Jim Morrison

“Hey, escucha. Yo solía pensar que todo era una gran broma. Yo pensé que era algo para reírse de ello, y el último par de semanas conocí a algunas personas que estaban haciendo algo. Ellos estaban intentando cambiar el mundo y yo quiero unirme al viaje. Yo quiero cambiar el mundo”.

Janis Joplin

“Sí, somos feos, pero tenemos la música”. Su voz era tan rebelde como su espíritu, imposible de domar.

Jimi Hendrix

"Cuando el poder del amor supere el amor al poder el mundo conocerá la paz".

Iggy Pop

“Aquí, o estás abajo, muerto de hambre, o en la cima, convertido en juguete popular”.

Bob Marley

“La gente que esta tratando de hacer este mundo peor no toman ni un día libre, ¿como podría tomarlo yo? ilumina la oscuridad”. Dijo esto después de recibir un tiro de pistola, siguió con el concierto que había iniciado.

George Harrison

"La vida es un largo enigma mi amigo, así que siga leyendo, siga leyendo, la respuesta está al final".

viernes, 7 de junio de 2013

DISCOVERY - Electric Light Orchestra

Sábado tarde, 17 horas, Televisión Española, de improviso en un programa musical de éxito ( por aquella época había esa rara avis) aparece un plantillo volante de colores azul, rojo y azul con un emblema ELO. Para aquellos criados bajo el influjo de la serie Star Wars era algo espectacular, máxime cuando de improviso suena a todo trapo un riff de guitarra con efectos especiales y un bajo de sonido disco machacando la neuronas como un regimiento de caballería.
SHINE A LITTLE LOVE. Un par de días después DISCOVERY con esa portada doble con su Aladino (que no se que pintaba con el rollo futurista) entraba por la puerta de casa para jamas abandonarla.
DISCOVERY así llamado por su marcada orientación disco es el octavo disco de la banda ,liderada con mano de hierro por JEFF LYNNE, ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA.. Jeff tiene la facultad de ser detestado o amado sin termino medio. Su innata capacidad de convertirse en el personaje hortera de cada época es indudable. En los 60 parecía un Clapton de medio pelo, en los primeros 70 tuvo que largar a Roy Wood por cuanto éste si tenia estilo, y por fin en los 80  iba a la moda con esos rizos y gafas pero unos tales BEE GEES le demostraron que las camisas abiertas y pelo en pecho y los grandes taconazos sólo eran para los elegidos. La aparición de DISCOVERY desató un tremendo rechazo del sector rock critic que hasta la fecha venía aceptando las maniobras de Jeff a los mandos de su nave (no les quedaba más remedio pues  su disco previo Out of The Blue era una obra maestra). Recuerdo como si fuera hoy aquel número del Vibraciones (la revista musical sesuda de la época ) con la crítica de un tal Antonio de Miguel que debe estar en el ranking de las  más duras jamas publicadas sobre un grupo dedicando las 8 paginas centrales del número a denostar todos y cada uno de sus discos. La orientación disco music significó la base del despreció a nivel critico que no a nivel comercial del disco y grupo. Desprecio que en bastantes sectores todavía se mantiene.
Ahora bien si perdéis media hora de vuestro tiempo en ver el vídeo anexo podréis entender que el álbum se mantenga a mi criterio como uno de las más excitantes discos de pop publicados.
El primer tema SHINE A LITTLE LOVE es un brutal hit single, CONFUSION un homenaje a Mccartney de los 70 (wings at the speed at the sound, silly love songs), NEED HER LOVE una preciosa balada imitada por gente como Cheap Trick , THE DIARY OF HORACE WIMP tal vez el tema que mejor recrea el universo beatle tras su disolución. LAST TRAIN TO LONDON mi canción favorita para arrancar un FIEBRE DEL SABADO NOCHE, MIDNIGHT BLUE el siempre recuerdo al clásico Roy Orbison ( Me preguntó existirían los Travelling Wilburys sin esta canción y sonido ), ON THE RUN mi favorita, una tremenda popsong , WISHING , otravez Mccartney y para terminar otro pelotazo DON´T BRING ME DOWN Groossssssssssssssss.

Para los detractores del grupo, gente tan seria como  Randy Newman en 1980 tras el increíble y masivo exito de Discovery les dedico el tema STORY OF R¨NR BAND que si bien en principio se consideró otra de las mordaces criticas de Randy . éste aclaró precisamente que era lo contrario hasta tal punto que el propio Jeff llegó a trabajar con él.


jueves, 6 de junio de 2013

THE CRY OF LOVE - Jimi Hendrix

En 1971 nadie aún lo sabía, pero la idea de publicar “un álbum póstumo” del guitarrista Jimi Hendrix perdería originalidad con el paso de los años. Sin embargo, The Cry of Love es, más que cualquier otro (exceptuando Rainbow Bridge, que funcionó como la segunda parte del disco que estamos abordando aquí), una propuesta legítima de lo que el guitarrista tenía concebido como un trabajo futuro.
Las grabaciones están con un alto grado de avance, lejos de las maquetas sobre-explotadas de lanzamientos futuros. Este iba a ser un disco llamado First Rays of the New Raising Sun (tal cual se lanzó en los noventas), bien pensado y casi perfectamente pulido. Y aquello se siente. Porque The Cry of Love es, por lejos, la mejor oferta de material inédito que alguna vez hayamos tenido de Jimi.
Queda claro al revisar el tracklist, y descubrir un par de clásicos de Jimi, que para todos los que llegamos a su música con años de retraso, tienen tan validez como los “Hey Joe”, “Purple Haze” o “Voodoo Child”. Hablamos de “Freedom” y, en especial, “Angel”. Cada una con su magia, y mostrando la amplitud de campos en los que Jimi era capaz de desarrollar su talento.
Aunque siempre vayamos a recaer en la referencia al Hendrix guitarrista, de cómo electrificó a una era, es un deber reconocer su calidad compositiva y la sensibilidad desarrollada a la hora de escribir baladas. “Angel” es sólo un ejemplo, porque The Cry of Love además ofrece otras exponentes de primera: “Drifting” y “Belly Button Window”.
La circunstancia hace que aquí Jimi no se haya hecho acompañar por una banda determinada, sino que los músicos van rotando de acuerdo al tema. Incluso así, no podríamos decir que el recorrido del álbum se nos hace inconexo, y esa es una gran sorpresa.
“Ezy Rider” es uno de los rocanroles más vertiginosos de la carrera del moreno innovador de Seattle. “Night Flying Bird” es menos estruendosa, retratando quizás cierta madurez sonora ausente en sus más vehementes trabajos con la Experience. Con “My Friend”, Hendrix deja en claro que en 1970, su composición ya estaba para mirar cara a cara a sus maestros. Y el de “Straight Ahead” es, quizás, lo más tradicional en la escuela del propio músico.
Si estas 10 pistas incluidas en The Cry of Love comparten una vibra común es algo que queda a criterio de cada uno. Pero lo que no se puede discutir es que cada una de ellas, por separado, tiene una orientación definida, y que se siente la mano de su autor en cada segundo. La revisión definitiva de la carrera de Jimi Hendrix no puede dejar pasar este trabajo, digno de pararse al lado de los que el legendario músico hizo en vida.


miércoles, 5 de junio de 2013

ODESSEY AND ORACLE - The Zombies

Hacia fines de los’60, los emblemas de la invasión británica marcaban su transición definitiva desde los flequillos mod, las letras de amor y el formato single a su etapa más expansiva y prolífica. Si Ray Davies había reemplazado las estruendosas guitarras de The Kinks por la máquina de coros pop y tambores militares de The Village Green Preservation Society, The Who había hecho lo propio con la pretenciosa ópera-rock Tommy. Mientras The Rolling Stones captaban el zeitgeist de las protestas estudiantiles con ‘Street Fighting Man’, The Small Faces sentaba las bases de la psicodelia británica con el esencial Odgen’s Nut Gone Flake. En un panorama cultural lleno de turbulencias, y donde no era raro que los medios llamados especializados antepusieran criterios vendedores sobre los propiamente musicales, muchas bandas no corrieron la misma suerte y vivieron condenados a un injusto plano secundario (The Action, The Hollies).
Dentro de este último grupo encontramos a The Zombies, un quinteto de la pequeña localidad de St. Albans que decidió separarse antes de registrar su segundo y último álbum, debido a los sucesivos fracasos de sus singles a nivel de ventas. El disco no logró revertir los números rojos de su compañía discográfica, pero sí entrar a la historia como una de las piezas más exuberantes e influyentes de la música popular. Su nombre: Odessey and Oracle.
Si los Beatles encarnaban la promesa del sueño americano, la breve historia de la banda liderada por el eximio tecladista Rod Argent demostró que no siempre el talento puede ir de la mano del éxito. Pese a que su primer single, la hermosa ‘She’s Not There’, debutó en un sorprendente segundo lugar en los charts estadounidenses, sus posteriores trabajos -incluido su primer LP, Being Here (1965)- pasaron sin pena ni gloria. Lejos de cultivar la imagen carismática de varios de sus coterráneos, hacia fines del’66 la banda decidió entrar al estudio por última vez, ajenos a las ataduras comerciales y la presión de productores. Gracias a la imaginería compositiva de Argent, un devoto de las armonías jazz, las intrincadas líneas del bajista Colin White y el susurrante timbre del vocalista Colin Blunstone, The Zombies dio origen a una estremecedora sinfonía de pop barroco y complejos juegos vocales capaz de remitir desde el soul hasta la psicodelia, la que, con los años, ha sido valorada como una de las cumbres de la segunda mitad de la década.
Grabado en los estudios Abbey Road, justo después que los Beatles terminaran Sgt.Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Odessey and Oracle despliega su universo de pop con las magistrales ‘Care of Cell 44’ y ‘Maybe after She’s Gone’, dos guiños irrefutables al impacto de un disco recién salido del horno como Pet Sounds. Pese a que el álbum carece de puntos bajos, es en los tracks más ocultos donde la banda alcanza su clímax de sensibilidad. Tal es el caso de ‘Beechwood Park’, una arenga melancólica ensalzada por los impecables arreglos de Argent y la guitarra de Paul Atkinson, y la épica ‘Butcher’s Tale’, cuya lírica remite a la historia de un soldado en plena guerra que haría sonrojar a bandas actuales como Green Day. El corolario perfecto lo pone ‘Time of the Season’, el tema que el productor de la CBS, Al Kooper, relanzó en formato single un año después en los Estados Unidos, con excelentes resultados. Si bien los Zombies ya habían firmado su final, la leyenda dice que muchas bandas amateur norteamericanas tomaron su nombre para hacer giras.
A la par con Forever Changes (1967) de Love, Odessey and Oracle es el eslabón perdido de los’60 y su influencia no sería reconocida hasta mucho tiempo después. Un clásico menospreciado, pero infaltable en los rankings de los mejores de todos los tiempos.


martes, 4 de junio de 2013

LOOK SHARP! - Roxette

Uno de los dúos más exitosos de los años ochenta ha sido Roxette. La dupla conformada por la vocalista Marie Fredriksson y el guitarrita Per Gessle alcanzó una enorme popularidad en los Estados Unidos y en el resto del planeta con el lanzamiento de su segundo disco de estudio: Look Sharp!
El primer encuentro entre Fredirsson y Gessle se produjo a fines de los setenta luego de que la cantante se uniera a Gyllene Tider, una de las más grandes bandas suecas de entonces y de la cual era miembro Per. En 1984 Fredriksson editó un disco como solista y contó con la colaboración de Gessle y luego Gyllene Tider lanzó The Heartland Café, un material íntegramente en inglés y que se convertiría en el último de esta agrupación. Fue entonces cuando Gessle decidió seguir su carrera acompañado de Fredriksson y por recomendación de la discográfica, el dúo cambió su nombre por el actual.
Bajo el nuevo nombre, Roxette grabó el sencillo “Neverending Love” que pronto se transformó en un hit en Suecia. Sin embargo, Pearls of Passion, lanzado en octubre de 1986 no obtuvo el mismo éxito internacionalmente.
Todo cambiaría para Roxette en 1988 con su segundo material de estudio. Desde el comienzo con “The Look” y ese clásico riff, el disco estaría destinado al éxito. “Dressed for Success” fue otro de los sencillos que invadió las radios por esos años y que aún se escuchan en varias emisoras cuando se recuerda a Roxette. Más adelante en el disco y se encuentran “Sleeping Single” que por momentos abusa demasiado de los sintetizadores y “Paint” como una interesante canción casi escondida.
Son “Dangerous” y “Listen to Your Heart” (una de las baladas por excelencia de los ochenta) los temas que cierran este buen disco que le permitió a Roxette alcanzar la cima a nivel local y despegar en el ámbito internacional.


lunes, 3 de junio de 2013

(MCMLXXXIV) 1984 - Van Halen


Tras sorprender a medio mundo con su fascinante Van Halen I y seguir por la misma senda con discos como Van Halen II, Women and Children first, Fair Warning o Diver down, Van Halen alcanzó altísimas cotas de popularidad con este maravilloso 1984, sin duda el álbum más vendido de la historia del grupo americano y quizás el que más problemas de elaboración generó. Diamond Dave nunca estuvo de acuerdo con el uso de los teclados que tanto gustaban a Eddie, por su parte Alex comenzaba a estar harto de la actitud de divo de Dave, tal cruze de egos propiciaría al año siguiente una de las separaciones más tristes de la historia del rock. A pesar de tantas disputas los cuatro amigos se sacaron de las manos un sensacional disco que pasará a la historia del hard rock.
La importancia de 1984 no solo reside en las millonarias ventas, sino también en que definitivamente éste es el disco de Eddie, el tío Van Halen hace de todo: experimenta con los teclados, se saca de sus portentosas manos uno de los solos más famosos de la historia en Jump y mete caña como nunca en cortes como Hot For Teacher, House of Pain o Girl gone Bad.
Tras dejar clara la ENORME calidad de Eddie pasaré a hablar de los temas:
El primer corte de nombre 1984 supone una improvisación de Eddie con los teclados cuyo final nos lleva a una conocidísima melodía radiada hasta la extenuación....si si, la archifamosísima Jump, canción que marcará la pauta del Hard Rock en la segunda mitad de los 80, es decir: Fiesta, fiesta y más fiesta. El solo de Eddie podría ser considerado como el más famoso de los 80 y uno de los más representativos de la música Rock.
Panama nos sumerge de lleno en el mundo VH, con una intro espectacular de Eddie y esos grititos de Dave Lee Roth que unidos al atractivo y pegadizo estribillo hacen de Panama una canción de puro Hard Rock y muy facililla de digerir por todo el mundo.
Top Jimmy y Drop dead legs tienen una estructura parecida, Eddie se vuelve a salir con sendos solazos, Dave canta como nunca antes lo había hecho, Michael Anthony y Alex Van Halen demuestran que sin ninguna duda son una de las secciones rítmicas más sólidas de la historia.
Tras estos temazos llega la que es para mi una de las canciones más Heavys que jamás han compuesto VH, la introducción por parte de Alex es BRUTAL, por enésima vez Eddie toca el Olimpo con sus inhumanos guitarrazos, Anthony solidísimo como siempre y Diamond Dave demuestra en este corte que el es el cantante más apropiado para Van Halen( que no el mejor cantante de la historia de Van Halen...honor que recae en el Red Rocker).
I'll Wait: En este tema vuelven a aparecer los teclados y por consiguiente los Van Halen más comerciales, esta canción tiene una melodía muy pegadiza y facilona que la convierte en apta par todas las radios, aun así ni mucho menos pierde la calidad típica de una canción de Van Halen.
Girl gone bad y House of pain son dos canciones cañeras, perfectas para poner fin a tal álbum rebosante de calidad y suponen la demostración de lo que son capaces de hacer estos cuatro monstruos del Rock. Eddie como en todo el disco...TREMENDO, Dave demostrando que también canta bien y sobre todo...que es un Showman de la ostia y Alex y M.Anthony vuelven a demostrar su solidez...en fin, un disco imprescindible para todo aquel que le guste el Rock.


sábado, 1 de junio de 2013

ON THE BOARDS - Taste

El guitarrista, vocalista y compositor irlandés Rory Gallagher, nacido el 2 de marzo de 1949 en Ballyshannon, es uno de los grandes mitos y talentos en la historia del bues-rock gracias a los sonidos proporcionados por su Fender Stratocaster Sunburst del 61.
El mismísimo John Lennon admiraba el trabajo de Rory y siempre intentaba no perderse las actuaciones de Rory en el Marquee con Taste, al mismo tiempo que, impresionado por Gallagher, afirmaba en una entrevista en 1969 concedida a New Musical Express que el terceto irlandés era un punto brillante dentro del sombrío panorama musical que se ofertaba en aquel momento.
Si eso expresaba en aquella época… ¿qué diría Lennon sobre el período actual? ¿Se suicidaría directamente tras escuchar las radiofórmulas con morralla variada y grupillos sin identidad ni actitud?
Gallagher, un fanático del blues americano que creció escuchando a leyendas como Muddy Waters o Johnny Lee Hooker y admirando a gente como Elvis Presley, Woody Guthrie, Beatles, Bob Dylan o Lonnie Donegan, creó en Cork en el año 1966, tras pasar por la Fontana Show Band (llamada después The Impact), la banda Taste, un conjunto que se trasladó a Inglaterra para probar fortuna después de actuar, como muchos otros conjuntos del contexto, en la ciudad de Hamburgo.
La primera formación del trío estaba completada por el bajista Eric Kitteringham y el batería Norman Damery, dos ex miembros del grupo The Axels, conjunto irlandés de R&B.
Taste, producidos por Tony Colton (posterior miembro de la banda Heads Hands & Feet), debutaron en vinilo con el single “Blister of the Moon”, aparecido en 1968 en el sello Major Minor.
Por esa época, Kitteringham y Damery habían dejado sus puestos al bajista Richard McCracken, quien pasó fugazmente por Spencer Davis Group, y John Wilson, batería que llegó a tocar con los Them.
En Polydor se edito el sencillo escrito por Rory “Born on the Wrong Side of the Time” y el LP “Taste” (1969), estupendo debut con un sonido cercano a Cream que incluía dos versiones, una de Leadbelly (“Leavin’ Blues”), y otra del cantante de country Hank Snow (“I’m Movin’ On”), tema que había sido interpretado por gente tan importante como Ray Charles, los Everly Brothers o Elvis Presley.
Este álbum fue continuado de manera espléndida por “On the Boards” (1970), disco que consiguió notables ventas en el Reino Unido, alcanzando el puesto número 18 en la lista de ventas gracias a temas como “What’s Going On”, “Railway and Gun”, “Morning Sun” o “It’s Happened Before, It’ll Happen Again”.
Las fricciones entre los componentes provocaron la marcha de Rory para emprender una fenomenal carrera en solitario.
En 1971 aparecía el directo grabado en Suiza “Live Taste” (1971), en donde se ponía de manifiesto la enorme capacidad guitarrera de Gallagher, y un año después “Live At The Isle of Wight” (1972), un disco que consiguió entrar en listas de ventas cuando la banda ya hacía tiempo que se había disuelto.



PHYSICAL GRAFFITI - Led Zeppelin

Magnífico album doble de Led Zeppelin, editado el 24 de febrero de 1975. Según la afamada revista Kerrang! es el album de heavy metal Nº 1 de la historia (ránking publicado en febrero de 1989). En realidad el reconocimiento de la revista hace honor a este gran trabajo de Robert Plant & compañía, que está repleto de temas nuevos con riffs y acordes demoledores.
Probablemente sea el álbum más variado y versátil de toda la carrera de Led Zeppelin, pues tiene composiciones de hard rock, rock and roll, baladas, acústicos, entre otros.
Mis favoritas:
The Rover, In My Time of Dying, Houses of the Holy, Kashmir, In The Light, Bron-Yr-Aur, Down by the Seaside, Ten Years Gone, The Wanton Song y Sick Again.
Breves comentarios de las mejores canciones:
The Rover es una de mis canciones favoritas no sólo de Led Zeppelin, sino de todo el hard rock. Tiene un riff espectacular, que no suena antiguo sino más bien atemporal, no obstante el transcurso de los años. La voz de Plant suena como pez en el agua. Espléndido tema.
In My Time of Dying con sus 11:08 de duración es el corte más extenso del album. Pero qué tema que nos regaló Jimmy Page, completamente adictivo, es un deleite para todo guitarrista que se respete. Su solo central es tan heavy como elaborado.
Houses of the Holy es la canción que debió incorporarse al album del mismo nombre, pero que por algún motivo recién fue editada como parte del Physical Graffiti. Tiene de los riffs más pagajosos de toda la trayectoria zeppeliana y una letra verdaderamente controversial. Extraordinaria.
Kashmir es la composición mística del Physical Graffiti, con arreglos árabes y un riff colosal de guitarra y teclados. Plant nuevamente se proyecta a las nubes con esa voz gloriosa e inconfundible. Esta debe ser una de las canciones más famosas de Led Zeppelin.
In The Light tiene un toque exótico en sus inicios, y continúa con una exhibición portentosa de John Paul Jones en los teclados, compañado por la voz de Plant. Luego se suman los demás instrumentos para conseguir un resultado francamente extraordinario que recuerda a canciones de sus dos primeros albums, más en onda blues. Excelente composición.
La tranquila instrumental de guitarra acústica titulada Bron-Yr-Aur es el perfecto preludio para Down by the Seaside, balada que debe ser de las mejores de Led Zep, cuyo riff siempre llamó mi atención, el cual suena hermosamente distorsionado. Plant se sale del cuadro en este tema, los coros dulces y el ritmo que le imprime John Bonham ponen el broche de oro. Descomunal.
Ten Years Gone es una composición hermosa de cabo a rabo. Se inicia suave con notas en guitarra acústica, piano y bajo. Luego se transforma en una especie de Stairway to Heaven pero mejorada. Excelente también.
The Wanton Song es la canción más pesada del Disco 2 de este Physical Graffiti, el riff es muy logrado y por momentos tiene arreglos que le dan un toque de avión sónico. Plant logra una performance superlativa, otra joya para la posteridad.
Sick Again es la cereza del pastel. Me sonaba algo disonante en las primeras escuchas que le di años atrás, pero en realidad tiene un riff y melodía muy especiales, se podría decir que resume todo el estilo zeppeliano en 4:40.
Para ser imparcial, debo mencionar que hay críticos que discrepan de la calidad de este album. Lo consideran insulso y hasta aburrido, punto de vista que obviamente no comparto.


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