MACHINE HEAD - Deep Purple

Los clásicos son los clásicos, pero hay veces que llegan a leyenda. Deep Purple es de esas bandas clásicas que han editado leyendas musicales del metal que siguen formando parte de un ritual interesante. Porqué no decirlo muchos hemos empezado a tocar la guitarra tocando los mismos 5 acordes de Smoke On The Water y incluso chuleando de saber tocar la guitarra, aunque luego te decían que tocaras una de Metallica y no había bemoles...

Lo que pasa es que uno currando en esto de la música no puede solo quedarse en esa canción tan mítica sino que se le tiene que hacer un homenaje a todo un disco. Todo un proyecto que empezó por un accidente en una sala y que acabo en 5 tios grabando en una habitación de hotel y incordiando a sus vecinos, pero no sin algo importante, muy importante entre manos.(ATENCIÓN, ALGUNOS CHISTES DE ESTE ANÁLISIS NO SON RECOMENDADOS PARA MENORES DE 18, DISCULPAD LAS MOLESTIAS).

Space Truckin'. Oh bendito sea Ian Gillan, cuando podía ser o el cantante mas elegante y chulillo, pero a la vez el mas arrollador con unos agudos que para muchas mujeres seria como el nivel de extasis sexual necesario como para cambiarlo por 2 cutre polvos. Simplemente uno al ver lo que hace este hombre, se imagina una pelea de gallos con Freddie Mercury, Ian Gillan y Robert Plant. Olvidaos del rockero de voz a lo papel de lija y apuntaos al carro de Mr.Gillan.

Lazy. Luego hay la posibilidad remota de si montas una banda llegar a hacer lo que puede llegar a Jon Lord con un teclado. Si acaso te vas pintando un teclado en los dientes y vas practicando... A parte en este disco da una sensación de ambiente de tragaperras impresionante como si te pierdes por las Vegas y empiezas a pasar por un local de música. Una fusión de Tragarock o Heavyperras, mmmm suena fatal un poco machista y salido. Dejemoslo en Heavy clásico con toquecillos de western.

Highway Star. Y otras cosas del mundo que nunco se deben hacer, infravalorar el curro de un bajista. Hay algunos de estos muchas veces tapado artistas, que son auténticos genios o que tienen un potencial enorme para hacer ritmos. Son el motorcillo de fondo que estan para salvar el especáculo, cuando un guitarrista que se pone chulo empieza a fallar, sea para rellenar las cagadas de este o darle un ostión con el bajo en la cabeza para que se comporte como un ser humano normal. En este caso Roger Glover, da un buen espectaculo de ritmo y adornos con su hacha con cuerdas.

Pictures Of Home. Detras escondidos tras un arsenal ametrallador y detras de algunas lianas que caen y algunas pajas mentales, esta el baterista de la banda un hombre que puede parecer un primitivo ser aporrea tambores. Pero lejos de la realidad se esconde un ser tremendamente agil de brazos y pies. Una diosa Shiva del instrumenteo, un ser que cuando toca Heavy casi tiene ansia de sangre. Ian Paice es el que lleva el arsenal mortifero, el que va con sus rifles y sus pistolas (si fuera Thrash pos ya hablariamos de armas como un tomahawk, una ametralladora o tu suegra). Un excelentíssimo trabajo del llamado "hombre de atrás".

Never Before. Ritchie Blackmore, otro de esos que cuando su madre estaba embarazada de el iba con el sobrepeso de una guitarra encima. Por decir algo sigue un poco el tono del gran Jimmy Paige, se guarda lo mejor para el mejor momento y cuando lo suelta te quedas haciendo los cuernos con la mano y hablando de algo parecido a un dios. Es de esos que en su orgullo piensan, ¡¡Paaj este riff es superbueno pero pa mi esto esta chupaaaado!! ¡¡Pa cuando venga el solo sus vais a cagar de lo bueno!!

Y alguno a estas alturas ya estará tirandose de los pelos y diciendo: ¡¡¡Ohhh desgraciado que no has puesto SMOKE ON THE WATER!!!. Pero antes de que saqueis la navaja, decir que este disco es muy grande, algo mítico que merece ser escuchado una y otra vez ya que si escuchais el disco original se os hará superbreve pero megaplacentero. Y no me enrollo mas que si no voy a tener que contestar muchas cartas de quejas.

>> gamefilia.com

Lista de canciones

Todas las canciones fueron escritas y compuestas por Deep Purple

1. "Highway Star" – 6:05
2. "Maybe I'm a Leo" – 4:51
3. "Pictures of Home" – 5:03
4. "Never Before" – 3:56
5. "Smoke on the Water" – 5:40
6. "Lazy" – 7:19
7. "Space Truckin'" – 4:31

Personal

• Ian Gillan - Voz
• Ritchie Blackmore - Guitarra
• Jon Lord - Teclados
• Roger Glover - Bajo
• Ian Paice - Batería

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ANOTHER DAYS BLUES - Robin Trower

Another Days Blues, es un nuevo álbum del legendario guitarrista de rock británico, Robin Trower. Como el título indica, este nuevo álbum se encuentra el hombre Procol Harum una sola vez en un estado de ánimo bastante bluesy con una colección de nueve auto-escrito y tres covers. De pie en el micrófono para la mayoría de las canciones es la cantante escocesa, Davey Pattison, acompañante de confianza de Trower durante la mayor parte de los últimos veinte años, y tal vez la única persona que ha llenado efectivamente el lugar de vocalista original de la banda, la gran tarde James Dewar.

Voces del rock, refinada y estridente de Davey proporcionan gran parte de la inspiración para esta colección y se convierte en algunas exquisitas interpretaciones sobre todo en "encrucijada" de Robert Johnson y Chuck Willis "se siente tan mal".

Pero Trower se hace cargo de la voz en dos canciones. 'Siglo 21 Blues' es un cadencioso asunto 12-bar con el estribillo tentador "me trae buenas noticias" y el respaldo más perfecto de Dave Bronze al bajo y Pete Thompson en la batería. 'Esto Blue Love' es la revelación pura con la voz de Trower en una liga muy diferente a cualquier cosa que alguna vez ha intentado antes. "Yo no quiero, yo no te necesito" canta casi un falsetto Sr. Trower.

Hazel Fernandez, estrella de la banda de gira de Jamiroquai 2005, es vocalista invitado de 'Buscando un amor verdadero' a los azules sabrosa aventura funk, con un riff pegadizo tambor proporcionado por Stevie Bacon.

Trower reúne un equipo de soporte de primera clase para este CD. Reg Isadore, el hombre baterista en el álbum de Robin firma del "Puente de los Suspiros" los setenta "se reencuentra con Trower en nueve de las canciones aquí. Órgano Hammond fluido de Nicky Brown domina la mayor parte de paisaje sonoro del álbum. En la mezcla de nuevo, Dave Bronze ha hecho un trabajo fabuloso perfectamente ponderación de las actuaciones de los nueve que emitan.

Trower se embarca en el camino de nuevo la próxima semana, su segunda gira por el Reino Unido este año. Estará respaldado por Davey Pattison, Pete Thompson y Dave Bronze. Esperemos que algo de 'Another Days Blues' lo hace en el setlist.

 

Después de un largo despido y, debe parecer toda una vida en la carretera en los Estados Unidos, Robin Trower hasfinally a casa. Muy recomendable.

 

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BEFORE WE WERE SO RUDELY INTERRUPTED - The Animals

En 1977 se produjo una de las reuniones más esperadas. Los integrantes de The Animals, dejando a un lado sus diferencias, luchas de poder, celos, distintos punto de vista, se juntaron para dejarnos este disco. El título se inspira en la primera frase utilizada por el periodista William Connor en el periódico británico Daily Mirror recién finalizada la ll Segunda Guerra Mundial “As I was saying before I was so rudely interrupted”.

La andadura del grupo comenzó en 1962 en Newcastle cuando al incorporarse

Eric Burdon al grupo de Alan Price Rhythm and Blues Combo, desde ese momento pasaron a llamarse The Animals. De la mano del manager de The Yardbirds ( Giorgio Gomelsky) se instalaron el Londres en 1964 e inmediatamente conocieron al productor Mickie Most, el cual impresionado por la calidad del grupo les propuso grabar con la compañía EMI dando comienzo a su leyenda. Posteriormente sería el bajista del grupo, Chas Chandler, quien produjera los discos, pero ésa es otra historia.
Este álbum fue recibido con distintas sensaciones por parte de la crítica especializada, ya inmersa en la rueda de las nuevas tendencias, y por su parte la compañía no apoyó la salida del disco, por lo que pasó desapercibido para la mayoría del público. Sí fue bien recibido por los seguidores del grupo y podemos considerar que su éxito se produce con la consideración de que sus moderadas ventas se mantuvieron durante un largo periodo.
 
En cuanto al contenido… hay que escucharlo. Un Burdon desmelenado, poderoso, con una energía imparable que se queda grabada en la memoria, deja la obra al margen de los antiguos problemas de la banda: ¿Quién iba a escribir la mejor canción? ¿Quién iba a hacer el próximo hit?. Permanece solamente el lema “las canciones tienen más posibilidades de ser universales cuando se tocan de verdad”.
Más tarde tuve oportunidad de trabajar (por separado) con Alan Price y Eric Burdon. Ambos estaban satisfechos con el resultado de la producción de Chandler y la aportación de Hilton Valentine, John Steel y el propio Chandler.
Lo dicho, escuchad este disco. Quienes lo hagáis por primera vez os daréis cuenta de que, una vez entre sus canciones, es como conducir sin tener que preocuparse por aparcar. Talento en estado puro.

>> elpulso.es

Cara A

1. "Brother Bill (The Last Clean Shirt)" ( Jerry Leiber , Mike Stoller , Clyde Otis ) - 3:18
   
2. " It's All Over Now, Baby Blue " ( Bob Dylan ) - 4:39
   
3. "Fire on the Sun" (Shaky Jake) - 2:23
   
4. "As the Crow Flies" ( Jimmy Reed ) - 3:37
   
5. " Please Send Me Someone to Love " ( Percy Mayfield ) - 4:44
   

Cara B

1. " Many Rivers to Cross " ( Jimmy Cliff ) - 4:06
   
2. " Just a Little Bit " ( John Thornton , Ralph Bass , Earl Washington , Piney Brown ) - 2:04
   
3. "Riverside County" ( Eric Burdon , Alan Price , Hilton Valentine , Chas Chandler , John Steel ) - 3:46
   
4. " Lonely Avenue " ( Doc Pomus ) - 5:16
   
5. " The Fool " ( Sanford Clark ) - 3:24
   

• Eric Burdon - voz
  

• Alan Price - teclados
  

• Hilton Valentine - guitarra
  

• Chas Chandler - bajo
  

• John Steel – bateria
  

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RED - Taylor Swift

Que Taylor Swift quiere dejar de ser la princesa country para convertirse en estrella del pop nos quedó claro desde que escuchamos por primera vez We Are Never Ever Getting Back Together. Desde que empezó, sus discos han tenido un éxito enorme en Estados Unidos y especialmente entre el público country. Sin embargo, no ha conseguido extenderlo más allá de su país y solo de forma tibia entre el sector no demasiado interesado en lo que se cuece en Nashville.

Con Red, Taylor va a intentar cambiar esta situación. Sin comprometer sus raíces country –aunque tampoco nos engañemos, lo suyo siempre ha sido más bien un country-pop-, ha probado otros sonidos. Y el resultado ha sido positivo.

I Knew You Were Trouble es el mejor ejemplo de que Taylor se ha abierto a nuevos géneros. Su incursión en el dubstep viene de la mano de Max Martin y Shellback, que la han ayudado a dejarse llevar por las modas en este buen experimento que mantiene la esencia pop-rock de la cantante. Los dos productores también aparecen en We Are Never Ever Getting Back Together, uno de los éxitos incontestables del año. Un estribillo pegadizo y divertido y unas estrofas habladas hacen que se recuerde desde la primera escucha y que se quiera poner en “repeat”. En esa línea de pop sin complicaciones está 22, en la que Taylor anima a disfrutar del momento sin pensar en nada. Y realmente lo consigue con uno de los temas más eficaces del álbum.

Red supone un acertado coqueteo con la electrónica (irresistible el momento “R-r-red” del estribillo), mientras que en State Of Grace opta por un rock suave con una batería intensa y unos buenos punteos de guitarra. Mejor que el country-rock acelerado de Holy Ground, que aun así funciona bien como corte de disco. En The Last Time colabora con Gary Lightbody de Snow Patrol. Si a ello se le suma que la producción ha corrido a cargo de un habitual de los discos del grupo, es normal que Taylor suene a los escoceses. Y no es malo. La canción tiene cierta épica, un punto de dramatismo y un buen puente. Otra aparición estelar, la de Ed Sheeran, supone un estímulo. Suyos son los sutiles beats hip hop de Everything Has Changed,  que aportan gracia a uno de esos temas sobre el amor que a la cantante le salen de forma casi automática.

Pero por mucho que Taylor pruebe otros estilos, no olvida a su fiel público country. Lo malo es que precisamente ahí ofrece los cortes más aburridos y predecibles. Hay canciones anodinas (Sad Beautiful Tragic y Treacherous), buenrolleras pero muy ñoñas (Stay Stay Stay) y otras que apuntan maneras pero terminan siendo más apropiadas como bonus track (The Lucky One y Starlight). Sin embargo, esta vertiente ofrece grandes momentos: All Too Well, que podría haberse incluido en Speak Now, y Begin Again, una canción que con un ritmo muy suave da esperanza tras una ruptura sentimental.

En Red, Taylor Swift ha sabido combinar con mucha destreza nuevos sonidos que le permitan ampliar su público con un estilo que a la vez complazca a sus fans más antiguos. Durante el proceso no ha perdido de vista lo sincero de sus letras, contando historias (sobre todo de amor y desamor) que ha vivido y que permiten jugar a encontrar las referencias, por ejemplo, a Jake Gyllenhaal en We Are Never Ever Getting Back Together o a Conor Kennedy en Starlight. La carrera de Taylor ha tomado un buen rumbo con este cuarto disco.

>> onehitwonderfactory

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PAINTED ON - The Fabulous Thunderbirds

Desde la salida de la fundación guitarrista Jimmie Vaughan en los años 90, Texas blues-rock iconos de los Fabulosos Cadillacs han sido en gran parte el escaparate de vocalista / armónica hombre Kim Wilson. Sin embargo, con el reclutamiento de tiempo de viaje de los azules pimp potencia guitarrista / vocalista Nick Curran, Wilson finalmente ha reunido un conjunto verdaderamente digno de The Fabulous Thunderbirds apodo.
Curran, ex niño prodigio con rockabilly retro-vamp Kim Lenz y reconocida acólito Vaughan - la antigua Thunderbird incluso hizo una aparición antorcha que pasa en 2003 Blind Pig liberación doctor Velvet Curran - tiene en los últimos tiempos es parte en su propia marca auténtica de jump blues, swing de los años 50 del rockin, y garaje iconoclasia roca. Irónicamente, mientras que la promoción de su 2004 Blind Pig azules nugget Player!, Curran se separó de su sección rítmica desde hace mucho tiempo, incluyendo ex-Fabulous Thunderbird bajista Preston Hubbard para luego unirse a Wilson. Como aficionado, sólo se podría quedar perplejo por movimiento apresurado de Curran, pero también curiosidad por saber lo que esto haría que el sonido de los Thunderbirds. La respuesta está pintado en el quinto álbum Thunderbirds desde Vaughan izquierda y el que viene el más cercano a recuperar fuego y bravuconería del formación original. Centrado alrededor de la arenosa, distorsionada garage rock ambiente de la pista del título, el álbum es una mezcla de los Thunderbirds clásicos piedras de toque, incluidos los números de estilo rockabilly Tex-Mex pegadizas como "Fool Two-Time," danceably cobarde New Orleans R & B entrenamientos incluyendo Earl King " Sentirse My Way Around ", y por supuesto volcánica blues-rock traído a toda velocidad a través de estos originales como" Got to Get Out "y el intestino-golpes" Rock Candy ". Los fans de Curran se alegrarán al descubrir que, más que un asesino a sueldo, que llega a captar la atención con sus azules barajar "Usted torturarme." Sin embargo, no es sólo Curran quien da vida al álbum. Por el contrario, Thunderbirds veterano pianista "tío" Gene Taylor, bumptastic bajista Ronnie James Weber y Portland percusión dínamo baterista Jimi Bott traer una sección maravilloso ambiente serio ritmo al álbum. Entonces usted tiene el guitarrista Kirk Fletcher Eli, que coincide con Curran nota curva de flexión como uno de los azules más bajo abajo honderos de su generación. El tiro en un lugar vocal invitado de Detroit Cobras cantante Rachel Nagy, que pares hasta con Wilson para el Wilson Pickett-worthy "Love Speaks Louder Than Words", y no simplemente el mejor álbum Fabulous Thunderbirds en el año, pero también uno de los mejores discos de blues de los años.

>> castelarblues

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BRIDGE OVER TROUBLED WATER - Simon & Garfunkel

‘Bridge Over Troubled Water’, editado en Estados Unidos a finales de enero de 1970, es un álbum eterno, tan heterogéneo como sublime y magnético. Un álbum de difícil elaboración, en el que no solo afloraron muchas tensiones entre el dúo sino que estuvo presidido casi obsesivamente por la búsqueda de nuevos arreglos, sonoridades y efectos de todo tipo, especialmente el eco y la reverberación, en los que el ingeniero Roy Halee se empleó a fondo, compulsivamente.
Asombra, en el documental que se ha añadido a esta nueva reedición, cómo se buscan los lugares más variados y hasta insólitos con tal de conseguir sonoridades nuevas e impactantes: los pasillos del estudio, una sala de eco, la entrada de un ascensor, la capilla de una iglesia… y hasta un estadio para conseguir el palmoteo de 8.000 personas. Una pelea técnica que lleva a doblar 14 veces la voz de Paul Simon en ‘The Only Living Boy In New York’ y a viajar de costa a costa buscando los estudios apropiados, no digamos arreglistas y orquesta. Todo ello se palpa en la sonoridad tan exuberante y a la vez tan variada del disco; una caudalosa, mimada y carísima forma de trabajar que hoy se antoja imposible, máxime tratándose de un dúo que, pese a ‘El graduado’ o ‘Los sonidos del silencio’, aún no había pisado la estratosfera del éxito.

El documental citado, en el que intervienen tanto Simon como Garfunkel, pasa, sin embargo, de puntillas sobre sus tensiones mientras grababan el disco, en noviembre del 69. Tensiones no solo artísticas sino también económicas: ambos cobraban al 50% en discos y conciertos, lo que a Simon no le convencía mucho; para eso componía la mayoría de las canciones y además aportaba la voz, no tan brillante y en primer plano como la de su colega, pero sí muy eficiente e imprescindible.

En cierto modo, en ambos la pugna se desató de forma similar a cómo se había desatado en el seno de Los Beatles, entre Paul McCartney y John Lennon, durante la grabación de ‘Let It Be’: el primero, tendente a la sobriedad, en tanto que el segundo quería grandiosidad spectoriana y detallismo. En el dúo, Simon era el partidario de hacer las cosas de manera sencilla mientras que Garfunkel, azuzado por el productor e ingeniero Roy Halee, era el spectoriano. A tal punto llegó el desencuentro, que en la grabación de una de las canciones, ‘So Long Frank Lloyd Wright’, Simon dio portazo y se largó del estudio, dejando la canción, que era completamente suya, en manos de Garfunkel. “Hazla como te dé la gana”, le dijo enfadadísimo. La pieza quedó sobria, pero Garfunkel no se retuvo en meterle fondo de violines y flautas. Ganó él.

Tampoco coincidieron en el enfoque de la canción que daría título al álbum. Simon, que había compuesto la pieza escuchando un disco de gospel de Swans Silvertones, buscaba un sonido cercano, consecuentemente, al gospel en tanto que Garfunkel persistía en su obsesión spectoriana y en el trabajo que el productor había realizado con The Righteous Brothers. También ganó la batalla, no solo llevando la canción al terreno que él quería sino pidiendo, casi exigiendo, a Paul que compusiera una tercera estrofa que, luego se comprobó, remató la pieza magistralmente, convirtiéndola en una mini sinfonía pop.

A la contra, Simon se empeñó en meter una canción andina –‘El cóndor pasa’- que había conocido en un viaje a París a través del grupo peruano Los Incas. Con ella se adelantaba al etnicismo de los noventa en más de dos décadas. También hubo sus más y sus menos con ‘The Boxer’. A Simon le repateaba su final ampuloso, como le fastidiaba el aspecto pseudo reggae de ‘Why Don’t You Write Me’ o el soporte de rock’n'roll clásico que había en ‘Keep Your Coustumer Satisfied’. Garfunkel le contestó no cantando en dos piezas del disco: ‘Song For The Asking’ y ‘Baby Driver. En el capítulo de anécdotas, curioso fue el nacimiento de ‘Cecilia’: sobre un ritmo fuerte y metronómico que surgió espontáneamente una noche de fiesta en una casa alquilada de Los Angeles –la misma que había inspirado a Harrison ‘Magical Mistery Tour’- mientras el dúo y sus amigos palmoteaban al unísono sobre sus rodillas y muslos.

‘Bridge Over Troubled Water’ fue, es suma, como ocurrió con el álbum blanco de Los Beatles, el producto de las desavenencias de dos músicos separados y enfrentados, que luego el tiempo y sus ventas -25 millones de copias- refrendarían como uno de los álbumes capitales de la historia del pop. La imposibilidad de superarlo y los desencuentros entre la pareja llevó a su ruptura.

>> blogs.heraldo

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INDELIBLY STAMPED - Supertramp

Indelibly Stamped es el segundo álbum de estudio del grupo británico Supertramp, publicado en 1971. Al igual que su álbum debut, Indelibly Stamped no obtuvo gran respaldo comercial, perdiendo así su soporte financiero y a un miembro de la formación.

La edición original del álbum incluía una portada con color y distinta tipografía para el título del álbum y para el nombre del grupo. La portada incluye una fotografía de Rusty Skuse, la por entonces mujer más tatuada de Inglaterra, cuyos tatuajes fueron creados por su marido, Bill Skuse, uno de los más notables tatuadores británicos. Su nombre es perceptible en uno de los diseños situados en el brazo.

La cubierta representa el torso y los brazos de una mujer tatuada. Comúnmente se cree que el modelo para la portada fue Skuse Rusty , debido en gran parte a un tatuaje en el brazo izquierdo que le da nombre "Bill" y "Rusty", sin embargo, una comparación entre la portada del álbum y las fotografías del tatuaje del Skuse muestran que se trata de no es el caso. Según Paul Sayce, escribiendo en Noticias Tattoo, el modelo era Marion Hollier, que fue tatuado ampliamente en el Les Skuse Tattoo Studio en 1960. En un artículo publicado en El Pueblo poco después del lanzamiento del álbum también identifica Hollier como el modelo , y señaló que le pagaron 45 libras por el trabajo.

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BLACK ALBUM - Metallica

Un álbum que no necesita presentación, mucho menos la banda. Para muchos, lo último bueno de MetallicA, para otros el disco en que se inicia el descenso. Objetivamente, un álbum que suena pesado, que tiene buen ritmo, con riffs que taladran los oídos y los impresionantes solos de Hammet. Si esta banda no hubiera tenido otros cuatro discos de background, nadie se habría quejado del sonido en este disco.

El KCT (así es, yo lo tenía y lo sigo teniendo en KCT, con una fidelidad que el CD jamás podrá igualar) empieza con lo que se considera uno de los mejores riffs en la historia del metal. Enter Sandman, de lo mejor presente en el álbum, abriendo con notas suaves y el acompañamiento de los platillos, para dar paso a un riff potente y muy bien logrado. Y el solo de Hammet ni se diga. Llega Sad But True, que sin pretenciones ni riffs espeluznantes, más bien sencillos -¿qué tiene eso de malo? el riff de "walk", de Pantera, es sencillo a más no poder y es considerado de los mejores en la historia-, te mantiene a la espera de un solo que llega magistralmente.

Canciones como Holier than Thou, Of Wolf and Man, o The God that Failed mantienen un buen ritmo, los riffs son pesados y muy bien logrados. Todas ellas sirven de "shows de medio tiempo" para intercalar entre canciones como Enter Sandman, Through the Never o Wherever I may Roam. Que alguien se atreva a decir que estas canciones no tienen riffs excelentes, sonido impecable y la guitarra de Hammet haciendo solos de calidad innegable. Y qué decir de la sítara de Kirk en Wherever I may Roam, así como los excelentes riffs y aún mejores requintos.

Es cierto, contiene también las canciones The Unforgiven y Nothing Else Matters (esas dos las tocaban frente a mi antigua casa, en cierto tugurio de mala muerte al que las señoras de la vida alegre van a ejercer su "serio" oficio, jeje), que si bien un tanto melosas, hay que admirarles la composición.

En resumen, un álbum que vale la pena, el conjunto de canciones es muy bueno, al final de cuentas Metallica está compuesto por buenos músicos, en toda la extensión de la palabra. De acuerdo, no es el thrash al que nos tenían acostumbrados, pero sigue siendo un excelente metal.

Eso sí, más subjetivamente, prefiero los discos anteriores, y comparto la opinión de que la mejor época de Metallica ya pasó. Para mí, éste es el último bueno de Metallica.

>> mascriticas.com

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APPETITE FOR DESTRUCTION - Guns N' Roses

Esta es la portada original del disco no la de ahora conocida. Varias distribuidoras de música se negaron a ofrecer sus servicios a la banda si no deshechaban la carátula y finalmente el grupo se comprometió a incluir esa imagen en el interior del disco. Así pues, la portada fue reemplazada por la ahora mundialmente famosa de los cráneos de los integrantes de Guns N’ Roses sobre una cruz.

Pocos discos han recibido críticas tan positivas y unánimes como Appetite for Destruction. Dado el éxito también de ventas que obtuvo, nada menos que seis de las doce canciones del dico fueron publicadas como singles y su presencia es habitual en listas tipo “Los 500 Mejores Álbumes de la Historia” de la revista “Rolling Stone”. Recientemente, “Kerrang!” la nombró el mejor disco de la historia en su lista de los 100 mejores.

La entrada la da “Welcome to the Jungle”, una canción que ya ha pasado a la historia del rock y cuyas letras Axl Rose escribió tras un encuentro con un vagabundo en Seattle. La siguiente canción, “It’s So Easy”, es quizás la más dura del disco, escrita por el bajista Duff McKagan y publicada como primer single. Otro single lo sigue, “Nightrain”, que fue compuesta casi por toda la banda al completo: primero la música y luego la letra. Una de las mejores cosas de este álbum es que en ningún momento baja su nivel, aunque haya algunas canciones que repunten por encima de las demás. Así nos llega “Out ta Get Me”, a la que sigue “Mr. Browstone”, con un estribillo muy pegadizo y que también fue single. La siguiente canción es “Paradise City”, probablemente mi canción favorita del disco y también de los Guns en general. Cuando estaban componiendo las letras, la idea para la primera frase fue de Slash: “Take me down to the Paradise City, where the girls are fat and have big titties”. Sin embargo, el resto de la badan quería hacerla más “radio-friendly”, por lo cual, en el siguiente intento, Axl cantó la frase que quedó como definitiva para la canción: “Take me down to the Paradise City, where the grass is green and the girls are pretty”. Las siguientes dos canciones, “My Michelle” y “Think About You”, también me encantan, sobre todo la primera, cuyo estribillo me parece irresistible. Ésta última fue compuesta por el guitarrista rítmico de la banda, Izzy Stradlin.

El siguiente tema es quizás el más conocido de Guns N’ Roses: “Sweet Child o’ Mine”. La historia de esta canción comienza con Slash y el baterista Steven Adler ensayando. Slash empezó a tocar el comienzo de la canción como “una melodía de circo”, nada que tuviese que convertirse en una canción, Adler empezó con la batería y Izzy Stradlin empezó a tocar acordes para acompañar. Slash declaró posteriormente que todo empezó con una broma, ya que él había empezado a tocar la guitarra para bromear con Adler. “You’re Crazy”, “Anything Goes” y “Rocket Queen” acaban con este excelente álbum, siendo a mi gusto “You’re Crazy” y “Rocket Queen” las más discretas del álbum, sin ser para nada canciones de relleno.

>> elblogdelrock.wordpress.com

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(WHAT´S THE STORY) MORNING GLORY? - Oasis

Para muchos, el mejor álbum de los 90. Para el resto, un referente, el paradigma del britpop, el principio del fin de la rivalidad con Blur. Hoy hablamos de (What’s the Story) Morning Glory? la gran joya de Oasis (superando por poco su Definitely Maybe, 1994).

Un ejercicio vital para los hermanos Gallagher. Cuando las cosas todavía marchaban “bien” entre Líam y Noel, los de Manchester se sacaron de la manga este clásico de los 90. Doce cortes, dos breves notas instrumentales sin bautizar, y medio disco que no debe faltar en ninguno de sus recopilatorios de grandes éxitos. Riffs melódicos, letras memorables y estribillos poderosos se dan cita en la introductoria “Hello”, “Roll With It”, “Some Might Say”, la homónima “Morning Glory” o la comunmente olvidada “Cast No Shadow”. Y en el epicentro, referencias constantes a sus queridos Beatles en cada apartado psicodélico, en más de una linea para la posteridad: “Tomorrow never knows what it doesn’t know too soon”.

Sin embargo, donde para muchos más destaca el disco (y no somos una excepción), es en sus baladas. Si tuvieran que preguntarnos por cinco o seis canciones de Oasis, ¿cuántos no destacaríamos algunas de las canciones más soft de este disco? Ahí están la idolatrada “Wonderwall”, la bellísima “Don’t Look Back in Anger” o la excepcional “Champagne Supernova”, por no mencionar la siempre olvidada “She’s Electric”. Mucho se podría escribir sobre estos cuatro temas, sobre si “Wonderwall” es su mejor canción o sobre lo curioso que resulta que una banda de britpop-rock acabe siendo por muchos más recordada por sus baladas que por sus himnos rock. Todos esos ríos de tinta sólo enturbiarían la genialidad de este álbum, por lo que está de más aquí.

Tras (What’s the Story) Morning Glory?, los Gallagher siguieron componiendo, entre arrebato y arrebato, canciones continuistas, que muchos tildaron de monótonas. Similares o no, lo único realmente cierto es que, en cuanto a calidad, nunca lograron superarse.

>> binaural.es

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SOME GIRLS - The Rolling Stones

“La verdad es que las chicas me gustan demasiado”, dijo Mick Jagger a ROLLING STONE en 1978: “Y no creo que pudiera decir nada realmente desagradable de ninguna de ellas”. Y aun así, el punto de Some girls siempre ha sido que Mick tiene una o dos palabras deliciosamente desagradables para todo el mundo.
Justo cuando los Stones parecían estar desvaneciéndose, volvieron a la vida con algunas de las canciones más duras de su carrera: el punk inmoral de Shattered, el soul estilo Keith de Beast of burden, la desolación discotequera de última hora del éxito Miss you. El resultado fue el álbum más divertido, desvergonzado y pelandrusco de los Rolling Stones: un clásico que se mantiene como su disco más vendido.

Así que ¿cómo mejoras un álbum como éste? ¿Qué tal haciendo que dure el doble? Esta edición tiene 12 descartes, la mayor parte de los cuales han sido atesorados durante años en grabaciones pirata por fanáticos de los Stones. Algunos de los temas extra están casi al nivel de los originales; desde luego, están a la altura del espíritu de Some girls, empezando por la pícara Petrol blues y acabando en la tierna versión de We had it all a cargo de Keith Richards.

Es sabido lo productivas que fueron las sesiones de Some girls, la mayor parte de ellas sólo los cinco Stones y el ingeniero Chris Kimsey encerrados en un estudio de París grabando docenas de canciones. Algunos de los descartes acabaron encontrando su sitio en álbumes posteriores, caso de Hang fire o Black limousine, que resucitaron en Tattoo you.

El mejor hallazgo es Do you think I really care, un paseo countryficado por la noche neoyorquina dirigido por el pedal steel de la guitarra de Ronnie Wood y la batería de Charlie Watts. Mick persigue una visión erótica por toda la ciudad. ¿Quién si no los Stones podían extraviar una canción tan buena como ésta?

En este álbum puedes escuchar cómo Mick y Keith descubren su química común, lo mismo en el ambiente blues de When you’re gone que retozando bajo el árbol del rockabilly en Tallahassee Lassie. Es el álbum que inventó a los Stones que hemos conocido desde entonces: mezquinos, vitalistas, gloriosamente impenitentes.

>> rollingstone.es

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AUTOMATIC FOR THE PEOPLE - R.E.M.

Cuentan las leyendas que los R.E.M. querían, luego de lanzar un disco mayoritariamente acústico como es Out Of Time, grabar un álbum con cierto ‘punch’ hard-rockero. No obstante, la balanza se inclinó finalmente hacia las atmósferas oscuras e introspectivas, que les tiraban más y se les daban mejor en ese momento; con este disco podían pasar por unos ‘grungies’ sin energía como para componer con rabia y guitarras distorsionadas.

Valga aclarar que Automatic For The People no se sumerge en la melancolía desgarradora de unos Mad Season, ni mucho menos (a ver si los noventeros me cuelgan por comparaciones de ese palo), pero las canciones no rebosan precisamente sentimientos de optimismo y acentúan los dejes lóbregos que ya tenía la música de la banda, tal vez influenciados por ese nuevo movimiento que se veía encabezado mediáticamente por Cobain, amigo cercano del vocalista Michael Stipes.

Esta cuota de tristeza extra que le imprimen a su sonido, en mi modesta opinión, hace a este álbum uno de los mejores que hayan grabado: se siente en los arreglos orquestales (que en temas puntuales corre a cargo del ex-Zeppelin John Paul Jones), en los arpegios simples pero poderosos de Peter Buck, en la particular voz de Michael Stipes y en la esencia nostálgica de sus crípticos versos. Las propuestas que tienen ese ‘punch’ que se supone buscaron en un principio son irónicamente las menos buenas del álbum, aunque “Man On The Moon” ha sido elevado a la categoría de clásico.

Si bien “Everybody Hurts” es por mucho el tema más exitoso y promocionado dentro y fuera del álbum, el premio se lo llevan tracks como: “Sweetness Follows”, con esa atmósfera tan éterea y persistente, amparada por bajos golpeteos de violonchelo; el corte de apertura “Drive”, el cual está cargado de un feeling bastante ‘Heavy’ y ‘Western’ a la vez y se ve acompañado pausadamente por una voz con montones de reverb; la delicada “Nightswimming”, pieza dominada por un melodioso piano y dulcemente cantada por Stipes, por supuesto en su idioma particular donde los conceptos no están arraigados a sus palabras usuales y vagan libremente ante múltiples interpretaciones; la flotante “Star Me Kitten”, un susurro de ideas antes que una canción hecha y derecha, pero muy bien compuesta sin dudas; y las maravillosas melodías que abundan en el broche final “Find The River”.

A los ojos de un servidor, el mejor disco de R.E.M. en los ‘90 y (repito) uno de los mejores en su carrera. Lo recomiendo a quien quiera descubrir a la banda, a quien conozca el grupo y no el disco... Afortunadamente hay vida, y bastante, después del “Everybody Hurts”.

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BANGA - Patti Smith

“Íbamos a ver el mundo”, comienza susurrando en “Amerigo” Patti Smith, en referencia al explorador italiano Americo Vespuccio, que fue el que se dio cuenta de que Colón no estaba en las Indias. Esta es la canción con la que comienza su último álbum, ‘Banga’, que nos trae una vez más a una versión de la artista que siempre fue madura y siempre será vital, pese a pertenecer ya a la tercera edad. Esta vitalidad y frescura quedan patentes en “April Fool”, primer single del álbum.

Un ábum este repleto de homenajes y referencias, partiendo desde su título, ‘Banga’, que era el nombre del perro del clásico universal “El maestro y Margarita”, de Bulgákov. Canciones para Amy Winehouse (“This Is The Girl”) y para Johnny Depp (“Nine”) entre otros. This is the girl, For whom all the tears have shed (Esta es la chica para la que se han derramado todas las lágrimas) sobre Amy Winehouse en ”This Is The Girl”, “Fuji-san” homenajea a todas las víctimas del tsunami y desastre natural y nuclear de Japón, haciendo uso del poder patriótico que impregna un riff claramente inspirado en el de “Born In The USA”, de Springsteen. Cierra el álbum, por cierto, una estupenda versión de “After The Gold Rush”, de Neil Young.

Y así van desfilando por nuestros oídos letras concretas y tangibles, acompañadas de una sólida base de rock de la firma Smith, que no pierde gancho ni frescura. Sólo en una ocasión nos lleva a monomanías y progresiones al estilo ‘Horses’, de rituales y peyote, y es en la onírica “Constantine’s Dream”, de diez minutazos.

Un gusto escuchar a Patti Smith una vez más. Nunca falla.

>> bigotesycejas.com

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