CATCH A FIRE - Bob Marley and the Wailers

Catch a Firees el quinto álbum de estudio, y el primero con una gran discográfica, de la banda jamaicana de reggae Bob Marley & The Wailers, lanzado por Island Records en 1973. El álbum lanzó a la banda al estrellato mundial, y su líder Bob Marley se convirtió en una famosa figura de la música en todo el mundo. Las letras con conciencia social y el tono militante sorprendió a muchos oyentes, pero otros fueron atraídos por los los temas de confrontación de los compositores Marley y Peter Tosh, y la visión optimista de un futuro libre de opresión. El álbum logró los puestos nº 171 y nº 51 en las listas Billboard y Black Albums, respectivamente.

Indudablemente, la adhesiva delicadeza de las melodías de "Stir It Up" o "Kinky Reggae" encaja a la perfección, aun en sus versiones "sin adulterar", con el idioma pop de los 70. Al mismo tiempo, "Concrete Jungle", "Slave Driver" o "400 Years" (compuesta y cantada por Tosh) son canciones combativas que refieren a la historia de opresión y la confrontación con el poder establecido otorgaron al disco su cuota de credibilidad política. La sensible y exquisita voz de Marley, de la que percibimos hasta la mínima inflexión (y de ahí gran parte de su atractivo), es el centro de la gravedad emocional de estas canciones. El rango de los Wailers que, sin perder la propulsión de su ritmo, podía ir de la balada romántica al himno de barricada era, por lo menos, sorprendente. Marley componía y cantaba la mayor parte de los temas, pero este álbum es, claramente, la perfecta colaboración de una banda entre sí y con su productor.

Los críticos han catalogado a Catch a Firecomo uno de los mejores discos de reggae de todos los tiempos. Vik Iyengar de Allmusic comentó "Marley continuaraalcanzandoun gran éxito de crítica y público durante la década de los 70, Catch a Fireesuno de los mejores álbumes de reggae. Este álbum es esencial para cualquier colección de música". Rolling Stoneclasificó el álbum en el número 123 en su lista de 500 mejores álbumes de todos los tiempos, el segundo más alto de colocación para un álbum de reggae; sólo leyenda, un puesto más alto en el número 46. David Rodigan del semanario britanico El Espectador en 2012lo describió en el blog de artes como "simplemente, uno de los mejores discos de reggae que jamás se hayahecho".

Las primeras 20.000 copias del vinilo original de 1973, fueron diseñadas por los artistas gráficos Rod Dyer y Bob Weiner para revestir mecheros Zippo. La parte superior del encendedor se abría y se podía extraer el disco. Sin embargo, la industria de la época no permitía fabricarlo manualmente a esta escala ya que iba a incrementar sensiblemente el precio de un producto que debia ser para consumo masivo, por lo que se eligió la portada en la que Marley aparece fumando un porro. Pese a ello, algunas copias salieron al mercado, hoy en día son objetos de colección. La portada original se volvió a utilizar en 2001 para la edición de lujo.

Todas las canciones compuestas por Bob Marley, excepto donde se especifique.

Cara A

1. "Concrete Jungle" – 4:12
   
2. "Slave Driver" – 2:54
   
3. "400 Years" (Peter Tosh) – 2:45
   
4. "Stop That Train" (Tosh) – 3:55
   
5. "Baby We've Got a Date (Rock It Baby)" – 4:06
   

Cara B

1. "Stir It Up" – 5:30
   
2. "Kinky Reggae" – 3:36
   
3. "No More Trouble" – 3:56
   
4. "Midnight Ravers" – 4:57
   

• Peter Tosh - órgano , guitarra, piano, voz
  
• Bob Marley - guitarra, voz
  
• Bunny Wailer - bongos, congas, voz
  
• Aston "Family Man" Barrett - bajo eléctrico
  
• Carlton "Carlie" Barrett - tambores
  
• John "Rabbit" Bundrick - teclados, sintetizador, clavinet
  
• Wayne Perkins - guitarra
  
• Rita Marley coros
  
• Marcia Griffiths coros
  
• Tommy McCook - flauta
  
• Robbie Shakespeare - Bass Guitar (Concrete Jungle)
  
• Francisco Willie Pep - percusión
  
• Winston Wright - percusión
  
• Chris Karan - percusión
  

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BACK TO BLACK - Amy Winehouse

Back to Blackfue el segundo y último álbum de estudio de la cantante británica Amy Winehouse. Su primer lanzamiento principal fue realizado el 4 de octubre de 2006 en el Reino Unido. Por su parte, su promoción abarcó el lanzamiento de cinco sencillos que fueron: «Rehab», «You Know I'm No Good», «Back to Black», «Tears Dry on Their Own» y «Love Is a Losing Game», el primerode ellos fue elmás exitoso. En el mes de junio de 2007 se convirtió en un éxito, Nº 9 en Estados Unidos y tras ello, vendió 1,7 millones de descargas en el país, hasta el 23 de julio de 2011 Back To Black recibió críticas generalmente positivas por parte de los críticos de música, ganándose el elogio por sus influencias clásicas de Soul.

LaHiguera.netTras el éxito de Frank, Amy comenzó a pensar en lo que le gustaría hacer con su segundo álbum. Frank fue su álbum de lanzamiento y le supuso muchosfans en todo el mundo, haciendo que se convirtiera en una de las voces más distintivas del pop; era un disco de confesiones, elemental, y poseía la más rara de las combinaciones: humor y alma.

"Yo no quería hacer más jazz otra vez. Estaba aburrida de las estructuras de acordes complicados y necesitaba algo más directo. He estado escuchando mucha música de grupos de chicas de los cincuenta y los sesenta. Me gusta la simplicidad de aquella música. Da en la diana". Se puede escuchar en la sutil referencia a las Supremes en "Back To Black". Pero su búsqueda se extiende aún más allá. Mientras que los grupos femeninos de los sesenta por los cuales se ha sentido cautivada, contenían sus voces, Amy se libera con el estilo vocal de Aretha en "Just Friends" o en "Rehab". "Love is a Losing Game" es una composición moderna puramente clásica: breve y empapada de emoción. Otros puntos álgidos del disco incluyen la canción inspirada en Nas, "Me and Mr Jones", la "Wake Up Alone", "I’m No Good", la epifanía personal que nos habla de poder comportarnos tan mal como esos tipos que nos han causado daño y nos han dejado huella, y la cariñosa canción de estilo blues "Back To Black".

jenesaispop.com‘Back to black’, probablemente una de las canciones de amor más intensas que se hayan hecho jamás, desde los primeros acordes al piano pasando por el comienzo de la letra, que parece situarnos en un trágico lecho post-coital lleno de abandonos amargos, hasta ese final que vuelve, aunque no queramos, llevándonos “a la oscuridad de nuevo”. Pocas veces la decadencia ha sido tan adictiva y hermosa.

En este tema Amy es “la otra” y aunque lo sabe, no puede evitar volver a caer, pero esa bella suciedad se presenta de muchas formas a lo largo del disco. En ‘Just friends’, también el sexo y la culpa son protagonistas, mientras que en ‘You know I’m no good’ ella es la que engaña, y la canción nos la presenta primero interrogada y olfateada por su hombre , dice, “como si fuera un Tanqueray”, y finalmente desnuda en una bañera, en mala compañía. Escenas de gran dramatismo que se relajan en ‘Me and Mr Jones’, también conocida como ‘Fuckery’ (palabra cool donde las haya) o en la optimista ‘Tears dry on their own’, contrapunto a la pesimista ‘Love is a losing game’: puede que Amy haya perdido pero no habrá montaña lo suficientemente alta como para pararla.

El disco se cierra con ‘He can only hold her’ y ‘Unholy war’, que parecen canciones de apoyo de él hacia ella y de ella hacia él.

En la 50ª ceremonia de los premios Grammy, Back to Black ganó cinco premios, igualando el récord impuesto con Lauryn Hill, Alicia Keys, Beyoncé Knowles, Norah Jones y Alison Krauss por la mayoría de premios ganados por una artista femenina en una sola ceremonia. El álbum ganó Mejor Álbum Vocal Pop, mientras que «Rehab» ganó Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina, Canción del Añoy Grabación del Año', Winehouse ganó comoMejor Artista Nuevo. El álbum también fue nominado paraÁlbum del Año. A finales de 2011, Back to Black fue anunciado comoel álbum más vendido en el Reino Unido en el siglo 21 por la Official Charts Company, después de haber vendido 3,5 millones de copias en el Reino Unido.

Back to Black recibió la aclamación general de los críticos de música. Metacritic, que asigna una normalización de la calificación de 100 de las opiniones de los críticos principales, el álbum recibió un promedio de puntuación de 81, basado en 26 comentarios, lo que indica una "aclamación universal". John Bush de Allmusic le dio al álbum cinco de cinco estrellas y alabó la tradición musical de Winehouse, declarando "A pesar de que Back to Black hace ver su jazz de abandono y total que abarca el R&B contemporáneo, todas las mejores partes de su carácter musical emerge intacto, y en realidad, son todo lo mejor para la transformación de la vocalista de jazz a la sirena del Soul". Jake Henneman de Crawdaddy! denomina su música "sensual neo-soul y R & B".

Este álbum se colocó en el número cuarenta en la revista Rolling Stone de los 50 mejores álbumes de 2007. Chris Willman de Entertainment Weekly llamo a Back to Black el segundo mejor álbum del año 2007, al comentar que "Black llevará a cabo como uno de los CD vanguardista de nuestro tiempo ". Y añade: "Al final, es la cantante de la vida real de dolor por su esposo encarcelado, demuestra lo que es obvio a partir de las ranuras: Cuando canta sobre el amor, quiere decir cada palabra". Rolling Stone coloco a Back to Black en la lista de los 100 mejores discos de la década 2000-2009, clasificado como el álbum número veinte y en 2012, lo clasificó en el número 451 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Tras la muerte de Winehouse, el 23 de julio de 2011, las ventas del álbum se incrementaron drásticamente en todo el mundo. El álbum saltó al número uno en las listas de iTunes en casi todos los países. En su país natal, Reino Unido, el álbum volvió a entrar en las listas del Reino Unido el 24 de julio de 2011 en el número 59 en sólo siete horas de ventas tras el anuncio de su muerte. A la semana siguiente, el álbum se disparó de nuevo al número 1, que marca la cuarta vez que el álbum ha alcanzado el primer puesto.

Todas las canciones de Amy Winehouse, menos donde se indica.

1. Rehab – 03:34
   
2. You Know I'm No Good – 04:17
   
3. Me & Mr. Jones – 02:33
   
4. Just Friends – 03:13
   
5. Back to Black (Mark Ronson / Amy Winehouse) – 04:01
   
6. Love Is a Losing Game – 02:35
   
7. Tears Dry on Their Own (Nick Ashford / Valerie Simpson / Amy Winehouse) – 03:06
   
8. Wake up Alone (Paul O'Duffy / Amy Winehouse) – 03:42
   
9. Some Unholy War – 02:22
   
10. He Can Only Hold Her (Richard Poindexter / Robert Poindexter / Amy Winehouse) – 02:45
    
11. Addicted - 02:42
    

• Amy Winehouse: Guitarra, Voz
  
• John Adams: Fender Rhodes
  
• Troy Auxilly-Wilson: Tambores
  
• Victor Axelrod: Piano, Wurlitzer, Palmas
  
• Marcos Berrow: Violín
  
• Dave Bishop: Sax (Barítono)
  
• Raquel Perno: Viola
  
• Thomas Brenneck: Guitarra
  
• Chris Davies: Sax (Alto)
  
• Liz Edwards: Violín
  
• Richard Edwards: Trombón (Tenor)
  
• Binky Griptite: Guitarra
  
• David Chico: Trompeta
  
• Peter Hanson: Violín
  
• John Heley: Cello
  
• Ian Hendrickson-Smith: Sax (Barítono)
  
• Vincent Henry: Celeste, Clarinete, Clarinete (Bajo), Flauta, Guitarra, Piano, Saxofón (Alto), Sax (Barítono), Sax (Tenor), Saxofón
  
• Joely Koos: Cello
  
• Boguslaw Kostecki: Violín
  
• Andrew Mackintosh: Sax (Alto)
  
• Perry Mason: Líder, Orquesta Líder, Violín
  
• Nick Movshon: Guitarra (bajo)
  
• Everton Nelson: Violín
  
• Tom Pigott-Smith: Violín
  
• Anthony Pleeth: Cello
  
• Bruce Purse: Flugelhorn, Trompeta, Trompeta (Bajo)
  
• Johnathan Rees: Violín
  
• Salaam Remi: Piano, Bass, Bass (vertical), Batería, Guitarra, Guitarra (Bass)
  
• Frank Ricotti: Percusión
  
• Mark Ronson: Aplaudir, Palmas, Clips, Pandereta
  
• Steve Sidwell: Arpa, Trompeta
  
• Mike Smith: Sax (Tenor)
  
• Homer Steinweiss: Tambores
  
• Neal Sugarman: Sax (Tenor)
  
• Jamie Talbot: Sax (Tenor)
  
• Jon Thorne: Viola
  
• Christopher Tombling: Violín
  
• Helen Tunstall: Arpa
  
• Bruce White: Viola
  
• Kate Wilkinson: Viola
  
• Warren Zielinski: Violín
  

colaboración

• Cochemea Gastélum: Sax (Barítono)
  
• Peter G. Hanson: Violín
  
• Sam Koppelman: Percusión
  

Editado por: @sturGuiri

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DON´T BELIEVE THE TRUTH - Oasis

Don't Believe the Truthes el sexto álbum de estudio de Oasis, fue lanzado internacionalmente el 30 de mayo de 2005 y un día después en Estados Unidos. Este seria el segundo álbumde Oasis con Parental Advisory. El álbum se había demorado desde fines de 2003 y comienzos del 2004. Alcanzó el puesto nº 1 en los charts de álbumes del Reino Unido, y es comparado con Definitely Maybey (What's the Story) Morning Glory?. En su afortunado e inesperado resurgimiento, "Don't Believe The Truth" entró en los charts estadounidenses en el puesto nº 12, puesto que ningún otro álbum de Oasishabía alcanzado desde 1997 con Be Here Now. Cada miembro de la banda contribuyó a la composición de las canciones para el álbum y éste es el primer disco en el que interviene el baterista Zak Starkey, hijo del ex Beatle Ringo Starr. El primer single, "Lyla", alcanzó el número uno en los charts de singles del Reino Unido y figura como número diecinueve en los Modern Rock Tracks chart de Estados Unidos.

El disco lo abre Turn up the sun, firmada por el bajista Andy Bell. Siguiendo la línea Beatle de esta reseña, podríamos hablar del nuevo George Harrison del Abbey Road, ya que firma dos de los temas esenciales del álbum, este primero y Keep the dream alive; fantásticos.
El abanico sonoro que nosofrecen los Oasis es mayor de lo que estos chicos nos tienen acostumbrados. Noel Gallagher, el principal compositor de la banda británica, firma además del primer single: Mucky finger, un tema llevado por la batería y con armónica; The Importance of Being Idle, uno de mis favoritos, con unas cuerdas excelentes; Part of the queue, con una melodía que parece haber salido de uno de los mejores temas de la historia de la música, el Golden brownde The Stranglers; y el tema de despedida, un himno: Let There Be Love.

El disco ha vendido cerca de 7 millones de discos alrededor del mundo siendo, desde Be Here Now, el álbum más vendido de Oasis. Para promocionar el disco la banda embarco una gira mundial, la cual comenzó en el London Astoria y los llevó a tocar para más de 3.2 millones de personas en 113 conciertos en 26 países en la denominada "Don't Believe the Truth Tour". El resultado de esta gira fue el DVD Documental Lord Don't Slow Me Down.

En 2008 el álbum fue nombrado por como el 14º mejor álbum británico de los últimos 50 años en una encuesta publicada por Q Magazine y HMV.

1. Turn Up the Sun (Andy Bell) – 3:59
   
2. Mucky Fingers (Noel Gallagher) – 3:56
   
3. Lyla (N. Gallagher) – 5:10
   
4. Love Like a Bomb (Liam Gallagher, Gem Archer) – 2:53
   
5. The Importance of Being Idle (N. Gallagher) – 3:40
   
6. The Meaning of Soul (L. Gallagher ) - 1:43
   
7. Guess God Thinks I'm Abel (L. Gallagher) – 3:25
   
8. Part of the Queue (N. Gallagher) – 3:48
   
9. Keep the Dream Alive (Bell) – 5:46
   
10. A Bell Will Ring (Archer) – 3:08
    
11. Let There Be Love (N. Gallagher) – 5:29
    

• Liam Gallagher - voz principal, pandereta
  
• Noel Gallagher – guitarra, coros, guitarra baja
  
• Andy Bell - bajo, guitarra, guitarra acústica
  
• Gem Archer - guitarra rítmica, bajo teclados, armónica
  

Personal adicional

• Zak Starkey - tambores, excepto en la pista 2
  
• Lenny Castro - percusión (pista 7)
  
• Martin Duffy - Piano (pista 4)
  
• Terry Kirkbride - batería (pista 2)
  
• Henry Phillpotts - asistente de mezcla (pista 2)
  
• Pablo Strangeboy 'Stacey - mezclado (pista 2), piano y mellotron (track 11)
  

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THE FINAL CUT - The Pink Floyd

The Final Cutes el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Se lanzó al mercado en marzo de 1983 a través de la compañía discográfica Harvest Records en el Reino Unido y varias semanas después a través de Columbia Records en Estados Unidos. Se trata de un álbum conceptual y es el último de la banda en contar con la participación de Roger Waters, quien aparece acreditado como compositor y letrista de todas las canciones del disco. La mayoría de ellas cuentan con la voz de Waters como vocalista principal; el guitarrista líder David Gilmour aporta su voz a sólo una de las doce canciones del disco, "Not Now John".

The Final Cutse planeó como banda sonora para la película de 1982 Pink Floyd The Wall. Recién comenzada la guerra de las Malvinas, Waters la convirtió en una crítica a la guerra, además de tratar lo que él consideraba la traición para con su padre. Repitiendo el estilo de ópera rock de su predecesor, The Wall(1979), se grabó en ocho estudios distintos de Inglaterra, entre julio y diciembre de 1982. Al igual que en la mayoría de la discografía de Pink Floyd, se contrataron una gran cantidad de músicos de sesión como colaboradores, aunque la grabación del mismo estuvo dominada por la creciente tensión entre Waters y el resto de la banda, especialmente Gilmour. El diseño artístico corrió a cargo de Waters, reflejando el contenido del álbum. The Final Cutllegó a lo más alto de la lista británica de álbumes, aunque recibió críticas mezcladas. Más adelante se lanzó un cortometraje para acompañar el disco.

Después del lanzamiento del álbum cada miembro de la banda se concentró en sus proyectos en solitario, aunque poco después Waters anunció que dejaba el grupo, además de intentar que Gilmour y el batería Nick Mason nunca volviesen a utilizar el nombre de Pink Floyd. Con posterioridad Gilmour ha expresado en varias ocasiones su desagrado con gran parte de The Final Cut, muchas veces viéndose como una obra en solitario de Waters. Ninguna de las canciones del disco han sido tocadas en directo por Pink Floyd, aunque algunas sí ha tocado Waters en sus giras en solitario.

The Final Cut es un álbum conceptual antibélico con elementos de ópera rock. Las letras de Waters exploran lo que él considera la traición hacia los militares británicos caídos, como su padre, quienes durante la Segunda Guerra Mundial sacrificaron su vida por el espíritu del sueño de la posguerra. Este "sueño" era que la victoria haría del mundo un sitio más pacífico, en el cual los mandatarios no querrían volver a entrar en disputas bélicas. Las letras son críticas contra Margaret Thatcher, cuyas políticas y decisiones fueron vistas por Waters como un ejemplo de traición. Se refiere a ella como "Maggie" a lo largo del álbum.

A excepción de la pista introductoria, "The Post-War Dream", la primera cara es una ópera rock corta que trata sobre la difícil situación mental de un veterano de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista se convierte en un profesor de escuela abusivo y a lo largo de las cinco siguientes pistas ("Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Hero's Return", "The Gunner's Dream" y "Paranoid Eyes") se examina su vida en detalle después de la guerra, centrándose en la depresión consecuencia del trastorno por estrés postraumático. Se va alejando de su esposa y le persigue la memoria de la muerte de sus compañeros soldados, incluyendo las últimas palabras de un artillero oídas a través de un interfono. En un deseo de volver a controlar su vida, paga sus frustraciones con sus alumnos. Este personaje ya había aparecido anteriormente en el álbum previo de Pink Floyd, The Wall, donde se le achaca haber abusado del protagonista en su etapa escolar. En la narrativa de The Wall, específicamente en la canción "The Happiest Days of Our Lives", tiene una esposa "psicopática", quien le apalizaba a menudo. El tema vuelve a aparecer en "The Hero's Return" como una sensación de alienación que siente el veterano hacia su mujer y sus alrededores. La porción de ópera rock del disco acaba con "Paranoid Eyes", en donde el veterano se refugia en el alcohol, eligiendo así ocultar sus verdaderos problemas al resto del mundo.

La segunda parte del álbum trata sobre varios temas bélicos. "Southampton Dock" es un lamento dedicado a los héroes de guerra que regresan y para los soldados que se encaminan hacia una muerte segura, mientras que "Not Now John" habla de la ignorancia de la sociedad hacia los problemas económicos y políticos. "Get Your Filthy Hands Off My Desert" trata sobre los sentimientos de Waters hacia la guerra y la invasión, y "The Fletcher Memorial Home" refleja sus fantasías sobre reunir a políticos como Leonid Brezhnev, Menachem Begin, Leopoldo Galtieri y Margaret Thatcher para ejecutarlos a todos. "The Final Cut" trata sobre las intimidades más profundas de Waters; la letra trata las repercusiones provenientes del aislamiento y las represiones sexuales, mientras intenta cometer suicidio y se esfuerza por reconectar con el mundo que tiene a su alrededor. El álbum termina con "Two Suns in the Sunset", una canción que retrata un holocausto nuclear, dando como resultado final un mundo obsesionado con la guerra y el control.

The Final Cutse lanzó en el Reino Unido el 21 de marzo de 1983 y llegó al puesto número uno de la lista de álbumes de ese país, algo que ni The Dark Side of the Moonni The Wallhabían logrado. Su lanzamiento en Estados Unidos el 2 de abril, sin embargo, tuvo menos éxito, llegando sólo al puesto número seis de la lista Billboard200. "Not Now John" se lanzó como sencillo y consiguió entrar en el UK Top 30, con el estribillo "Fuck all that" (Que jodan a todo eso) censurado y cambiado por "Stuff all that" (Que le zurzan a todo eso). A pesar de su éxito, el disco recibió reseñas mezcladas. Melody Makerdijo que era "un hito en la historia de lo horroroso...", mientras que el crítico de Rolling Stone'Kurt Loder lo vio como "esencialmente un álbum en solitario de Roger Waters...; un logro superlativo a varios niveles".

Con más de un millón de copias vendidas en Estados Unidos, la Recording Industry Association of America (RIAA) certificó The Final Cutplatino en mayo de 1983; consiguiendo la certificación de doble platino en 1997. A pesar de esto, The Final Cutfue el álbum menos vendido de Pink Floyd en Estados Unidos y el resto del mundo desde Meddle. Más adelante Gilmour reivindicó que este relativo fracaso comercial reafirmaba su comentario de que mucho del material que se encuentra en el disco era flojo.

Para acompañar al álbum, se lanzó un cortometraje llamado The Final Cut. La película, basada en una selección de canciones del disco. The Final Cut, a menudo es visto de factocomo un trabajo en solitario de Waters, debido a la combinación de la parcial ruptura de Pink Floyd y a la dominación lírica de Waters en el proyecto.

La compañía Hipgnosis, diseñadores de la mayoría del diseño artístico anterior de Pink Floyd, se había disuelto. Storm Thorgerson, miembro fundador, fue descartado para diseñar la portada, de lo que se encargó Waters, usando fotografías tomadas por su cuñado, Willie Christie. La portada muestra las amapolas típicas del día de los caídos y cuatro medallas de la Segunda Guerra Mundial sobre un fondo de tela negro. De izquierda a derecha las medallas son la Estrella de 1939-45, la Estrella de África, la Medalla de la defensa y la Cruz de vuelo distinguido.

Todas las canciones tienen a Roger Waters como vocalista principal, excepto "Not Now John" de David Gilmour y Roger Waters. Todas las canciones escritas y compuestas por Roger Waters.

Cara A

1. The Post War Dream – 2:55
   
2. Your Possible Pasts – 4:23
   
3. One of the Few – 1:24
   
4. The Hero's Return – 2:42
   
5. The Gunner's Dream – 5:20
   
6. Paranoid Eyes – 3:36
   

Cara B

7. Get Your Filthy Hands Off My Desert – 1:17
   
8. The Fletcher Memorial Home – 4:10
   
9. Southampton Dock – 2:13
   
10. The Final Cut – 4:43
    
11. Not Now John – 4:56
    
12. Two Suns in the Sunset – 5:22
    

• Roger Waters: voz principal, bajo, sintetizador, efectos de sonido, guitarra acústica, diseño portada, producción.
  
• David Gilmour: guitarra, voz, voz principal en "Not Now John".
  
• Nick Mason: batería, percusión.
  

Músicos adicionales

• Andy Bown: Hammond
  
• Ray Cooper: percusión
  
• Michael Kamen: piano, armonio.
  
• National Philharmonic Orchestra
  
• Andy Newmark: batería en "Two Suns in the Sunset".
  
• Raphael Ravenscroft: saxofón tenor
  

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THE SLIDER - T.Rex

The Slideres el séptimo álbum de estudio de la banda británica de glam rockT. Rex, publicado en julio de 1972 por el sello EMI Music para Europa y por Reprise Records para los Estados Unidos. Obtuvo el cuarto puesto en los UK Albums Charty la posición diez y siete en los Billboard Hot 100del mercado estadounidense. Para promocionar el trabajo, el sello EMI publicó con meses de anticipación los sencillos «Metal Guru», el que llegó al Top 1de la lista UK Singles Chart. Y «Telegram Sam», el que también obtuvo el puesto número uno en el Reino Unido y además ingresó en la lista Billboard Hot 200en el puesto sesenta y siete.

El estilo musical que se incluyó en el álbum, mantuvo en esencia el mismo sonido que su predecesor Electric Warrior. El género preponderante es el glam rock, el que se ve reflejado en canciones alegres y de contenido algo erótico, como también en la estética en las presentaciones de la banda, principalmente de Marc Bolan. Sin embargo y ya que Bolan no quería ser casillado en un sólo estilo, incursionó nuevamente en el hard rocky en el rock and roll, y en ciertos cortes agregó sonidos del proto punk. Además se realzó la guitarra eléctrica como introducción en algunos temas, tanto en canciones roqueras como en baladas. A su vez, los coros y los arreglos también tuvieron mayor protagonismo. Todosestos sonidos convirtieron al disco en uno de los más completos del grupo que ofrece energía rock, sensualidad, melodía orquestada con potentes piezas guitarreras, medios tiempos y cósmicas baladas (por ejemplo "Ballrooms Of Mars", canción versionada por Radio Futura). A destacar la trémula expresión de Marc Bolan y los fantasmagóricos apoyos vocales de Howard Kaylan y Mark Volman (miembros de los Turtles).

Durante la década de los noventa y la primera década del nuevo milenio, algunos escritores, sitios de internet y revistas, han incluido al disco en sus listas de "mejor de lo mejor". El sitio estadounidense Fast 'n' Bulbous, lo situó en su lista de los 500 mejores álbumes desde 1965 en el puesto 225. En 2005 el escritor Robert Dimery incluyó el álbum en su libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. El sitio Treblecolocó en el puesto número diez de su lista los mejores álbumes de los setentas por año. El medio escrito británico The Observerlo posicionó en la casilla número setenta y uno de la lista los 100 grandes álbumes británicos.

En 1999 la revista noruega Eggen & Kartvedt, lo agregó en su guía de los 100 álbumes importantes del rock. La crítica especializada japonesa lo ubicaron en la lista 200 álbumes esenciales. Por último, la revista brasileña Showbizz lo posicionó en el lugar cuarenta y tres en la lista 100 CDs de todos los tiempos.

El escritor Mark Paytress lo consideró como uno de los álbumes más completos del grupo, debido a su estilo musical y lo definió también cómo el disco que terminó de definir el glam rock. Su legado ha trascendido con el pasar de los tiempos, y es generalmente añadido en distintas listas sobre música.

La fotografía de la portada delantera y trasera del disco, fue acreditada al baterista y amigo de Bolan, Ringo Starr. Esta fue tomada el mismo día en que comenzó la grabación del documental sobre la banda, Born to Boogie. Sin embargo el productor del disco Tony Visconti, en su página web oficial al respecto mencionó: «...Marc me entregó su cámara Nikon y me pidió que disparara los dos rollos de película en blanco y negro, mientras estábamos en el set de Born to Boogie. Ringo el director del filme, estaba ocupado todo el día alineando las grabaciones. Pero aparentemente Marc vio una de las fotos de crédito y le dio la oportunidad».

Todas las canciones escritas por Marc Bolan.

1. Metal Guru – 2:25
   
2. Mystic Lady – 3:09
3. Rock On – 3:26
4. The Slider – 3:22
5. Baby Boomerang – 2:17
6. Spaceball Ricochet – 3:37
7. Buick Mackane – 3:31
8. Telegram Sam – 3:42
   
9. Rabbit Fighter – 3:55
10. Baby Strange – 3:03
11. Ballrooms of Mars – 4:09
12. Chariot Choogle – 2:45
13. Main Man – 4:14

• Marc Bolan: voz, guitarra eléctrica
  
• Mickey Finn: congos, bongos
  
• Steve Currie: bajo
  
• Mark Volmann: coros
  
• Howard Kaylan: coros
  
• Bill Legend: batería
  

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