steve Vai, Daniel Gildenlöw y Neal Morse que aparecen por cortesía de sus respectivas discográficas. Ellos ponen algunas de las voces que se escuchan en "Repentance". Sin embargo en dicho tema se mencionan otros músicos y/o cantantes como invitados especiales: Mikael Åkerfeldt, Jon Anderson, David Ellefson, Steve Hogarth, Chris Jericho, Corey Taylor y Steven Wilson, que no figuran en los créditos finales.

La canción "Constant Motion" viene incluida en el contenido descargable de los juegos Rock Band y Rock Band 2, y está situada en el último nivel del juego, ya que algunos fans de Dream Theater y gamers que frecuentan este tipo de juegos concuerdan que es la canción más difícil del juego, debido al número de notas que se ejecutan en la parte del solo de guitarra.

De acuerdo a Mike Portnoy, en una entrevista brindada a Tama(empresa dedicada a la fabricación de instrumentos de percusión), describe al álbum como: "Técnico y pesado, poderoso y dinámico. Todos los elementos que los fans esperan de un álbum de Dream Theater. Todos los estilos y sonidos están intactos, pero quisimos hacerlo como una gran explosión sonora. Es muy dramático y agresivo".

El álbum alcanzó el top veinte en las listas de ventas de ocho países; además, el álbum alcanzó la decimonovena posición en el Billboard200 , lo que es el pico más alto del álbum de Dream Theater en los Estados Unidos hasta el lanzamiento de Black Clouds & Silver Linings(2009), que debutó en la sexta posición. Recepción de la crítica del álbum fue en general positiva; Jon Eardley de MetalReview.com comenta de la banda, "sin duda la banda más consistente a lo largo de todo el rock progresivo / metal de la industria".

John Petrucci escribió la letra de cinco de las ocho canciones del álbum, diciendo una ficticia historia a través de cada uno de ellas:

• La primera pieza grabada, la epopeya de veinticinco minutos "In the Presence of Enemies", fue descrita por Petrucci como la "personificación de una creación Dream Theater". Luego pasó a describir la composición como "muy progresista, muy larga "; señalando también que dio un buen tono para escribir y grabar el resto del álbum. Es la grabación más larga, ya que "Six Degrees of Inner Turbulence", se dividió en dos partes, debido a que tiene una buena apertura y cierra el álbum al mismo tiempo. Según Portnoy, la banda sintió que era demasiado tiempo para abrir el álbum, pero no quería cerrar el álbum con una canción larga, como lo habían hecho con la canción que da título veinticuatro minutos de su último álbum Octavarium (2005). El duology se juega normalmente en su totalidad en shows en vivo. Durante la grabación, el trabajo se titulo: "El Rey de la calabaza". La historia de "In the Presence of Enemies" fue inspirada por un coreano manhwa llamado Sacerdote, como Petrucci explica que al no ser un fan del manga, precisamente, "[...] sin embargo a mí me gusta. Éste, me tropecé y me gustó mucho el contenido. Esto me inspiró a tomar un enfoque diferente lírica-mente. Hay que mantener las cosas interesantes por sí mismas al escribir nuevo material, así que sólo hice esto y corrí con él. [...] ese tipo de letra es divertida ? escribir, ya sabes el asunto del sujeto oscuro, el oscuro maestro ... stuff es otra manera de escribir, una nueva para mí". También resume las letras: "Es una historia acerca de alguien que se pierde a sí mismo y las luchas finales con la oscuridad, simbolizado por el Maestro Oscuro. Y la historia termina siendo realmente dentro de la oscuridad y pasa a través de las diferentes caras donde él tiene que luchar contra los demonios y cosas como esas.

• Sobre "Forsaken" Petrucci dijo que es una historia contada a través de una "estructura de canción corta". La canción habla de una persona que es visitada por la noche por una vampiresa . Mientras que el hombre piensa que está mostrando "cosas hermosas", en realidad está perdiendo su sangre succionada por la vampiresa. Una animación de videos musicales de "Forsaken", producida por Gonzo y dirigida por Yasufumi Soejima, fue lanzado el 26 de Enero (2008). La banda dejó a Soejima libertad artística con el diseño del video, que se estableció en un futuro de ciencia ficción. Durante la producción del álbum, el título de trabajo para esta canción era "Jet Lag", y fue la sexta canción por escribir.

• "Constant Motion" fue lanzada como el primer sencillo del álbum el 27 de abril de 2007, se hizo por primera vez disponible como una descarga gratuita el mismo día por Roadrunner Records; se podría encontrar en la sub-página web de Roadrunner Records 'Dream Theater por un tiempo limitado. Esta canción también fue echa para descargar en el videojuego musical Rock Band. La canción es considerada como una de las canciones más duras disponible para el juego en la guitarra y los tambores. Su título de trabajo fue "Korma Camaleón", y fue la segunda pieza escrita. La canción también fue acompañada por un video musical, el primero que la banda había producido en más de una década. El videoclip se estrenó el 13 de julio de 2007 y fue lanzado como una descarga gratuita, en dos formatos diferentes, también por un limitado tiempo. La banda no había producido un video musical desde "Hollow Years" en caer en infinito (1997), citando la falta de interés y la falta de rotación en canales de música para el segundo. El vídeo recibió considerable airplay en MTV2 Headbangers Ball y fue votado como el segundo mejor video musical del año 2007 por el mismo; podría decirse que es el vídeo más popular de Dream Theater despues de "Pull Me Under"en 1992.

• Petrucci escribió las letras de "The Dark Eternal Night", sobre un faraón que ha regresado después de la latencia como un monstruo. Las letras son muy influenciadas por el cuento Nyarlathotep de American ficción de horror por el escritor HP Lovecraft, incluso préstamos una gran cantidad de frases específicas de esta historia. La canción contiene una improvisación continuada en solitario, realizado por Rudess mientras se están grabando las pistas de batería; los miembros de la banda le gusta el solo lo suficiente para mantener en la grabación final. En la edición de octubre 2010 de la revista Guitarra total, sus lectores votaron el riff principal de "The Dark Eternal Night" como el cuarto mejor riff de la década. Durante la realización de la canción, el título fue: "NADS" ("Norte American Dream Squad") y fue la quinta canción por escribir. La expansión, la sección media progresista no apareció en edición original de la canción, pero se basa en un riff que Rudess, se le ocurrió en la sala de control cuando se escucha la sección instrumental original, más conservador. "Yo estaba debatiendo si debia siquiera tocar el tema, pero luego me puse valiente y dije ¿Sabes, tengo esta extraña idea". El Dark Eternal Night fue la segunda de dos canciones para el público en general antes del lanzamiento del álbum, con un vídeo en el estudio se libero a YouTube en Mayo 2007.

• Portnoy escribió "Repentance"como la cuarta parte de su suite de doce pasos, una colección de canciones de varios álbumes de Dream Theater que giran en torno a su viaje a través de Alcohólicos Anónimos. La canción habla de los pasos ocho y nueve del proceso, que tratan de hacer una lista de personas a las que uno ha tratado mal y, si es posible, reconciliarse con ellas. Portnoy, quien a partir de 2007 había estado sobrio siete años y medio, diciendo esto sarcásticamente. Mikael invita a sus amigos y colegas músicos, Jon Anderson, David Ellefson, Daniel Gildenlöw, Steve Hogarth, Chris Jericho, Neal Morse, Joe Satriani, Corey Taylor, Steve Vai, y Steven Wilson para grabar spoken apologies, regrets, and sorrows of their own, que se ofrece a través de la canción. Portnoy dedicó "Penediment", "a Bill W. y a todos sus amigos." Durante la grabación, el título de la pista era "ull de peix" y fue la séptima canción para ser escrita. Esta saga se concluyó en el décimo álbum de estudio de la banda de Black Clouds & Silver Linings con "The Shattered Fortress".

• "Prophets of War" fue escrita por James LaBrie, que basó las letras en el libro La política de la verdad de Joseph C. Wilson. Las letras hablan de posibles motivos ocultos detrás de la guerra de Irak, sin dejar de ser "medio de la carretera ", el título es un juego de palabras, donde los "profetas" de la guerra, también podrían estar ganando una "ganancia" de la guerra. Durante la grabación de la canción, Portnoy sugirió que aficionados pudieran expresar ciertos cantos líricos. En respuesta a un mensaje publicado en el sitio web de la banda cuatrocientos aficionados se congregaron frente al estudio de grabación para grabar el canto, sin embargo, sólo sesenta pudieron encajar en el estudio. El título de la pista durante la grabación fue "Babies carpet" y fue la tercera canción para ser escrita.

• "The Ministry of Lost Souls" con 14:57, es la pista más larga del segundo álbum. A través de la letra de la canción, Petrucci expresa de una persona que muere en el proceso de salvar a una mujer de morir ahogada. Sin embargo, la mujer se guarda se llena de "pesar y dolor" hasta que ella es capaz de volver a unirse con su salvador. El título de la pista durante la grabación fue "Lisp de Schindler" y fue la cuarta canción a escribir.

Toda la música compuesta por Dream Theater.

1. "In the Presence of Enemies Pt.1" (9:00) Letras por John Petrucci
   
   • I. "Prelude" (Instrumental)
     
   • II. "Resurrection"
     
2. "Forsaken" (5:36) Letras por John Petrucci
   
3. "Constant Motion" (6:55) Letras por Mike Portnoy
   
4. "The Dark Eternal Night" (8:51) Letras por John Petrucci
   
5. "Repentance" (10:43) Letras por Mike Portnoy
   
   • VIII. "Regret" - 7:08
     
   • IX. "Restitution" - 3:35
     
6. "Prophets of War" (6:01) Letras por James LaBrie
   
7. "The Ministry of Lost Souls" (14:57) Letras por John Petrucci
   
8. "In the Presence of Enemies Pt.2" (16:38) Letras por John Petrucci
   
   • III. "Heretic"
     
   • IV. "The Slaughter of the Damned"
     
   • V. "The Reckoning" (Instrumental)
     
   • VI. "Salvation"
     

• James LaBrie – Voz
  
• John Myung – Bajo, Chapman Stick
  
• John Petrucci – Guitarras, Coros
  
• Mike Portnoy – Batería, Coros
  
• Jordan Rudess – Teclados, Continuum, Lap Steel Guitar, Roland VP-550 (Teclado procesador de Voz)
  

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TRACY CHAPMAN - Tracy Chapman

Tracy Chapmanes el nombre del álbum debut de la cantante y compositora estadounidense Tracy Chapman, Fue lanzado al mercado por Elektra Records el 5 de abril de 1988, es la producción más exitosa de su carrera por lo cual recibió 3 premios Grammy, ha vendido más de 19.5 millones de unidades en el mundo.

Chapman fue descubiertapor su compañero de estudios de la Universidad de Tufts Brian Koppelman. Él se ofreció a mostrar su trabajo a su padre, que era dueño de una editorial de éxito, sin embargo ella no consideró la oferta. Sin embargo, después de varias actuaciones, Koppelman encontró una cinta de demostración de su forma de cantar con elsencillo "Talkin 'Bout a Revolution", que impulsó enlas emisorasde radio, finalmente firmó con Elektra Records .

En los primeros intentos de producir el primer álbum, muchos productores rechazaron a Chapman, ya que no convencia su dirección musical. Sin embargo, David Kershenbaum decidió producir el álbum de estudio ya que quería grabar un disco de música acústica. El álbum fue grabado en Hollywood, California en sólo ocho semanas. La mayor parte de la escritura se basa en políticas y causas sociales.

El álbum fue muy bien calificado por la crítica, y causó un gran impacto mundial ya que dio inicio a que un movimiento de cantautoras femeninas incursionaran en la escena musical, entre las cuales se destacan Sarah McLachlan y también, Tori Amos. Aunque la canción "Fast Car"fue un gran éxito a nivel global, Chapmanjamás volvería a repetirlo.

Tracy fue galardonada en 1989 con el premio Grammy al "Mejor álbum de Folk Contemporaneo" y a la "Mejor Interpretación de Pop Femenino" por "Fast Car".

En 1989, la distinguida revista Rolling Stone, clasificó el álbum en el puesto nº 10 en la lista de "Los 100 álbumes más exitosos de los años 80". En 2003, ocupo el puesto nº 261 en la lista de "Los 500 álbumes más exitosos de la historia". También Tracy Chapman es el álbum número nº 74 más exitoso del planeta.

Tres sencillos fueron lanzados del álbum, con ser el mayor éxito comercial single "Fast Car". La canción fue interpretada en el Nelson Mandela 70th Birthday Homenaje. Se elevó a los diez primeros en los EE.UU. en BillboardHot 100 y también le fue bien en Australia, Nueva Zelanda, Irlanda, Reino Unido y otros países Europeos.

Todas las canciones escritas por Tracy Chapman.

1. "Talkin' Bout a Revolution" – 2:42
2. "Fast Car" – 4:58
3. "Across the Lines" – 3:27
4. "Behind the Wall" – 1:53
5. "Baby Can I Hold You" – 3:16
6. "Mountains o' Things" – 4:42
7. "She's Got Her Ticket" – 3:58
8. "Why?" – 2:08
9. "For My Lover" – 3:15
10. "If Not Now..." – 3:04
11. "For You" – 3:13

• Tracy Chapman - guitarra acústica, percusión, guitarra rítmica, coros
• Ed Negro - guitarra de acero
• Paulinho Da Costa - percusión
• Denny Fongheiser - percusión, tambores
• Jack Holder - órgano, dulcimer, dobro, el piano, la guitarra eléctrica, órgano Hammond, sitar
• Steve Kaplan - armónica, teclado
• Larry Klein - guitarra baja
• David LaFlamme - violín eléctrico
• Bob Marlette - teclado

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