Jim Morrison

“Hey, escucha. Yo solía pensar que todo era una gran broma. Yo pensé que era algo para reírse de ello, y el último par de semanas conocí a algunas personas que estaban haciendo algo. Ellos estaban intentando cambiar el mundo y yo quiero unirme al viaje. Yo quiero cambiar el mundo”.

Janis Joplin

“Sí, somos feos, pero tenemos la música”. Su voz era tan rebelde como su espíritu, imposible de domar.

Jimi Hendrix

"Cuando el poder del amor supere el amor al poder el mundo conocerá la paz".

Iggy Pop

“Aquí, o estás abajo, muerto de hambre, o en la cima, convertido en juguete popular”.

Bob Marley

“La gente que esta tratando de hacer este mundo peor no toman ni un día libre, ¿como podría tomarlo yo? ilumina la oscuridad”. Dijo esto después de recibir un tiro de pistola, siguió con el concierto que había iniciado.

George Harrison

"La vida es un largo enigma mi amigo, así que siga leyendo, siga leyendo, la respuesta está al final".

domingo, 29 de junio de 2014

THE FINAL CUT - The Pink Floyd

The Final Cutes el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Se lanzó al mercado en marzo de 1983 a través de la compañía discográfica Harvest Records en el Reino Unido y varias semanas después a través de Columbia Records en Estados Unidos. Se trata de un álbum conceptual y es el último de la banda en contar con la participación de Roger Waters, quien aparece acreditado como compositor y letrista de todas las canciones del disco. La mayoría de ellas cuentan con la voz de Waters como vocalista principal; el guitarrista líder David Gilmour aporta su voz a sólo una de las doce canciones del disco, "Not Now John".
The Final Cutse planeó como banda sonora para la película de 1982 Pink Floyd The Wall. Recién comenzada la guerra de las Malvinas, Waters la convirtió en una crítica a la guerra, además de tratar lo que él consideraba la traición para con su padre. Repitiendo el estilo de ópera rock de su predecesor, The Wall(1979), se grabó en ocho estudios distintos de Inglaterra, entre julio y diciembre de 1982. Al igual que en la mayoría de la discografía de Pink Floyd, se contrataron una gran cantidad de músicos de sesión como colaboradores, aunque la grabación del mismo estuvo dominada por la creciente tensión entre Waters y el resto de la banda, especialmente Gilmour. El diseño artístico corrió a cargo de Waters, reflejando el contenido del álbum. The Final Cutllegó a lo más alto de la lista británica de álbumes, aunque recibió críticas mezcladas. Más adelante se lanzó un cortometraje para acompañar el disco.
Después del lanzamiento del álbum cada miembro de la banda se concentró en sus proyectos en solitario, aunque poco después Waters anunció que dejaba el grupo, además de intentar que Gilmour y el batería Nick Mason nunca volviesen a utilizar el nombre de Pink Floyd. Con posterioridad Gilmour ha expresado en varias ocasiones su desagrado con gran parte de The Final Cut, muchas veces viéndose como una obra en solitario de Waters. Ninguna de las canciones del disco han sido tocadas en directo por Pink Floyd, aunque algunas sí ha tocado Waters en sus giras en solitario.

The Final Cut es un álbum conceptual antibélico con elementos de ópera rock. Las letras de Waters exploran lo que él considera la traición hacia los militares británicos caídos, como su padre, quienes durante la Segunda Guerra Mundial sacrificaron su vida por el espíritu del sueño de la posguerra. Este "sueño" era que la victoria haría del mundo un sitio más pacífico, en el cual los mandatarios no querrían volver a entrar en disputas bélicas. Las letras son críticas contra Margaret Thatcher, cuyas políticas y decisiones fueron vistas por Waters como un ejemplo de traición. Se refiere a ella como "Maggie" a lo largo del álbum.
A excepción de la pista introductoria, "The Post-War Dream", la primera cara es una ópera rock corta que trata sobre la difícil situación mental de un veterano de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista se convierte en un profesor de escuela abusivo y a lo largo de las cinco siguientes pistas ("Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Hero's Return", "The Gunner's Dream" y "Paranoid Eyes") se examina su vida en detalle después de la guerra, centrándose en la depresión consecuencia del trastorno por estrés postraumático. Se va alejando de su esposa y le persigue la memoria de la muerte de sus compañeros soldados, incluyendo las últimas palabras de un artillero oídas a través de un interfono. En un deseo de volver a controlar su vida, paga sus frustraciones con sus alumnos. Este personaje ya había aparecido anteriormente en el álbum previo de Pink Floyd, The Wall, donde se le achaca haber abusado del protagonista en su etapa escolar. En la narrativa de The Wall, específicamente en la canción "The Happiest Days of Our Lives", tiene una esposa "psicopática", quien le apalizaba a menudo. El tema vuelve a aparecer en "The Hero's Return" como una sensación de alienación que siente el veterano hacia su mujer y sus alrededores. La porción de ópera rock del disco acaba con "Paranoid Eyes", en donde el veterano se refugia en el alcohol, eligiendo así ocultar sus verdaderos problemas al resto del mundo.
La segunda parte del álbum trata sobre varios temas bélicos. "Southampton Dock" es un lamento dedicado a los héroes de guerra que regresan y para los soldados que se encaminan hacia una muerte segura, mientras que "Not Now John" habla de la ignorancia de la sociedad hacia los problemas económicos y políticos. "Get Your Filthy Hands Off My Desert" trata sobre los sentimientos de Waters hacia la guerra y la invasión, y "The Fletcher Memorial Home" refleja sus fantasías sobre reunir a políticos como Leonid Brezhnev, Menachem Begin, Leopoldo Galtieri y Margaret Thatcher para ejecutarlos a todos. "The Final Cut" trata sobre las intimidades más profundas de Waters; la letra trata las repercusiones provenientes del aislamiento y las represiones sexuales, mientras intenta cometer suicidio y se esfuerza por reconectar con el mundo que tiene a su alrededor. El álbum termina con "Two Suns in the Sunset", una canción que retrata un holocausto nuclear, dando como resultado final un mundo obsesionado con la guerra y el control.

The Final Cutse lanzó en el Reino Unido el 21 de marzo de 1983 y llegó al puesto número uno de la lista de álbumes de ese país, algo que ni The Dark Side of the Moonni The Wallhabían logrado. Su lanzamiento en Estados Unidos el 2 de abril, sin embargo, tuvo menos éxito, llegando sólo al puesto número seis de la lista Billboard200. "Not Now John" se lanzó como sencillo y consiguió entrar en el UK Top 30, con el estribillo "Fuck all that" (Que jodan a todo eso) censurado y cambiado por "Stuff all that" (Que le zurzan a todo eso). A pesar de su éxito, el disco recibió reseñas mezcladas. Melody Makerdijo que era "un hito en la historia de lo horroroso...", mientras que el crítico de Rolling Stone'Kurt Loder lo vio como "esencialmente un álbum en solitario de Roger Waters...; un logro superlativo a varios niveles".
Con más de un millón de copias vendidas en Estados Unidos, la Recording Industry Association of America (RIAA) certificó The Final Cutplatino en mayo de 1983; consiguiendo la certificación de doble platino en 1997. A pesar de esto, The Final Cutfue el álbum menos vendido de Pink Floyd en Estados Unidos y el resto del mundo desde Meddle. Más adelante Gilmour reivindicó que este relativo fracaso comercial reafirmaba su comentario de que mucho del material que se encuentra en el disco era flojo.
Para acompañar al álbum, se lanzó un cortometraje llamado The Final Cut. La película, basada en una selección de canciones del disco. The Final Cut, a menudo es visto de factocomo un trabajo en solitario de Waters, debido a la combinación de la parcial ruptura de Pink Floyd y a la dominación lírica de Waters en el proyecto.

La compañía Hipgnosis, diseñadores de la mayoría del diseño artístico anterior de Pink Floyd, se había disuelto. Storm Thorgerson, miembro fundador, fue descartado para diseñar la portada, de lo que se encargó Waters, usando fotografías tomadas por su cuñado, Willie Christie. La portada muestra las amapolas típicas del día de los caídos y cuatro medallas de la Segunda Guerra Mundial sobre un fondo de tela negro. De izquierda a derecha las medallas son la Estrella de 1939-45, la Estrella de África, la Medalla de la defensa y la Cruz de vuelo distinguido.

Todas las canciones tienen a Roger Waters como vocalista principal, excepto "Not Now John" de David Gilmour y Roger Waters. Todas las canciones escritas y compuestas por Roger Waters.
Cara A
  1. The Post War Dream – 2:55
  2. Your Possible Pasts – 4:23
  3. One of the Few – 1:24
  4. The Hero's Return – 2:42
  5. The Gunner's Dream – 5:20
  6. Paranoid Eyes – 3:36
Cara B
  1. Get Your Filthy Hands Off My Desert – 1:17
  2. The Fletcher Memorial Home – 4:10
  3. Southampton Dock – 2:13
  4. The Final Cut – 4:43
  5. Not Now John – 4:56
  6. Two Suns in the Sunset – 5:22

  • Roger Waters: voz principal, bajo, sintetizador, efectos de sonido, guitarra acústica, diseño portada, producción.
  • David Gilmour: guitarra, voz, voz principal en "Not Now John".
  • Nick Mason: batería, percusión.
Músicos adicionales




viernes, 27 de junio de 2014

THE SLIDER - T.Rex

The Slideres el séptimo álbum de estudio de la banda británica de glam rockT. Rex, publicado en julio de 1972 por el sello EMI Music para Europa y por Reprise Records para los Estados Unidos. Obtuvo el cuarto puesto en los UK Albums Charty la posición diez y siete en los Billboard Hot 100del mercado estadounidense. Para promocionar el trabajo, el sello EMI publicó con meses de anticipación los sencillos «Metal Guru», el que llegó al Top 1de la lista UK Singles Chart. Y «Telegram Sam», el que también obtuvo el puesto número uno en el Reino Unido y además ingresó en la lista Billboard Hot 200en el puesto sesenta y siete.
El estilo musical que se incluyó en el álbum, mantuvo en esencia el mismo sonido que su predecesor Electric Warrior. El género preponderante es el glam rock, el que se ve reflejado en canciones alegres y de contenido algo erótico, como también en la estética en las presentaciones de la banda, principalmente de Marc Bolan. Sin embargo y ya que Bolan no quería ser casillado en un sólo estilo, incursionó nuevamente en el hard rocky en el rock and roll, y en ciertos cortes agregó sonidos del proto punk. Además se realzó la guitarra eléctrica como introducción en algunos temas, tanto en canciones roqueras como en baladas. A su vez, los coros y los arreglos también tuvieron mayor protagonismo. Todosestos sonidos convirtieron al disco en uno de los más completos del grupo que ofrece energía rock, sensualidad, melodía orquestada con potentes piezas guitarreras, medios tiempos y cósmicas baladas (por ejemplo "Ballrooms Of Mars", canción versionada por Radio Futura). A destacar la trémula expresión de Marc Bolan y los fantasmagóricos apoyos vocales de Howard Kaylan y Mark Volman (miembros de los Turtles).

Durante la década de los noventa y la primera década del nuevo milenio, algunos escritores, sitios de internet y revistas, han incluido al disco en sus listas de "mejor de lo mejor". El sitio estadounidense Fast 'n' Bulbous, lo situó en su lista de los 500 mejores álbumes desde 1965 en el puesto 225. En 2005 el escritor Robert Dimery incluyó el álbum en su libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. El sitio Treblecolocó en el puesto número diez de su lista los mejores álbumes de los setentas por año. El medio escrito británico The Observerlo posicionó en la casilla número setenta y uno de la lista los 100 grandes álbumes británicos.
En 1999 la revista noruega Eggen & Kartvedt, lo agregó en su guía de los 100 álbumes importantes del rock. La crítica especializada japonesa lo ubicaron en la lista 200 álbumes esenciales. Por último, la revista brasileña Showbizz lo posicionó en el lugar cuarenta y tres en la lista 100 CDs de todos los tiempos.
El escritor Mark Paytress lo consideró como uno de los álbumes más completos del grupo, debido a su estilo musical y lo definió también cómo el disco que terminó de definir el glam rock. Su legado ha trascendido con el pasar de los tiempos, y es generalmente añadido en distintas listas sobre música.

La fotografía de la portada delantera y trasera del disco, fue acreditada al baterista y amigo de Bolan, Ringo Starr. Esta fue tomada el mismo día en que comenzó la grabación del documental sobre la banda, Born to Boogie. Sin embargo el productor del disco Tony Visconti, en su página web oficial al respecto mencionó: «...Marc me entregó su cámara Nikon y me pidió que disparara los dos rollos de película en blanco y negro, mientras estábamos en el set de Born to Boogie. Ringo el director del filme, estaba ocupado todo el día alineando las grabaciones. Pero aparentemente Marc vio una de las fotos de crédito y le dio la oportunidad».

Todas las canciones escritas por Marc Bolan.
  1. Metal Guru – 2:25
  2. Mystic Lady – 3:09
  3. Rock On – 3:26
  4. The Slider – 3:22
  5. Baby Boomerang – 2:17
  6. Spaceball Ricochet – 3:37
  7. Buick Mackane – 3:31
  8. Telegram Sam – 3:42
  9. Rabbit Fighter – 3:55
  10. Baby Strange – 3:03
  11. Ballrooms of Mars – 4:09
  12. Chariot Choogle – 2:45
  13. Main Man – 4:14





miércoles, 25 de junio de 2014

A SPACE IN TIME - Ten Years After

A Space in Timees el séptimo álbum de la banda de blues rock británica Ten Years After grabado y lanzado el año 1971, es menos "pesado" que los álbumes anteriores e incluye unaguitarra más acústica, tal vez influenciado por el éxito de Led Zeppelin. Fueron mezclando canciones acústicas con temasmás pesados, alcanzando el puesto nº17 delBillboard 200. Este disco, fue sin duda de los más vendidos de Ten Years After, gracias a su éxito "I'd Love to Change the World",una canción que criticaba el capitalismo y la guerra.

El Album, intentaba acercarse a los sonidos de la psicodelia y experimentan sonidos mezclados con arreglos de cuerda, como "Over the Hill". Otros temas notables: "One of these days", "Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You" o "Uncle Jam"; donde como siempre la guitarra de Alvin Lee es la que destaca en gran parte del disco, al igual que el resto de miembros de la banda. La tercera canción del álbum,"I'd Love to Change the World", es también su mayor éxito. Mediante la combinación de un coro acústico melódico con desafiantes riffs de guitarra eléctrica, se las arreglaron para producir un sonido que alcanzó el número 10 en las listas de éxitos de Canadá y el número 40 en los EE.UU., rara vez tocado en directo, a pesar de que este fue su mayor éxito. "Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You" también fue un éxito alcanzando el número 61 en los EE.UU..

El álbum comienza con "One Of These Days", vibrante interacción instrumental para este apasionado blues-rock. Cambiamos de registro en "Here They Come", hipnótica pieza psicodélica a lo Pink Floyd.
La obra maestra del disco es "I'd Love To Change The World", espectacular tema que mezcla magistralmente el blues-rock con la lisergia haciéndonos partícipes de una exhibición de las seis cuerdas por parte de su autor.
Otro de los temas destacados es "Over The Hill", hermosa balada barroco-orquestal con exuberantes arreglos de cuerda a la que sigue "Baby Won't You Let Me Rock'n'Roll You", entusiasta rock & roll con dejes glam a lo Slade.
Alvin Lee vuelve a brillar como guitarrista en "Once There Was a Time", estupendo blues con riff basado en el clásico "Raunchy" de Bill Justis. Es el riff de "Good Morning Little Schoolgirl" de Sonny Boy Williamson el que parece inspirar a Lee en "Let The Sky Fall", interesante blues con variantes de tempo, excelente solo de Alvin y arreglos psicodélicos. "Hard Monkeys" es un sensible tema ácido que recuerda a algunas piezas de Trafficmientras que "I've Been There Too" es una estilosa composición con destacado uso del teclado y el bajo además de una gran interpretación vocal.
Este excepcional disco finaliza con "Uncle Jam", relajante instrumental jazz de corta duración compuesto por todo el grupo que pone de manifiesto una vez más sus habilidades instrumentales.

Billy Walker dio al álbum una opinión general positiva en Sonidos. Señaló el sonido como atípicamente suave de canciones, como "Over the Hill" y "Let the Sky Fall" y al mismo tiempo alabo "la vieja emoción TYA" de canciones como "I'd Love To Change The World" y "Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You". En particular, elogió el trabajo de guitarra de Alvin Lee. Sin embargo, se quejó de que algunas pistas sufrieron una falta de fuerza en la proyección de voz de Alvin" y concluyó "Ten Years After es una banda que esta mucho mejor en vivo que en sus discos, consiguen mucho más carisma y entusiasmo en directo que en un trabajo plasmado en la superficie de vinilo gramofónico ".

Todas las canciones de Alvin Lee,excepto "Uncle Jam",que fue compuesta por C. Churchill, A. Lee, R. Lee y L. Lyons.
  1. One of These Days – 5:52
  2. Here They Come – 4:36
  3. I'd Love to Change the World – 3:44
  4. Over The Hill – 2:28
  5. Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You – 2:16
  6. Once There Was a Time – 3:22
  7. Let the Sky Fall – 4:19
  8. Hard Monkeys – 3:10
  9. I've Been There Too – 5:44
  10. Uncle Jam – 1:57




sábado, 21 de junio de 2014

HISINGEN BLUES - Graveyard

Hisingen Blueses el segundo álbum de estudio de la banda Sueca de hard rock Graveyard. Fue lanzado el 25 de marzo de 2011, suena exactamente como se supone que debería sonar un grupo de rock en los años 70, salvo por la excepción de lo que lo hacen cuarenta años después. El ejemplo más evidente es la canción homónima del disco, la extraordinaria Hisingen Blues, a través de la cual consiguen hacer en uno, lo moderno y lo clásico en un abrazo auto-contenido que realza cada una de sus partes, suena a su vez como sí nunca se hubiera dejado de hacer esa clase de rock hasta hoy evolucionando a través de la lisergia del rock psychodélico.

La producción resulta de lo más brillante, consiguiendo un sonido de lo más orgánico. Las guitarras suenan potentes pero limpias, y la batería te guía con un ritmo trepidante a lo largo de este fantástico discurso de rock and roll que es “Hisingen Blues”. Ya el primer redoble de “Ain’t Fit To Live Here” te pone en situación para que en menos de tres minutos tu cerebro haya retrocedido 40 años atrás en el tiempo para iniciar un viaje del que no querrás volver.
Temas como “Hisingen Blues”, “RSS” o la sabbathiana “Ungrateful Are The Dead” te harán menear las greñas y rockear a base de bien, pero serán en los temas más introspectivos donde conseguirán que caigas rendido a sus pies. Díganme si “Unconfortably Numb” no merecería ser todo un clásico de haber aparecido en otra época, blues de muchos quilates. En “Longing” nos invitan a un tripi psicodélico con reminiscencias al spaghetti western del sello Morricone. Y para rematar esta esa maravilla llamada “The Siren” que condensa en seis minutos todo lo que tienen estos chicos por ofrecer. La fuerza y la pasión que transmiten se siente en cada nota, en cada golpe de caja, en cada silaba que el bueno de Joakkim Nilsson tiene a bien de susurrar o vociferar a los cuatro vientos según convenga.
Hisingen Blues” es un viaje a otra época como también lo es una reivindicación de que esta música está por encima de modas pasajeras. Un sonido añejo hecho para perdurar durante décadas. Y encima la portada que ilustra el álbum es de las más bonitas que he visto en los últimos tiempos.

Lo que esto quiere decir es que Hisingen Blues es un discazo. Una belleza flematica, el culto a la nostalgia, un clasico virgen y desempolvado, una mamada al blues canchero, el eslabon perdido entre el hard rock de Zepellin y el rock sureño Americano, el Dorado para aquellos melomanos que no se encuentran desde hace tres decadas, madera añeja guardando vino y un pocoton de notas que hemos escuchado tantas veces, pero que para aquellos que tenemos alma, suenan tan sublimes como la primera vez.

Todas las canciones escritas por Graveyard.
  1. "Ain't Fit to Live Here" - 3:05
  2. "No Good, Mr. Holden" - 4:46
  3. "Hisingen Blues" - 4:13
  4. "Uncomfortably Numb" - 6:11
  5. "Buying Truth (Tack och Förlåt)" - 3:27
  6. "Longing" - 4:49
  7. "Ungrateful Are the Dead" - 3:09
  8. "Rss" - 3:48
  9. "The Siren" - 6:00

  • Joakim Nilsson: Guitarras, Voz
  • Jonatan Larocca Ramm: Guitarras
  • Rikard Edlund: Bajo
  • Axel Sjoberg: Batería, Percusión
Músicos adicionales
  • Nils Dahl: Piano
  • De Pete Fredestad: Hammond B-3




jueves, 19 de junio de 2014

ESTÁ MUY BIEN ESO DEL CARIÑO - Kiko Veneno

Está muy bien eso del cariño,es el cuarto álbum de estudio del músico de Flamenco, Rumba, Pop, Kiko Veneno, lanzado en septiembre de 1995 con el Sello BMG Ariola SA. Grabado en Londres con el productor Joe Dworniak y con algunos de los músicos ingleses que ya tocaron en el Échate un cantecito. Sin embargo ya no cuenta con la colaboración de Santiago Auserón, pero sí a su viejo compañero de fatigas, Raimundo Amador a la guitarra, por no hablar del espíritu del viejo Bob Zimmerman, más presente aquí que nunca. Además se lleva a grabar a la banda con la que venía tocando. Destaca la cubierta, realizada por el estudio de Javier Mariscal.

Se lanza el disco con diez canciones redondas y con un inconfundible sabor. Cambia al Lobo por el Lince, el Fuego por el Calor, y con mucho Veneno y Respeto nos canta unos Blues desde Memphis.

"Lo que me importa eres tú" es una rumbita rock ideal para comenzar un disco, el día o la invasión de un país extranjero. Le sigue “Veneno”, pop-rock de altos vuelos (¿aún se puede decir eso?) en la que Kiko cantando a su apellido artístico demuestra que le puede cantar a todo (más tarde le dedicará unos versos a la cafetera o a la abuela), y hace uno de sus mejores temas. El puente es enorme: “Tú me decías y me jurabas que me esperarías y me quedé toda la noche al relente. Tú le echabas la culpa al reloj pero el reloj era muy buena gente: el reloj es mejor que tú”. Aunque lo que sigue no le anda a la zaga: “Tú me estás queriendo a mí un 15% menos, no me lo niegues. Con el coste de la vida lo nuestro se está quedando en ná”.

Con “Dime a” Dworniak trae de nuevo ese aire caribeño que tanto le gusta poner a según qué rumbas del cantante (que ahora le canta a lo dulce que es el lápiz de labios de ella). La “a” de “Dime a” es de “ámame”, la “b” es de “bésame”. Mucho juego de palabras y “mucho Beti, eh”: Amores y más amores de Kiko.

Tras “Estaba lloviendo” (un medio tiempo rock rico e intenso con reminiscencias beatles explícitas en sus metales) y “Respeto” (que recuerda a “Me siento en la cama” del disco anterior y que da nombre a éste: “Está muy bien eso del cariño, yo me comprometo, pero no me des un dulce como a un niño: estoy hablando de respeto”) Kiko se pone serio. Bueno serio, serio… “Hace calor”, que fue el primer single, es un regalo al oído lleno de verdades: "hace calor en la cafetera, haz el amor (usa precauciones)". De nuevo el buen humor y la melodía se contagian irremediablemente. Así da gusto.

Viento de poniente”, bonita balada de sabor flamenco, antecede a otro gran triunfo del disco. Kiko siempre ha sentido la sombra de Bob Dylan en la nuca, sobre todo porque nunca ha huido de ella. Pero esta vez se da la vuelta para encararla con una sonrisa y marcarse un bailecito con ella. Hacer una versión de "Stuck inside of mobile with the Memphis blues again" que Dylan grabara en “Blonde on Blonde” (Columbia, 1966), pero lo hace a ritmo de rumba, sin despeinarse. Y lo que es más, saliendo airoso del asunto, cosa que no está al alcance de cualquiera (hay quien gracias a Kiko se olvida de la original, y eso que es una de las mejores canciones de “Blonde on Blonde”). “Memphis Blues” es una lectura genial de una canción genial. Porque, al igual que en la de Dylan, aunque tiene la palabra blues en el título, la voz de Kiko es de todo menos triste. A resaltar también el videoclip que dirigió Santiago Segura en el que tradujo en imágenes el tema (imágenes y música casan a la perfección).

Todas las canciones escritas por Kiko Veneno.
  1. Lo Que Me Importa Eres Tú – 3:44
  2. Veneno – 5:13
  3. Dime A – 4:42
  4. Estaba Llovíendo – 3:31
  5. Respeto – 4:55
  6. Hace Calor – 4:13
  7. Víento de Poniente – 5:06
  8. Memphis Blues – 4:12
  9. La Casa Cuartel – 3:39
  10. El Lince Ramón - 4:53

  • Kiko Veneno: voz, guitarra flamenca
  • Glenn Nightingale: guitarra eléctrica
  • Caramés, Joe Dworniak y Juan Ramón: bajo
  • Frank Tontoh y Antonio S. Rodríguez: batería
  • Anthony Seydu, Danny Cummings y Matt Kemp: percusión
  • Nigel Roberts: teclados
  • Phil Smith: saxo
  • John Thirkell: trompeta y trompeta piccolo
  • Dennis Rollins: trombón
  • Nicky Brown, Sarah Brown y Antonio S. Rodríguez: coros

Cortesía por M.C.A. Entertainment
  • Raimundo Amador: guitarra flamenca y eléctrica




domingo, 15 de junio de 2014

MOONDANCE - Van Morrison

Moondancees el tercer álbum de estudio del músico norirlandés Van Morrison. Publicado por Warner Bros. Records en febrero de 1970, fue el primer trabajo autoproducido por el propio músico y mezcla géneros musicales como el R&B, el folky el jazz, de forma semejante a su predecesor, Astral Weeks(1968).
Bueno, es una noche maravillosa para una moondance
con las estrellas por encima de los ojos
una noche fabulosamente para hacer romance
debajo del color del cielo de octubre.
Y todas las hojas de los árboles están cayendo
para el sonido de las brisas que soplan
y estoy tratando de complacer a la convocatoria
de tus fibras que tocan suave y baja...
Asi empieza Moondance, tras su publicación obtuvo un éxito superior a su predecesoray alcanzó el puesto veintinueve en la lista estadounidense Billboard 200, mientras que el sencillo «Come Running» se alzó hasta el puesto 39 de las listas de sencillos. En 2003, la revista musical Rolling Stoneemplazó al álbum en el puesto 65 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
En su primera publicación en formato vinilo, la portada del álbum podía desplegarse, revelando una fábula escrita por la mujer de Morrison, Janet Planet. La fábula hacía referencia a un joven hombre y a sus dones. La foto de portada fue tomada por Elliot Landy, fotógrafo oficial del Festival de Woodstock en 1969.

Las dos canciones más conocidas del álbum, "Moondance" e "Into the Mystic", no obtuvieron resultados favorables como sencillos musicales, con la primera en el puesto 92. Por su parte, "Into the Mystic" no entró en las listas de éxitos. Aun así, las dos canciones se han convertido con el paso del tiempo en unánimes clásicos recopilados en posteriores álbumes de grandes éxitos.
Por otra parte, las canciones de Moondancehan mantenido su popularidad hasta la fecha. Así, "Moondance" ha sido usada en las películas Un hombre lobo americano en París yAugust Rush. "Glad Tidings" fue usadaen la quinta temporada de la serie de televisión Los Soprano, mientras que "Everyone" fue utilizada en la escena final y en los créditos de la película de Wes Anderson The Royal Tenenbaums.

Todas las canciones escritas y compuestas por Van Morrison.
Cara A
  1. And It Stoned Me – 4:30
  2. Moondance – 4:35
  3. Crazy Love – 2:34
  4. Caravan – 4:57
  5. Into the Mystic – 3:25
Cara B
  1. Come Running – 2:30
  2. These Dreams of You – 3:50
  3. Brand New Day – 5:09
  4. Everyone – 3:31
  5. Glad Tidings - 3:42


sábado, 14 de junio de 2014

THE STRANGER - Billy Joel

The Strangeres el quinto álbum de estudio de Billy Joel, lanzado en septiembre de 1977. Mientras que sus cuatro álbumes anteriores tuvieron un éxito moderado, este rompió la brecha, alcanzando el 2 en la lista de álbumes de Estados Unidos. Permanece como el álbum no compilatorio más vendido hasta la fecha de Billy Joel, con más de 10 millones de copias vendidas y en la lista de los 20 álbumes más vendidos en los años 70.
Mucho del éxito del álbum es atribuido a la colaboración de Billy Joel con el productor Phil Ramone, cuyos métodos de producción innovadores complementaron las canciones de Billy Joel. Está colaboración fructuosa continuaría por una década.
Algunos sencillos lanzados de este álbum incluyen "Just The Way You Are", la balada acústica "She's Always A Woman", la medianamente controversial "Only The Good Die Young" y "Movin' Out (Anthony's Song)", la cual llegó a ser el tema para el musical de Broadway "Movin' Out", basado en las canciones de Billy Joel.
Este álbum alcanzó a Bridge over Troubled Water de Simon and Garfunkel, para llegar a ser el álbum de Columbia Records más vendido en ese tiempo. Fue también el último álbum de Billy Joel que tuvo el logo de "Family Productions", satisfaciendo los términos de su contrato de 1974.
Joel obtuvo dos premios Grammy por este disco, al mejor disco del año y a la mejor canción del año por Just the Way You Are.
Generalmente aclamado como el trabajo más fino de Billy Joel, el álbum fue clasificado en el número 67 en la revista Rolling Stone en la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Todas las canciones fueron compuestas por Billy Joel.
  1. "Movin' Out (Anthony's Song)" – 3:30
  2. "The Stranger" – 5:10
  3. "Just the Way You Are" – 4:50
  4. "Scenes From An Italian Restaurant" – 7:37
  5. "Vienna" – 3:34
  6. "Only the Good Die Young" – 3:55
  7. "She's Always a Woman" – 3:21
  8. "Get It Right the First Time" – 3:57
  9. "Everybody Has a Dream" – 9:08

  • Billy Joel - piano acústico, voces, teclados electrónicos, sintetizadores
  • Doug Stegmeyer - guitarra baja
  • Libertad DeVitto - tambores
  • Richie Cannata - tenor y soprano saxofones, clarinete, flauta, órgano, tuba
  • Steve Khan - seis y doce cuerdas de las guitarras eléctricas, acústicas guitarra rítmica, guitarra de cuerdas de alta
  • Hiram Bullock - guitarra eléctrica
  • Patrick Williams - orquestación
  • Ralph MacDonald - percusión en "The Stranger", "Just the Way You Are", "Get It Right The First Time" y "Everybody Has a Dream"
  • Hugh McCracken - guitarra acústica en "Just the Way You Are", "Scenes From An Italian Restaurant", "She's Always a Woman", "Get It Right The First Time" y "Everybody Has a Dream"
  • Steve Burgh - guitarra acústica en "Just the Way You Are" y "She's Always a Woman"; guitarra eléctrica en "Scenes From An Italian Restaurant"
  • Phil Woods - saxo alto en "Just the Way You Are"
  • Dominic Cortese - acordeón en "Scenes From An Italian Restaurant" y "Vienna"
  • Richard Tee - órgano en "Everybody Has a Dream"
  • Phoebe Snow - coros en "Everybody Has a Dream"
  • Lani Groves - coros en "Everybody Has a Dream"
  • Gwen Guthrie - coros en "Everybody Has a Dream"
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domingo, 8 de junio de 2014

SYSTEMATIC CHAOS - Dream Theater

Systematic Chaoses el noveno álbum en estudio de la banda de metal progresivo Dream Theater. Este álbum tiene la distinción de ser el primer disco de la banda grabado con Roadrunner Records. Producido por Mike Portnoy (batería) y John Petrucci (guitarrista), y escrito y grabado en Avatar Studios en Nueva York y con Paul Northfield como ingeniero de sonido, la mezcla de Systematic Chaosse hizo en el Día de San Valentín. El anuncio de la lista de canciones junto a su última masterización se realizó el 21 de febrero, para luego ser lanzado el 5 de junio. Junto al CD, existe una edición especial, donde se encuentra el álbum normal, y un DVD que contiene Systematic Chaosgrabado en sonido 5.1 y un documental de 90 minutos de duración llamado Chaos in Progress - The Making of Systematic Chaos.

Según declaraciones de Mike Portnoy, hubo pocas razones para dividir "In the Presence of Enemies" en dos partes; una de ellas por considerar una buena manera de comenzar el álbum, así como finalizarla, mientras aún es una sola canción, lo que hace que tenga la duración de 25:38 minutos, convirtiéndose en la segunda más larga composición hecha por Dream Theater.
Cincuenta fans neoyorquinos de la banda tuvieron la oportunidad de grabar coros en "Prophets of War", así como en "In the Presence of Enemies Pt. 2". Repentance, la quinta pista del álbum, representa los pasos 8 y 9 de los doce pasos del programa de Alcohólicos Anónimos, precedida por The Root of All Evil en Octavarium. El 25 de diciembre del 2006, Mike Portnoy mostró un videoclip de 6 minutos de duración bajo el nombre de "Pumpkin King", que más tarde tomaría el nombre de "In the Presence of Enemies".
En los créditos se menciona a Joe Satriani, Steve Vai, Daniel Gildenlöw y Neal Morse que aparecen por cortesía de sus respectivas discográficas. Ellos ponen algunas de las voces que se escuchan en "Repentance". Sin embargo en dicho tema se mencionan otros músicos y/o cantantes como invitados especiales: Mikael Åkerfeldt, Jon Anderson, David Ellefson, Steve Hogarth, Chris Jericho, Corey Taylor y Steven Wilson, que no figuran en los créditos finales.
La canción "Constant Motion" viene incluida en el contenido descargable de los juegos Rock Band y Rock Band 2, y está situada en el último nivel del juego, ya que algunos fans de Dream Theater y gamers que frecuentan este tipo de juegos concuerdan que es la canción más difícil del juego, debido al número de notas que se ejecutan en la parte del solo de guitarra.
De acuerdo a Mike Portnoy, en una entrevista brindada a Tama(empresa dedicada a la fabricación de instrumentos de percusión), describe al álbum como: "Técnico y pesado, poderoso y dinámico. Todos los elementos que los fans esperan de un álbum de Dream Theater. Todos los estilos y sonidos están intactos, pero quisimos hacerlo como una gran explosión sonora. Es muy dramático y agresivo".

El álbum alcanzó el top veinte en las listas de ventas de ocho países; además, el álbum alcanzó la decimonovena posición en el Billboard200 , lo que es el pico más alto del álbum de Dream Theater en los Estados Unidos hasta el lanzamiento de Black Clouds & Silver Linings(2009), que debutó en la sexta posición. Recepción de la crítica del álbum fue en general positiva; Jon Eardley de MetalReview.com comenta de la banda, "sin duda la banda más consistente a lo largo de todo el rock progresivo / metal de la industria".

John Petrucci escribió la letra de cinco de las ocho canciones del álbum, diciendo una ficticia historia a través de cada uno de ellas:
  • La primera pieza grabada, la epopeya de veinticinco minutos "In the Presence of Enemies", fue descrita por Petrucci como la "personificación de una creación Dream Theater". Luego pasó a describir la composición como "muy progresista, muy larga "; señalando también que dio un buen tono para escribir y grabar el resto del álbum. Es la grabación más larga, ya que "Six Degrees of Inner Turbulence", se dividió en dos partes, debido a que tiene una buena apertura y cierra el álbum al mismo tiempo. Según Portnoy, la banda sintió que era demasiado tiempo para abrir el álbum, pero no quería cerrar el álbum con una canción larga, como lo habían hecho con la canción que da título veinticuatro minutos de su último álbum Octavarium (2005). El duology se juega normalmente en su totalidad en shows en vivo. Durante la grabación, el trabajo se titulo: "El Rey de la calabaza". La historia de "In the Presence of Enemies" fue inspirada por un coreano manhwa llamado Sacerdote, como Petrucci explica que al no ser un fan del manga, precisamente, "[...] sin embargo a mí me gusta. Éste, me tropecé y me gustó mucho el contenido. Esto me inspiró a tomar un enfoque diferente lírica-mente. Hay que mantener las cosas interesantes por sí mismas al escribir nuevo material, así que sólo hice esto y corrí con él. [...] ese tipo de letra es divertida ? escribir, ya sabes el asunto del sujeto oscuro, el oscuro maestro ... stuff es otra manera de escribir, una nueva para mí". También resume las letras: "Es una historia acerca de alguien que se pierde a sí mismo y las luchas finales con la oscuridad, simbolizado por el Maestro Oscuro. Y la historia termina siendo realmente dentro de la oscuridad y pasa a través de las diferentes caras donde él tiene que luchar contra los demonios y cosas como esas.
  • Sobre "Forsaken" Petrucci dijo que es una historia contada a través de una "estructura de canción corta". La canción habla de una persona que es visitada por la noche por una vampiresa . Mientras que el hombre piensa que está mostrando "cosas hermosas", en realidad está perdiendo su sangre succionada por la vampiresa. Una animación de videos musicales de "Forsaken", producida por Gonzo y dirigida por Yasufumi Soejima, fue lanzado el 26 de Enero (2008). La banda dejó a Soejima libertad artística con el diseño del video, que se estableció en un futuro de ciencia ficción. Durante la producción del álbum, el título de trabajo para esta canción era "Jet Lag", y fue la sexta canción por escribir.
  • "Constant Motion" fue lanzada como el primer sencillo del álbum el 27 de abril de 2007, se hizo por primera vez disponible como una descarga gratuita el mismo día por Roadrunner Records; se podría encontrar en la sub-página web de Roadrunner Records 'Dream Theater por un tiempo limitado. Esta canción también fue echa para descargar en el videojuego musical Rock Band. La canción es considerada como una de las canciones más duras disponible para el juego en la guitarra y los tambores. Su título de trabajo fue "Korma Camaleón", y fue la segunda pieza escrita. La canción también fue acompañada por un video musical, el primero que la banda había producido en más de una década. El videoclip se estrenó el 13 de julio de 2007 y fue lanzado como una descarga gratuita, en dos formatos diferentes, también por un limitado tiempo. La banda no había producido un video musical desde "Hollow Years" en caer en infinito (1997), citando la falta de interés y la falta de rotación en canales de música para el segundo. El vídeo recibió considerable airplay en MTV2 Headbangers Ball y fue votado como el segundo mejor video musical del año 2007 por el mismo; podría decirse que es el vídeo más popular de Dream Theater despues de "Pull Me Under"en 1992.
  • Petrucci escribió las letras de "The Dark Eternal Night", sobre un faraón que ha regresado después de la latencia como un monstruo. Las letras son muy influenciadas por el cuento Nyarlathotep de American ficción de horror por el escritor HP Lovecraft, incluso préstamos una gran cantidad de frases específicas de esta historia. La canción contiene una improvisación continuada en solitario, realizado por Rudess mientras se están grabando las pistas de batería; los miembros de la banda le gusta el solo lo suficiente para mantener en la grabación final. En la edición de octubre 2010 de la revista Guitarra total, sus lectores votaron el riff principal de "The Dark Eternal Night" como el cuarto mejor riff de la década. Durante la realización de la canción, el título fue: "NADS" ("Norte American Dream Squad") y fue la quinta canción por escribir. La expansión, la sección media progresista no apareció en edición original de la canción, pero se basa en un riff que Rudess, se le ocurrió en la sala de control cuando se escucha la sección instrumental original, más conservador. "Yo estaba debatiendo si debia siquiera tocar el tema, pero luego me puse valiente y dije ¿Sabes, tengo esta extraña idea". El Dark Eternal Night fue la segunda de dos canciones para el público en general antes del lanzamiento del álbum, con un vídeo en el estudio se libero a YouTube en Mayo 2007.
  • Portnoy escribió "Repentance"como la cuarta parte de su suite de doce pasos, una colección de canciones de varios álbumes de Dream Theater que giran en torno a su viaje a través de Alcohólicos Anónimos. La canción habla de los pasos ocho y nueve del proceso, que tratan de hacer una lista de personas a las que uno ha tratado mal y, si es posible, reconciliarse con ellas. Portnoy, quien a partir de 2007 había estado sobrio siete años y medio, diciendo esto sarcásticamente. Mikael invita a sus amigos y colegas músicos, Jon Anderson, David Ellefson, Daniel Gildenlöw, Steve Hogarth, Chris Jericho, Neal Morse, Joe Satriani, Corey Taylor, Steve Vai, y Steven Wilson para grabar spoken apologies, regrets, and sorrows of their own, que se ofrece a través de la canción. Portnoy dedicó "Penediment", "a Bill W. y a todos sus amigos." Durante la grabación, el título de la pista era "ull de peix" y fue la séptima canción para ser escrita. Esta saga se concluyó en el décimo álbum de estudio de la banda de Black Clouds & Silver Linings con "The Shattered Fortress".
  • "Prophets of War" fue escrita por James LaBrie, que basó las letras en el libro La política de la verdad de Joseph C. Wilson. Las letras hablan de posibles motivos ocultos detrás de la guerra de Irak, sin dejar de ser "medio de la carretera ", el título es un juego de palabras, donde los "profetas" de la guerra, también podrían estar ganando una "ganancia" de la guerra. Durante la grabación de la canción, Portnoy sugirió que aficionados pudieran expresar ciertos cantos líricos. En respuesta a un mensaje publicado en el sitio web de la banda cuatrocientos aficionados se congregaron frente al estudio de grabación para grabar el canto, sin embargo, sólo sesenta pudieron encajar en el estudio. El título de la pista durante la grabación fue "Babies carpet" y fue la tercera canción para ser escrita.
  • "The Ministry of Lost Souls" con 14:57, es la pista más larga del segundo álbum. A través de la letra de la canción, Petrucci expresa de una persona que muere en el proceso de salvar a una mujer de morir ahogada. Sin embargo, la mujer se guarda se llena de "pesar y dolor" hasta que ella es capaz de volver a unirse con su salvador. El título de la pista durante la grabación fue "Lisp de Schindler" y fue la cuarta canción a escribir.

Toda la música compuesta por Dream Theater.
  1. "In the Presence of Enemies Pt.1" (9:00) Letras por John Petrucci
    • I. "Prelude" (Instrumental)
    • II. "Resurrection"
  2. "Forsaken" (5:36) Letras por John Petrucci
  3. "Constant Motion" (6:55) Letras por Mike Portnoy
  4. "The Dark Eternal Night" (8:51) Letras por John Petrucci
  5. "Repentance" (10:43) Letras por Mike Portnoy
    • VIII. "Regret" - 7:08
    • IX. "Restitution" - 3:35
  6. "Prophets of War" (6:01) Letras por James LaBrie
  7. "The Ministry of Lost Souls" (14:57) Letras por John Petrucci
  8. "In the Presence of Enemies Pt.2" (16:38) Letras por John Petrucci
    • III. "Heretic"
    • IV. "The Slaughter of the Damned"
    • V. "The Reckoning" (Instrumental)
    • VI. "Salvation"





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